Die Geschichte

Die späten Sechziger - Geschichte


Die SPÄTEN Sechziger Jahre

Die letzten Jahre der sechziger Jahre waren überschattet vom eskalierenden Krieg in Vietnam, dem unvollständigen Erfolg der Great Society und einer wachsenden Militanz bei den Bemühungen um mehr Bürgerrechte. Das Streben nach Sex, Drogen und Rock'n'Roll wurde zur Hauptbeschäftigung
vieler junger Menschen, die durch die wahrgenommenen Unzulänglichkeiten der Mainstream-Kultur abgeschreckt werden. Es entstand eine Gegenkultur, die durch die Aktivitäten der Bewohner der Region Haight-Ashbury in San Francisco verkörpert wurde. In Anlehnung an die Beatnik-Themen der 1950er Jahre der Entfremdung, der Ablehnung des Materialismus und der Suche nach spiritueller Erfüllung beeinflusste die Gegenkultur der sechziger Jahre junge Menschen im ganzen Land. Selbst diejenigen, die nicht den gesamten Lebensstil umfassten, nahmen an Experimenten mit Drogen und ausgedehnteren sexuellen Aktivitäten teil.
Die Turbulenzen der Zeit und die Entfremdung vieler Amerikaner spiegelten sich stark in einer Vielzahl von Filmen wider, wie The Pawnbroker (1965) und Easy Rider (1969). Gewalt und Horror wurden in Filmen wie Rosemarys Baby (1968) und The Wild Angels (1966) anschaulicher denn je dargestellt. Helden wurden passé und Antihelden wurden zu Protagonisten. Bonnie und Clyde (1967) haben aus zwei amoralischen Gesetzlosen existenzielle Vorbilder gemacht. Sogar die traditionellen amerikanischen Western wurden durch sardonischere, in Italien hergestellte Western ersetzt, die "Spaghetti Westerns" genannt wurden, wie The Good, the Bad, and the Ugly (1968). Strandfilme wie Beach Party (1963) wurden durch rebellischere Bikerfilme wie The Wild Angels (1966) ersetzt. Sex und Beziehungen wurden in Filmen wie The Graduate (1968) und Bob und Carol und Ted und Alice (1969) untersucht. In Filmen wie Guess Who's Coming to Dinner (1968) und Goodbye, Columbus (1969) tauchten Fragen der Rasse und ethnischen Zugehörigkeit auf. Einige Filmemacher grübelten über die unangenehmen Seiten des Lebens, wie Who's Afraid of Virginia Woolf (1966) und Midnight Cowboy (1969). Andere dachten in Filmen wie 2001: Odyssee im Weltraum (1968) und Planet der Affen (1968) über die Zukunft der Menschheit nach. Trotz der Selbstbeobachtung in vielen Filmen war in Filmen wie Barbarella (1968) und The Producers (1968) immer noch Platz für die Welt der Lager und verrückten Komödien.
Comedy-Shows wurden im Fernsehen populär, da Shows mit neuen Wegen experimentierten, um das jugendliche und zunehmend abgestumpfte Publikum zu unterhalten. Sitcoms behielten ihre Anziehungskraft, während Slapstick und subtilerer Humor andere Genres eroberten. Obwohl einige Programme von traditionellen Formen der Komödie abhingen, führten viele rassigere Elemente und schnelle Abfolgen von humorvollen Soundbits ein. Western im Fernsehen verlor weiter an Popularität, während mehr Spionage-Shows und Polizei- und Detektivsendungen eingeführt wurden, von denen viele ihre Popularität bis in die 1970er Jahre beibehielten. Es ist ironisch, dass Polizei und F.B.I. Agenten wurden in fiktiven Dramen so günstig dargestellt, aber von vielen jungen Leuten und liberalen Erwachsenen als bedrückend und nicht vertrauenswürdig angesehen. Schwarze Schauspieler und Schauspielerinnen machten mehr nicht-stereotypisierte Auftritte im Fernsehen. Die Aufregung über die Fortschritte der NASA, die in der Mondlandung gipfelte, trug zum Interesse an Science-Fiction-Shows bei.
In den späten sechziger Jahren gab es viele Fortschritte in Wissenschaft und Technologie. 1967 wurde der London Daily Express elektronisch über Telefonleitungen und Kommunikationssatelliten übertragen, um in Puerto Rico gedruckt zu werden; die Übertragung dauerte 15 Minuten. Wissenschaftler machten Fortschritte in der Halbleiterforschung. Ein Durchbruch in der biochemischen Forschung 1968 ermöglichte den späteren Einsatz der Gentechnik. Computer verbesserten sich in Geschwindigkeit und Leistungsfähigkeit. Supertanker wurden eingeführt, um Öl zu transportieren. Ökologische Forschungen enthüllten umweltschädlichere Industrie- und Verbraucherpraktiken und inspirierten zu Demonstrationen gegen Umweltverschmutzung und den Einsatz von Herbiziden und Insektiziden. Das sowjetische Überschallflugzeug Tupolev TU-144 durchbrach 1968 die Schallmauer, das erste Mal, dass ein Verkehrsflugzeug dieses Kunststück vollbrachte. Das bekannteste technologische Ereignis war jedoch die Mondlandung von Apollo 11 am 20. Juli 1969, die live in amerikanische Haushalte übertragen wurde. Im selben Jahr wurde der erste Mikroprozessor, Intel 4004, erfunden; ein Rasterelektromikroskop wurde gebaut; Blasenspeicher wurde entwickelt, um Computern zu ermöglichen, Informationen zu speichern, wenn sie ausgeschaltet sind; das transatlantische Schiff Queen Elizabeth II machte seine erste Reise; und ein großes Schiff fuhr zum ersten Mal durch die Nordwestpassage. Das Schiff war der US-Eisbrecher-Tanker Manhattan, und die Reise zeigte, dass es möglich war, Alaska-Öl per Schiff in die ostamerikanischen Staaten zu transportieren.
Neue und verbesserte Produkte und Dienstleistungen kamen ins Haus. Das erste erfolgreiche transatlantische Direktwahlgespräch wurde 1966 geführt, und 1967 begann der regelmäßige Telefondienst von New York nach Paris und London. Die Aufnahmen wurden durch die Entwicklung eines Dolby-Geräts verbessert, um Hintergrundgeräusche herauszufiltern. Im Jahr 1968 mussten amerikanische Autos wegen der neu verstandenen Gefahren der Kohlenwasserstoffemissionen von Kraftfahrzeugen über Anti-Verschmutzungsvorrichtungen verfügen, um die Emissionen zu kontrollieren. Im selben Jahr wurden erstmals Big Macs und Quarzuhren vermarktet. Die frühesten Modelle der Quarzuhren kosteten etwa 1.000 US-Dollar. 1969 stellte die japanische Firma Seiko die ersten elektronischen Armbanduhren vor, gefolgt von Pulsar, einem amerikanischen Unternehmen.
Fortschritte in der Elektronik lieferten Synthesizer und inspirierten einen eher elektrischen, metallischen Klang in der populären Musik. Viele Folk-Sänger, darunter auch Bob Dylan, waren Mitte des Jahrzehnts bereits von Akustik zu Elektro umgestiegen. Andere Musiker wie Simon und Garfunkel entlehnten die Akustikgitarre und aktuelle Texte der Volksmusik und kombinierten sie mit treibenden Rhythmen und Instrumentalklängen aus der Rockmusik. Rock im Blues-Stil wurde von vielen britischen Musikern gespielt, darunter den Rolling Stones und Cream (mit dem Gitarristen Eric Clapton).
1967 betraten britische und amerikanische Musiker mit Alben wie Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (The Beatles), sind Sie erfahren? (Jimi Hendrix), Surrealistic Pillow (Jefferson Airplane), The Doors (Jim Morrison and The Doors) und Disraeli Gears (Cream). Obwohl ein Großteil dieser Musik von brillanten und einzigartigen Künstlern produziert wurde, verwendeten viele dieser Musiker und ihre Fans bewusstseinsverändernde Drogen, um diese Effekte zu erzeugen oder zu verstärken. Während Marihuana die häufigste Droge unter Folk-, R&B- und Rockmusikern war, wurde LSD bei den Acid-Rock-, Heavy-Metal- und Psychedelic-Menschen beliebt.
Obwohl San Francisco ein wichtiges Zentrum für diese musikalischen und drogenkonsumierenden Aktivitäten war, ahmten immer mehr junge Menschen im ganzen Land Aspekte des Hippie-Lebensstils nach. Der Hippie-Lifestyle erschien im Fernsehen, in den Filmen und am Broadway. Nirgendwo wurde Gegenkultur so zelebriert wie auf den Massenmusikfestivals der späten sechziger Jahre, die 1969 im Woodstock-Festival ihren Höhepunkt fanden.
Viele schwarze Musiker erforschten weiterhin die Möglichkeiten der Soulmusik. Obwohl Soulmusik bis in die 1970er Jahre bei einem schwarzen Publikum beliebt war, erreichte sie nie eine so große allgemeine Popularität wie die Musik von Motown. Obwohl Motown-Gruppen es zuvor vermieden hatten, politische Statements in der Musik abzugeben, wurde es schwieriger, eine solche Distanz zu den größeren Ereignissen der Gesellschaft aufrechtzuerhalten. Schließlich produzierten sie Songs, die sich mit sozialen Themen beschäftigten und einige afrozentrische Kleidungs- und Haarstile übernahmen, die bei vielen Afroamerikanern beliebt waren.
Neben einem verstärkten ethnischen Bewusstsein in der Haar- und Kleidungsmode betonte die Popkultur der späten sechziger Jahre noch deutlicher als in früheren Jahren Jugend und Rebellion. Das "Gesicht von 1966" war Twiggy, das dünne Cockney-Model, das einen Unisex-Nouveaux-Flapper-Look für Frauen populär machte. Die Op-Art mit ihrer daumennasigen Haltung gegenüber etablierten künstlerischen Themen- und Stilnormen wurde populär. Rollkragenpullover aus Kaschmir, besonders unter Nehru-Jacken getragen, wurden schick. Der modische Look von Dutch-Boy-Mützen, extravaganten weiten Krawatten, Seidenhemden und Schlaghosen war der Stil für Männer. Viele Frauen trugen gepiercte Ohren, weiße Stiefel und weiße Strümpfe, die rassigeren trugen Mikrominiröcke. Teenager trugen Oma-Brillen, während die Kinder Zeichentrickuhren trugen. Alle Dinge aus dem Fernen Osten, oder als östlich vermarktbar, wurden populär. Die Amerikaner waren von allem fasziniert, von ostasiatischer Kleidung bis hin zu hinduistischer Mystik. Zu den eifrigsten Konsumenten der Mystik gehörten die Bewohner von Haight-Ashbury.
Die Hippie-Gegenkultur kam mit einer Uniform: lange Haare, Batikhemden, Jeans, Protestknöpfe, lange geblümte Röcke. So wie der Hippie-Look deutlich entspannter war als die vorherrschenden Standards, waren die Hippie-Sexualsitten im Allgemeinen lockerer als die der allgemeinen Bevölkerung. Dennoch hatten ihre Handlungen Auswirkungen auf die größere Gesellschaft und veränderten die Rolle von Sex in der amerikanischen Gesellschaft.
Eines der wichtigsten Bücher des Jahres 1966 war Human Sexual Response von Masters and Johnson. Seine Veröffentlichung und Popularität spiegelten sich wider und trugen zu einer wachsenden sozialen Leichtigkeit bei, über Sex im öffentlichen Forum zu diskutieren, wie in den expliziteren sexuellen Situationen gezeigt, die in Mainstream-Romanen und Bestsellern beschrieben werden. Kriminalromane wurden düsterer und Spionageromane erfreuten sich weiterhin großer Beliebtheit. Schriftsteller schrieben zunehmend über ethnische Themen und Charaktere verschiedener ethnischer Gruppen.
; Religion und Mystik; Tal der Puppen (1966) von Jacqueline Susann; Portnoys Beschwerde (1969) von Philip Roth; Kaltblütig (Truman Capote, 196?).
Themen wie Ethnizität, Sexualität, Entfremdung und Gewalt durchdrangen die Populärkultur der späten 1960er Jahre und spiegelten die politischen und gesellschaftlichen Ereignisse der Zeit wider. Aufgrund der Verbreitung von Informationen in den Massenmedien hatten die Aktivitäten gesellschaftlicher Randgruppen die Macht, die Gesamtgesellschaft zu beeinflussen. Obwohl einige dieser Aktivitäten negativ und schädlich waren, führte der offene Marktplatz für Ideen zu einer reichen und vielfältigen Populärkultur.



1960er in der Musik

Dieser Artikel enthält einen Überblick über die Ereignisse und Trends in populäre Musik in den 1960er Jahren.

In Nordamerika und Europa war das Jahrzehnt in Bezug auf die populäre Musik besonders revolutionär, da es die Entwicklung des Rock und den Beginn der Album-Ära erlebte. [1] Zu Beginn der 1960er Jahre setzten sich die Pop- und Rock'n'Roll-Trends der 1950er dennoch fort, der Rock'n'Roll des Jahrzehnts davor begann sich zu einer internationaleren, elektrischen Variante zu vermischen. In den frühen 1960er Jahren wurde Rock'n'Roll in seiner reinsten Form allmählich von Pop-Rock, Beat, Psychedelic-Rock, Blues-Rock und Folk-Rock abgelöst, die an Popularität gewannen. Der Country- und Folk-beeinflusste Stil [2], der mit der Rockmusik der zweiten Hälfte der 1960er Jahre verbunden war, brachte eine Generation populärer Singer-Songwriter hervor, die ihre eigenen Werke schrieben und aufführten. Gegen Ende des Jahrzehnts begannen Genres wie Barock-Pop, [3] Sonnenschein-Pop, [4] Kaugummi-Pop [5] und Progressive Rock populär zu werden, wobei die beiden letzteren im folgenden Jahrzehnt größere Erfolge feierten. Darüber hinaus wurden in den 1960er Jahren Funk- und Soulmusik immer beliebter, Rhythm and Blues blieben im Allgemeinen beliebt. Die Verschmelzung von R&B, Gospel und Original-Rock and Roll war bis Mitte des Jahrzehnts ein Erfolg. [6] Abgesehen von der Popularität von Rock- und R&B-Musik in den 1960er Jahren erreichte die lateinamerikanische sowie die jamaikanische und kubanische Musik im Laufe des Jahrzehnts einen gewissen Grad an Popularität mit Genres wie Bossa Nova, dem Cha-Cha-Cha, [7 ] ska, [8] und Calypso sind beliebt. Aus klassischer Sicht waren die 1960er Jahre auch ein wichtiges Jahrzehnt, da sie die Entwicklung elektronischer, experimenteller, Jazz- und zeitgenössischer klassischer Musik, insbesondere des Minimalismus und der freien Improvisation, erlebten. [9]

In Asien prägten verschiedene Trends die populäre Musik der 1960er Jahre. In Japan erlebte das Jahrzehnt den Anstieg der Popularität mehrerer westlicher Populärmusikgruppen wie der Beatles. Der Erfolg von Rockmusik und Bands in Japan begründete ein neues Genre, bekannt als Group Sounds, das in der zweiten Hälfte des Jahrzehnts populär wurde.

In Südamerika begannen Genres wie Bossa Nova, Nueva canción und Nueva ola aufzusteigen. Die Rockmusik begann ihre Spuren zu hinterlassen und wurde in den 1960er Jahren erfolgreich. Darüber hinaus wurde Salsa gegen Ende des Jahrzehnts populär. [7] In den 1960er Jahren gelangte Cumbia nach Chile und hinterließ einen lang anhaltenden Einfluss auf die tropische Musik in diesem Land. [10]


Autos 1960

1960 forderten Autokäufer kleinere Fahrzeuge. Kompaktwagen wurden von allen Automobilherstellern stark vermarktet, ganz im Gegensatz zu den 1950er Jahren. Zu den neuen Modellen gehörten der Ford Falcon, der Chevrolet Corvair und der Plymouth Valiant. Kurz darauf veröffentlichte Lincoln-Mercury den Comet und Dodge stellte den Dart vor. Mitte 1960 kündigte General Motors an, drei kleinere Autos anzubieten, den Buick Special, den Oldsmobile F-85 und den Pontiac Tempest. Diese Konzentration auf kleinere Autos im Inland führte zu einem starken Rückgang der Importverkäufe.

US-Einzelhandelskäufer hatten 266 verschiedene Modelle zur Auswahl, mit einer Standardpreisspanne von 1.795 US-Dollar für eine Rambler American-Limousine bis 13.075 US-Dollar für den limitierten Cadillac Eldorado Brougham. Im Allgemeinen haben sich die Preise gegenüber dem Vorjahr kaum verändert.

Die 4-Türer-Limousine war immer noch der Bestseller, aber Kombis wurden immer beliebter und lagen bei allen Verkäufen an zweiter Stelle vor dem sportlicheren 2-Türer.

Technische Verbesserungen mit dem Ziel, die Wirtschaftlichkeit der Nutzung zu verbessern. Aluminium ersetzte bei einigen Modellen Eisen und Stahl, um das Gewicht zu reduzieren. Es wurden Anpassungen an Brennkammerdesign und Verdichtungsverhältnissen vorgenommen, die den Kraftstoffverbrauch unterstützten. Mechanische Fortschritte waren zu sehen, als wir das erste in Amerika hergestellte Heckmotorauto, den Chevy Corvair, sahen.

Ebenfalls 1960 wurde die erste Lichtmaschine in einem Serienfahrzeug eingesetzt. Obwohl Lichtmaschinen ausgiebig in Fahrzeugen wie Taxis, Polizeiautos und anderen Fahrzeugen mit zahlreichen Geräten und Zubehör verwendet wurden, war die Installation einer Lichtmaschine in einem Familienauto wie dem Chrysler Variant eine Premiere. Einige Branchenexperten spekulierten über einen branchenweiten Einsatz von Generatoren innerhalb eines Jahrzehnts.


Im Jahr 1959 begann der New Yorker Künstler Allan Kaprow (1927–) einen Trend zu künstlerischen Präsentationen namens Happenings. Happenings lud die Besucher in ein Theaterset ein, in dem sie mit der Kunst interagierten, die den Besuchern Skulptur, Musik, Theaterdrama und anderen künstlerischen Formen begegnen konnte. Obwohl die Ereignisse den Besuchern spontan erschienen und oft unvorhersehbar waren, handelte es sich in Wirklichkeit um komplizierte, eng koordinierte Ereignisse. Im Gegensatz zu regulären Ausstellungen, bei denen die Besucher nur fertige Bilder oder Skulpturen betrachteten, ermöglichten Happenings den Besuchern die Teilhabe an der Kunst. Einige von ihnen wurden als "lebende Skulpturen" bezeichnet.

Der Begriff "Happening" stammt von Kaprows erstem Ereignis, genannt 18 Ereignisse in 6 Teilen, gehalten 1959 in der Reuben Gallery in New York. Kaprow hat für die Veranstaltung durchsichtige Kunststoffwände aufgestellt, um die Galerie in drei Räume zu unterteilen. Mit streng choreografierten Bewegungen boten Performer den Besuchern Eintrittskarten für die Veranstaltung an, führten sie zu bestimmten Plätzen in bestimmten Räumen und führten sie zu bestimmten Zeiten in einen anderen Raum. In den Räumen sahen die Besucher unter anderem einen Künstler, der Orangen drückte, eine Person, die Streichhölzer anzündete, ein Künstlergemälde und eine Gruppe von Künstlern, die Spielzeuginstrumente spielten. Kaprows andere Happenings inklusive Coca Cola, Shirley Cannonball? (1960), in dem Besucher zusahen, wie ein riesiger Pappstiefel in einer Turnhalle im Takt von Pfeife und Trommel einen Ball kickte Wörter (1962), eine Veranstaltung, die Besuchern die Möglichkeit bietet, auf Karton gemalte Wörter an der Wand einer Galerie neu anzuordnen und Push and Pull: Eine Möbelkomödie für Hans Hofmann (1963), das den Besuchern die Möglichkeit bot, die Möbel in zwei Räumen neu zu arrangieren. Andere Künstler, die Happenings schufen, waren Robert Rauschenberg (1925–), Claes Oldenburg (1929–) und Jim Dine (1935–).

Die meisten Ereignisse fanden in Kunstgalerien statt. Einige wurden jedoch unter anderem im Freien, in Künstlerateliers, auf leeren Grundstücken oder auf Bahnhöfen aufgestellt. Ziel der Happenings war es, den Besuchern die Möglichkeit zu bieten, die Unterscheidung zwischen Kunstgattungen und ihren Platz im öffentlichen Leben zu hinterfragen. Happenings erreichten in den frühen 1960er Jahren ihren Höhepunkt. Obwohl viele der angesagten Künstler zu traditionelleren künstlerischen Ausdrucksformen zurückkehrten, führte ihre Arbeit zur Performance-Kunst. Performance-Kunst wurde zu einer unverwechselbaren Form der künstlerischen Live-Präsentation, die Malerei, Tanz, Gesang, Poesie und andere künstlerische Ausdrucksformen umfassen konnte. Es unterschied sich vom Theater, ebenso wie Happenings, weil die Performance-Kunst keine Charaktere oder Handlung beinhaltete. Sowohl Happenings als auch Performancekunst galten als „reine“ Kunst, weil sie weder käuflich noch handelbar, sondern nur erlebbar waren.

Zeiten ändern sich. Schriftsteller verwendeten absurde Elemente, schwarze Komödien und persönliche Memoiren in ihren literarischen Experimenten. Thomas Pynchon (1937–) experimentierte mit der Erzählform des Romans selbst. In seinem Roman V (1963) präsentierte Pynchon eine nichtlineare Geschichte, in der er beschreibende "Schnappschüsse" aus dem Leben der vielen Charaktere des Romans zwischen 1898 und 1944 verwendete, um ein mehrdimensionales Bild der Gesellschaft zu schaffen. Die Autoren Joseph Heller (1923–1999) und Kurt Vonnegut (1922–) haben das Grauen und die Entmenschlichung des Zweiten Weltkriegs durch Parodie oder schwarze Komödie dargestellt, die mit Humor Themen behandelt, die nicht wirklich lustig sind. In seinem Roman Fang-22 (1961) benutzte Heller einen satirischen Schreibstil und den Charakter von Yossarian, um Medizin, Wirtschaft, Religion, Regierung und das Militär zu kritisieren. In Schlachthaus fünf (1966).

Neben stilistischen Experimenten öffnete sich die Literatur einem breiten Themenspektrum. Die Themenvielfalt resultierte unter anderem aus gelockerten Zensurregeln und einem Anstieg der Zahl von Minderheiten- und Schriftstellerinnen. Tom Wolfes (1931–) Das Kandy-Kolored Tangerine-Flake Streamline Baby (1965) schockierte einige und begeisterte andere mit seiner einst zensierten Sprache und Darstellungen des psychedelischen Lebensstils dieser Zeit. Zwei mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnete Romane des Jahrzehnts schilderten die Erfahrungen ethnischer und rassischer Minderheiten. Shirley Ann Graus (1929–) Die Hüter des Hauses, das 1965 den Pulitzer gewann, porträtierte die sozialen und politischen Kämpfe einer südlichen Familie mit dem Hintergrund der gemischtrassigen Ehe und N. Scott Momadays (1934-) Haus aus Morgenröte, der 1969 den Pulitzer gewann, erzählt die Geschichte eines jungen amerikanischen Ureinwohners, der versucht, die Unterschiede zwischen der weißen Gesellschaft und der seiner Vorfahren zu versöhnen. Schriftstellerinnen, darunter Anne Sexton und Sylvia Plath, schrieben kraftvolle Gedichte über die weibliche Erfahrung.

Darüber hinaus brachte die Black Arts Movement (BAM) Mitte bis Ende der 1960er Jahre eine Reihe von Werken von Afroamerikanern hervor. Zu den einflussreichsten zählen LeRoi Jones (später genannt Imamu Amiri Baraka), Ed Bullins, Nikki Giovanni, Adrienne Kennedy, und Larry Neal. Diese Bewegung verband die Kunst des Schreibens mit den politischen Zielen der Bürgerrechtsbewegung. Schwarze Künstler nutzten ihre Literatur und Kunst, um andere Schwarze zu erheben und zu inspirieren. Die Werke vieler in der Schwarzen Kunstbewegung Beteiligter waren eine neue Grundlage, auf der Schwarze eine Gesellschaft aufbauen konnten, die sich auf ihre einzigartige Kultur und ihr Erbe konzentrierte. Obwohl sich die BAM in den 1970er Jahren auflöste, produzierten Afroamerikaner während des 20. Jahrhunderts und bis in die 2000er Jahre weiterhin wertvolle literarische und künstlerische Werke.


Inhalt

Diese Interpreten und einige andere waren maßgeblich am Beginn der Volksmusik-Wiederbelebung der 1950er und 1960er Jahre beteiligt.

Folkrock Bearbeiten

In den 1960er Jahren war die Szene, die sich aus dem amerikanischen Volksmusik-Revival entwickelt hatte, zu einer großen Bewegung herangewachsen, die traditionelle Musik und neue Kompositionen in einem traditionellen Stil, normalerweise auf akustischen Instrumenten, verwendete. [1] [4] In Amerika wurde das Genre von Persönlichkeiten wie Woody Guthrie und Pete Seeger wegbereitet und oft mit progressiver oder Arbeitspolitik identifiziert. [4] In den frühen sechziger Jahren traten in dieser Bewegung Persönlichkeiten wie Joan Baez und Bob Dylan als Singer-Songwriter in den Vordergrund. [5] Dylan hatte begonnen, ein Mainstream-Publikum mit Hits wie "Blowin' in the Wind" (1963) und "Masters of War" (1963) zu erreichen, die "Protestsongs" einem breiteren Publikum zugänglich machten, [6] aber, Obwohl Rock- und Volksmusik anfingen, sich gegenseitig zu beeinflussen, waren sie weitgehend getrennte Genres geblieben, oft mit einem sich gegenseitig ausschließenden Publikum. [7]

Zu den frühen Versuchen, Elemente von Folk und Rock zu kombinieren, gehörte das Animals "House of the Rising Sun" (1964), das erste kommerziell erfolgreiche Folksong, das mit Rock'n'Roll-Instrumenten aufgenommen wurde. [8] Die Folk-Rock-Bewegung soll mit der Aufnahme von Dylans "Mr. Tambourine Man" durch die Byrds ins Rollen gekommen sein, die 1965 die Charts anführte. [7] Mit Mitgliedern, die Teil der Café-basierten Folk-Szene waren in Los Angeles übernahmen die Byrds Rock-Instrumente, darunter Schlagzeug und 12-saitige Rickenbacker-Gitarren, die ursprünglich von der Band gesehen wurden und im Beatles-Film A Hard Day's Night (Film) verwendet wurden, der zu einem wichtigen Element im Sound von wurde das Genre. [7] Später in diesem Jahr nahm Dylan elektrische Instrumente an, sehr zum Entsetzen vieler Folk-Puristen, und sein "Like a Rolling Stone" wurde zu einer US-Hit-Single. [7] Folkrock nahm vor allem in Kalifornien Fahrt auf, wo er Acts wie The Mamas & the Papas und Crosby, Stills und Nash dazu brachte, zu elektrischen Instrumenten zu wechseln, und in New York, wo er Künstler wie The Lovin' Spoonful und Simon hervorbrachte und Garfunkel, dessen akustisches "The Sounds of Silence" mit Rockinstrumenten geremixt wird, ist der erste von vielen Hits. [7]

Folk Rock erreichte seinen Höhepunkt der kommerziellen Popularität in der Zeit von 1967 bis 1980, bevor viele Acts in verschiedene Richtungen gingen, darunter Dylan und die Byrds, die begannen, Country Rock zu entwickeln. [9] Die Hybridisierung von Folk und Rock hat jedoch einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Rockmusik, indem sie Elemente der Psychedelie einbringt und zur Entwicklung der Ideen des Singer-Songwriters, des Protestliedes und der Konzepte von . beiträgt "Authentizität". [7] [10]

Psychedelic-Rock Bearbeiten

Der LSD-inspirierte Vibe der psychedelischen Musik begann in der Folk-Szene, als die New Yorker Holy Modal Rounders den Begriff in ihrer 1964er Aufnahme von "Hesitation Blues" verwendeten. [11] Die erste Gruppe, die sich als Psychedelic-Rock bewarb, waren die 13th Floor Elevators aus Texas, die Ende 1965 ein Album produzierten, das ihre Richtung klar machte, mit Die psychedelischen Klänge der Aufzüge im 13. Stock das folgende Jahr. [11]

Psychedelic Rock nahm in der aufstrebenden Musikszene Kaliforniens besonders Fahrt auf, als Gruppen ab 1965 den Byrds vom Folk zum Folkrock folgten. [12] Der psychedelische Lebensstil hatte sich bereits in San Francisco entwickelt und besonders prominente Produkte der Szene waren The Grateful Dead, Country Joe und der Fisch, The Great Society und Jefferson Airplane. [12] [13] Die Byrds entwickelten sich 1966 mit ihrer Single „Eight Miles High“ [14] schnell vom reinen Folkrock, [14] die von vielen Hörern als Hinweis auf den Drogenkonsum wahrgenommen wurde. Tatsächlich bezog es sich auf die Flugreise der Byrds nach England im Jahr 1965. [fünfzehn]

Psychedelic Rock erreichte in den letzten Jahren des Jahrzehnts seinen Höhepunkt. In Amerika wurde der Summer of Love durch das Human Be-In-Event eingeleitet und erreichte seinen Höhepunkt beim Monterey Pop Festival [16], das später dazu beitrug, große amerikanische Stars wie Jimi Hendrix und The Who zu machen, deren Single "I Can See for Miles" tauchte in psychedelisches Terrain ein. [17] Zu den wichtigsten Aufnahmen gehörten Jefferson Airplanes Surrealistisches Kissen und Die Türen Seltsame Tage. [18] Diese Trends erreichten ihren Höhepunkt beim Woodstock-Festival 1969, [19] bei dem die meisten großen Psychedelic-Acts auftraten, aber am Ende des Jahrzehnts war der Psychedelic-Rock auf dem Rückzug. Die Jimi Hendrix Experience löste sich vor dem Ende des Jahrzehnts auf und viele überlebende Acts bewegten sich weg von der Psychedelia hin zu einem mehr zurück zu den Grundlagen "Roots Rock", dem breiteren Experimentieren von Progressive Rock oder riffgeladenem Heavy Rock. [12]

Surfrock Bearbeiten

In den frühen 1960er Jahren war Surf Rock eine der beliebtesten Formen des Rock'n'Roll, der sich dadurch auszeichnete, dass er fast ausschließlich instrumental war und die Gitarren stark nachhallten. Der Federhall, der in den damaligen Fender-Verstärkern enthalten war, erzeugte bei maximaler Lautstärke einen Gitarrenton, der mit Sustain schimmerte und an Brandungs- und Ozeanbilder erinnerte.

Duane Eddys "Movin' and Groovin" wird von vielen als der Hauptanwärter für die Grundsteinlegung der ersten Surf-Rock-Platte angesehen, während andere behaupten, dass das Genre von Dick Dale auf "Let's Go Trippin'" erfunden wurde, das ein Hit wurde in ganz Kalifornien. Die meisten frühen Surfbands wurden während dieses Jahrzehnts in Südkalifornien gegründet. Mitte der 1960er-Jahre hatten sich die Beach Boys, die komplexe Pop-Harmonien über einem grundlegenden Surf-Rock-Rhythmus verwendeten, als die dominierende Surfgruppe entwickelt und dazu beigetragen, das Genre populär zu machen. [20] Darüber hinaus gehörten auch Bands wie The Ventures, The Shadows, The Atlantics, The Surfaris und The Champs zu den beliebtesten Surf-Rock-Bands des Jahrzehnts.

Garagenrock Bearbeiten

Garage Rock war eine Form amateurhafter Rockmusik, die Mitte der 1960er Jahre besonders in Nordamerika verbreitet war und so genannt wurde, weil sie der Meinung war, dass sie in einer Vorstadt-Familiengarage geprobt wurde. [21] [22] Garage-Rock-Songs drehten sich um die Traumata des High-School-Lebens, wobei Lieder über "lügende Mädchen" besonders verbreitet waren. [23] Der Text und die Darbietung waren deutlich aggressiver, als es zu dieser Zeit üblich war, oft mit geknurrten oder geschrienen Vocals, die sich in zusammenhangloses Schreien auflösten. [21] Sie reichten von grober Ein-Akkord-Musik (wie die Seeds) bis hin zu fast studiomusikalischer Qualität (einschließlich der Knickerbockers, der Remains und der Fifth Estate). Es gab auch regionale Unterschiede in vielen Teilen des Landes mit blühenden Szenen, insbesondere in Kalifornien und Texas. [23] Die pazifischen Nordweststaaten Washington und Oregon hatten vielleicht den am besten definierten regionalen Klang. [24]

Der Stil hatte sich bereits 1958 aus regionalen Szenen entwickelt. "Louie Louie" von The Kingsmen (1963) ist ein Mainstream-Beispiel für das Genre in seinen prägenden Phasen. Bis 1963 schlichen sich Garagenband-Singles in größerer Zahl in die nationalen Charts ein, darunter Paul Revere und die Raiders (Boise), [25] die Trashmen (Minneapolis) [26] und die Rivieras (South Bend, Indiana). [27] In dieser frühen Zeit waren viele Bands stark vom Surf Rock beeinflusst und es gab eine gegenseitige Bestäubung zwischen Garage Rock und Frat Rock, die manchmal nur als Untergenre des Garage Rock angesehen werden. [28]

Die britische Invasion von 1964-66 beeinflusste Garagenbands stark, verschaffte ihnen ein nationales Publikum, führte viele (oft Surf- oder Hot-Rod-Gruppen) dazu, einen britischen Invasions-Lilt anzunehmen und viele weitere Gruppen zu gründen. [23] Tausende von Garagenbands gab es während der Ära in den USA und Kanada und Hunderte produzierten regionale Hits. [23] Trotz zahlreicher Bands, die bei großen oder großen regionalen Labels unter Vertrag genommen wurden, waren die meisten kommerzielle Misserfolge. Es ist allgemein anerkannt, dass Garage Rock um 1966 sowohl kommerziell als auch künstlerisch seinen Höhepunkt erreichte. [23] 1968 verschwand der Stil weitgehend aus den nationalen Charts und auf lokaler Ebene, als Amateurmusiker mit College, Arbeit oder dem Entwurf konfrontiert wurden. [23] Neue Stile hatten sich entwickelt, um Garagenrock zu ersetzen (einschließlich Bluesrock, Progressive Rock und Country Rock). [23] In Detroit blieb der Garagenrock bis in die frühen 70er Jahre lebendig, mit Bands wie dem MC5 und The Stooges, die einen viel aggressiveren Stil verwendeten. Diese Bands wurden als Punkrock bezeichnet und werden heute oft als Proto-Punk oder Proto-Hardrock angesehen. [29]

Bluesrock Bearbeiten

Blues Rock wurde in den frühen 1960er Jahren von dem amerikanischen Sänger und Gitarristen Lonnie Mack [30] entwickelt, aber das Genre kam in den USA erst Mitte der 60er Jahre auf, als amerikanische Bands begannen, einen Sound ähnlich dem britischen Blues zu entwickeln und Bluesrock-Musiker. Zu den wichtigsten Acts gehörten Paul Butterfield (dessen Band wie Mayalls Bluesbreakers in Großbritannien als Ausgangspunkt für viele erfolgreiche Musiker diente), Canned Heat, das frühe Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band und Jimi Hendrix mit seinem Power-Trios, The Jimi Hendrix Experience und Band of Gypsys, deren Gitarrenvirtuosität und Schauspielkunst zu den am meisten nachgeahmten des Jahrzehnts gehörten. [31] Blues-Rock-Bands wie Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd und schließlich ZZ Top aus den Südstaaten integrierten Country-Elemente in ihren Stil, um unverwechselbaren Southern Rock zu produzieren. [32]

Roots-Rock Bearbeiten

Roots Rock ist der Begriff, der heute verwendet wird, um eine Abkehr von den Exzessen der Psychedelic-Szene zu einer einfacheren Form des Rock'n'Roll zu beschreiben, die seine ursprünglichen Einflüsse, insbesondere Country- und Folk-Musik, einbezog und zur Entstehung von Country-Rock und Southern . führte Felsen. [33] 1966 führte Bob Dylan die Bewegung an, als er nach Nashville ging, um das Album aufzunehmen Blond auf Blond. [34] Dieses und die folgenden, deutlicher vom Country beeinflussten Alben wurden als die Schaffung des Genres des Country-Folk angesehen, eine Route, die von einer Reihe von größtenteils akustischen Volksmusikern verfolgt wurde. [34] Andere Acts, die dem Back-to-Basics-Trend folgten, waren die kanadische Gruppe The Band und das in Kalifornien ansässige Creedence Clearwater Revival, die beide Basic Rock and Roll mit Folk, Country und Blues mischten, um zu den erfolgreichsten zu gehören und einflussreiche Bands der späten 1960er Jahre. [35] Dieselbe Bewegung markierte den Beginn der Aufnahmekarrieren kalifornischer Solokünstler wie Ry Cooder, Bonnie Raitt und Lowell George [36] und beeinflusste die Arbeit etablierter Künstler wie der Rolling Stones Bettlerbankett (1968) und die Beatles Kümmer dich nicht darum (1970). [12]

1968 wurde Gram Parsons aufgenommen Sicher zu Hause mit der International Submarine Band, dem wohl ersten echten Country-Rock-Album. [37] Später in diesem Jahr schloss er sich den Byrds an für Schatz des Rodeo (1968), die allgemein als eine der einflussreichsten Aufnahmen des Genres gilt. [37] Die Byrds gingen in die gleiche Richtung, aber Parsons ging, um mit einem anderen Ex-Byrds-Mitglied, Chris Hillman, die Flying Burrito Brothers zu gründen, die dazu beitrugen, die Seriosität und die Parameter des Genres zu etablieren, bevor Parsons ging, um eine Solokarriere zu verfolgen . [37] Country-Rock war in der kalifornischen Musikszene besonders beliebt, wo er von Bands wie Hearts and Flowers, Poco und Riders of the Purple Sage, [37] den Beau Brummels [37] und der Nitty Gritty Dirt Band übernommen wurde. [38] Eine Reihe von Künstlern erlebte auch eine Renaissance, indem sie Country-Sounds übernahmen, darunter: das ehemalige Teenie-Idol der Everly Brothers Ricky Nelson, der Frontmann der Stone Canyon Band wurde, ehemaliger Monkee Mike Nesmith, der die First National Band gründete, und Neil Young . [37] Die Dillards waren ungewöhnlicherweise ein Country-Act, der sich der Rockmusik zuwandte. [37] The greatest commercial success for country rock came in the 1970s, with artist including the Doobie Brothers, Emmylou Harris, Linda Ronstadt and the Eagles (made up of members of the Burritos, Poco and Stone Canyon Band), who emerged as one of the most successful rock acts of all time, producing albums that included Hotel Californien (1976). [39]

The founders of Southern rock are usually thought to be the Allman Brothers Band, who developed a distinctive sound, largely derived from blues rock, but incorporating elements of boogie, soul, and country in the early 1970s. [40] The most successful act to follow them were Lynyrd Skynyrd, who helped establish the "Good ol' boy" image of the subgenre and the general shape of 1970s guitar rock. [40] Their successors included the fusion/progressive instrumentalists Dixie Dregs, the more country-influenced Outlaws, jazz-leaning Wet Willie and (incorporating elements of R&B and gospel) the Ozark Mountain Daredevils. [40] After the loss of original members of the Allmans and Lynyrd Skynyrd, the genre began to fade in popularity in the late 1970s, but was sustained the 1980s with acts like .38 Special, Molly Hatchet and The Marshall Tucker Band. [40]

Progressive rock Edit

Progressive rock, sometimes used interchangeably with art rock, was an attempt to move beyond established musical formulas by experimenting with different instruments, song types, and forms. [41] From the mid-1960s The Left Banke, The Beatles, The Rolling Stones and The Beach Boys, had pioneered the inclusion of harpsichords, wind and string sections on their recordings to produce a form of Baroque rock and can be heard in singles like Procol Harum's "A Whiter Shade of Pale" (1967), with its Bach inspired introduction. [42] The Moody Blues used a full orchestra on their album Days of Future Passed (1967) and subsequently created orchestral sounds with synthesisers. [41] Classical orchestration, keyboards and synthesisers were a frequent edition to the established rock format of guitars, bass and drums in subsequent progressive rock. [43]

Instrumentals were common, while songs with lyrics were sometimes conceptual, abstract, or based in fantasy and science fiction. [44] The Pretty Things' SF Sorrow (1968) and The Who's Tommy (1969) introduced the format of rock operas and opened the door to "concept albums, usually telling an epic story or tackling a grand overarching theme." [45] King Crimson's 1969 début album, In the Court of the Crimson King, which mixed powerful guitar riffs and mellotron, with jazz and symphonic music, is often taken as the key recording in progressive rock, helping the widespread adoption of the genre in the early 1970s among existing blues rock and psychedelic bands, as well as newly formed acts. [41]

Chubby Checker during the early 1960s popularizes the enduring dance craze The Twist with his hit cover of Hank Ballard's R&B hit "The Twist". [20]

Gerry Goffin and Carole King become a very influential duo in pop music, writing numerous number-one hits including the first song to ever reach number one by a girl group, The Shirelles "Will You Love Me Tomorrow" and the 1962 number one hit, "The Loco-Motion" which was performed by Little Eva.

Sugar Sugar becomes a big hit for The Archies, defining the bubblegum pop genre.

    develops as a pop-influenced answer to soul music. The label begins a long run of No. 1 U.S. hit singles in 1961 with "Please Mr. Postman" by The Marvelettes. The label would have numerous No. 1 Billboard hits throughout the decade [46] and into the 1990s. develops popularity throughout the decade, led by Ray Charles, [47]Sam Cooke, [48]James Brown, and Otis Redding, among many others. [49] begins later in the decade with James Brown and Sly & the Family Stone having early hits. uses a fast tempo which would prove innovative in the development of disco music. 's 1967 recordings, [50] such as "I Never Loved a Man (The Way I Love You)", "Respect" (originally sung by Otis Redding), and "Do Right Woman-Do Right Man", are considered the apogee of the soul genre, and were among its most commercially successful productions.

Triumph and great tragedy marked the 1960s in country music. The genre continued to gain national exposure through network television, with weekly series and awards programs gaining popularity. Sales of records continued to rise as new artists and trends came to the forefront. However, several top stars died under tragic circumstances, including several who were killed in plane crashes.

The predominant musical style during the decade was the Nashville Sound, a style that emphasized string sections, background vocals, crooning lead vocals and production styles seen in country music. The style had first become popular in the late 1950s, in response to the growing encroachment of rock and roll on the country genre, but saw its greatest success in the 1960s. Artists like Jim Reeves, Eddy Arnold, Ray Price, Patsy Cline, Floyd Cramer, Roger Miller, [51] and many others achieved great success through songs such as "He'll Have to Go," [52] "Danny Boy," "Make the World Go Away", "King of the Road", [51] and "I Fall to Pieces." The country-pop style was also evident on the 1962 album Modern Sounds in Country and Western Music, recorded by rhythm and blues and soul singer Ray Charles. Charles recorded covers of traditional country, folk and classical music standards in pop, R&B and jazz styles. The album was hailed as a critical and commercial success, and would be vastly influential in later country music styles. [47] Songs from the album that were released for commercial airplay and record sales included "I Can't Stop Loving You," "Born to Lose" and "You Don't Know Me."

By the end of the decade, the Nashville Sound became more polished and streamlined, and became known as "countrypolitan." Tammy Wynette, Glen Campbell, Dottie West and Charley Pride were among the top artists adopting this style. While George Jones — by the early 1960s one of country music's most consistent hitmakers – also recorded countrypolitan-styled music, his background remained pure honky tonk, singing of heartbreak and lonlieness in many of his songs. Also, Marty Robbins proved to be one of the genre's most diverse singers, [52] singing everything from straight-ahead country to western to pop to blues . and even Hawaiian.

Johnny Cash—who became known as "The Man in Black"—became of the most influential musicians of the 1960s (and eventually, 20th century). [52] Although primarily recording country, his songs and sound spanned many other genres including rockabilly, blues, folk, and gospel. His music showed great compassion for minorities and others who were shunned by society, including prison inmates. Two of Cash's most successful albums were recorded live in prison: At Folsom Prison und At San Quentin.

During the latter half of the 1960s, Pride – a native of Sledge, Mississippi — became the first African-American superstar in country music, a genre virtually dominated by white artists. Some of his early hits, sang with a smooth baritone voice and in a style meshing honky-tonk and countrypolitan, included "Just Between You and Me," "The Easy Part's Over," "All I Have to Offer You (Is Me)" and a cover version of Hank Williams' "Kaw-Liga." Pride continued to be successful for more than 20 years, amassing an eventual 29 No. 1 hits on the Plakat Hot Country Singles chart.

A newly emerging style, which had its roots in the 1950s but exploded in the mainstream during the 1960s, was the "Bakersfield sound." Instead of creating a sound similar to mainstream pop music, the Bakersfield sound used honky tonk as its base and added electric instruments and a backbeat, plus stylistic elements borrowed from rock and roll. Buck Owens, Merle Haggard and Wynn Stewart were some of the top artists adopting this sound, and by the late 1960s they were among country music's top selling artists.

Dolly Parton, a native of the Smoky Mountains town of Locust Ridge, Tennessee, gained national exposure on the nationally syndicated program The Porter Wagoner Show. Her mountain-influenced, biographical brand of country and her down-home personality won many fans, and her star power would only begin to rise.

In addition to the syndicated The Porter Wagoner Show, several other television programs were produced to allow country music to reach a wider audience, such as The Jimmy Dean Show in med-decade. Am Ende des Jahrzehnts, Hee Haw began a 23-year run, first on CBS and later in syndication Hee Haw, hosted by Owens and Roy Clark was loosely based on the comedy series Rowan & Martin's Laugh In, and incorporated comedy along with performances by the show's cast or guest performers from the country music field. The Academy of Country Music and Country Music Association awards programs were telecast for the first time in the late 1960s.

The 1960s were marred with tragedy. Johnny Horton, who sang in the saga-song style, was killed in a car accident in 1960. A March 5, 1963, plane crash claimed the lives of Patsy Cline, Cowboy Copas and Hawkshaw Hawkins. Days later, Jack Anglin was killed in a car accident, while Texas Ruby died in a trailer fire in Texas. In July 1964, Jim Reeves lost his life while piloting a plane near Brentwood, Tennessee. Ira Louvin was killed in a car accident in 1965. Success overcame several of those tragic deaths, as both Cline and Reeves had many posthumous hits (with previously recorded songs issued after their deaths) and enjoyed strong followings for many years.

The 1960s began a trend toward a proliferation of No. 1 hits on the Plakat Hot Country Singles chart, thanks to ever-changing data collecting methods. When the 1960s decade opened, there were but four No. 1 songs topping the chart (five, if one counts Marty Robbins' "El Paso"), but by the mid-1960s, there were always at least a dozen songs topping the chart annually. In 1967, there were more than 20 songs reaching the top spot for the first time ever in a single calendar year . and that number would only continue to rise during the next 20 years.


In the Late 1960s, Minibikes Were Everywhere

Credit Mickey Rupp for infecting the fever dreams of every eight to 12 year old from 1968 to 1971. He built everything a kid could ever want in those days, including go-karts and snowmachines, but the vehicle that kept his company afloat was the “minicycle.” the minibike.

In four short years between 1968 and 1971, Rupp had a license to print money housed behind the overhead doors of its Mansfield, Ohio production facility, and it did so with nothing that displaced more than 200cc.

Starting in 1962, Rupp offered the Dart Cycle, a minibike in the classic configuration, with a 2 1/4-hp engine, no suspension, and a rear drum brake. For $199.50, a lot of these ads were burned into the memory banks of kids all over the country.

The Roadster Minicycle was a simple machine: the basic configuration was two loops of conduit with a rear swingarm, and twin shocks at the front and the rear. The padded seat sat atop a pull-start, single cylinder, four-stroke engine.

Kids got Roadster Minicycles by the truckload, but the bikes were designed to comfortably transport adults. The tall handlebars kept man-sized riders upright, and the functional head- and tail-lights and license plate bracket showed that it was intended for road use.

The engine did, too. While later bikes relied on the smaller 3 1/2hp Briggs & Stratton engines, the Rupp Roadster had a big, five-horse Tecumseh engine, pushing power to the rear wheel through an innovative, two-speed centrifugal clutch. Unlike the popular Vespa and Lambretta scooters that required oil mixed with gasoline, and the ability to learn how to shift, all it took to operate a street-legal Rupp Roadster was gas in the tank, and the ability to yank the engine’s pull cord.

Rupp pitched the Roadster to anyone who’d listen. Campers bought them as well as amateur racers, for their ability to be stashed in a trailer. Students agreed with the marketing materials: “Rupp Cycles are a groovy way to commute to and from school.”

Unfortunately for Mickey Rupp, the Roadster’s popularity and simplicity were its ultimate downfall. Once any dimwit who could bend tubing figured out how to weld a frame together and order a Briggs engine out of a catalog, a plague of lesser competitors were at Rupp’s heels. Companies like 500 Industries, Cat, Fox, Mini Doodle and Speedway had their own knockoffs on the market in no time, clogging the ad section at the back of Popular Mechanics.

Retail giants like Sears, Roebuck offered their own complete minibikes.

Legit manufacturers like Arctic Cat and Polaris got in on the act, diversifying their snow-centric product lines.

Arctic Cat had a terrific ad campaign that mirrored Volkswagen’s innovative campaign with the same self-depricating humor:

For Rupp, it was all over by 1974, as the massive wave of knockoffs crashed, and better bikes arrived by the containerload from Japan.

For a brief moment, though, minibikes were a sensation. Check out the celebrities who rode them in the minibike’s heyday:


Aftermath

The race riots of the 1960s led President Johnson to establish a National Advisory Commission on Civil Disorders in 1967. The commission identified white racism as the main cause of the riots. Specifically mentioned were pervasive discrimination and segregation, black migration to the cities as whites left them, harsh ghetto conditions, and frustration of hopes and a feeling of powerlessness on the part of many blacks. There is little evidence that serious efforts were made to correct the problems raised by the commission. The Johnson administration, and those that followed, viewed the riots as law-enforcement problems rather than signs of social imbalance.


The Late Sixties - History

The 1960s was a decade of hope, change, dissatisfaction, and war, that witnessed many important shifts in American culture.

Lernziele

Summarize the major initiatives and movements of the 1960s

Die zentralen Thesen

Wichtige Punkte

  • The 1960s saw the unraveling of the dominant national consensus and laid bare a far more fragmented society, as various groups resisted the status quo and fought for a more equitable society.
  • The African American Civil Rights Movement made significant progress in the 1960s, and the actions of grassroots activist groups were instrumental in pushing for change and new legislation.
  • Influenced and inspired by the Civil Rights Movement, American Indians, LGBTQ people, and women organized to change discriminatory laws and pursue government support for their rights.
  • As the U.S. sought to maintain its position as a world superpower, its increasing involvement in Vietnam led to a steady rise of anti-war protests at home.
  • Despite social justice progress on many fronts, the assassinations of John F. Kennedy, Dr. Martin Luther King, Jr., and Robert Kennedy made it dramatically clear that not all Americans shared this vision of a more inclusive democracy.

Schlüsselbegriffe

  • Bürgerrechte: The protection of individuals’ freedom from infringement by governments, social organizations, and private individuals they ensure one’s ability to participate in the civil and political life of the society and state without discrimination or repression.‎
  • César Chavez: An American labor leader and civil rights activist who, with Dolores Huerta, co-founded the National Farm Workers Association in 1962.
  • Große Gesellschaft: A set of domestic programs in the United States launched by Democratic President Lyndon B. Johnson in 1964-1965, with the primary goal of eliminating poverty and racial injustice.

The Tumultuous 1960s

The 1960s was a decade of hope, change, and war that witnessed an important shift in American culture. Citizens from all walks of life sought to expand the meaning of the American promise. Their efforts helped unravel the national consensus, and laid bare a far more fragmented society. As a result, people from a wide range of ethnic groups attempted to reform American society to make it more equitable.

The Fight for Civil Rights

The African American Civil Rights Movement made significant progress in the 1960s. While Congress played a role by passing the Civil Rights Act of 1964, the Voting Rights Act of 1965, and the Civil Rights Act of 1968, the actions of civil rights groups were instrumental in forging new paths, pioneering new techniques and strategies, and achieving breakthrough successes. Civil rights activists engaged in sit-ins, freedom rides, and protest marches, and registered African American voters. Despite the movement’s many achievements, however, change remained slow, and many grew frustrated with the failure of the government to alleviate poverty, and the persistence of violence against African Americans, particularly the tragic 1968 assassination of Martin Luther King, Jr. Many African Americans in the mid- to late 1960s adopted the ideology of Black Power, which promoted their work within their own communities to redress problems without the aid of whites.

The March on Washington, August of 1963: During the March on Washington for Jobs and Freedom (a), a huge crowd gathered on the National Mall (b) to hear the speakers. Although thousands attended, many of the march’s organizers had hoped that enough people would come to Washington to shut down the city.

Although the African American Civil Rights Movement was the most prominent of the crusades for racial justice, other ethnic minorities also worked to seize their piece of the American dream during the promising years of the 1960s. Many were influenced by the African American cause and often used similar tactics. The Mexican American Civil Rights Movement, led largely by Cesar Chavez, also made significant progress at this time. The emergence of the Chicano Movement signaled Mexican Americans’ determination to seize their political power, celebrate their cultural heritage, and demand their citizenship rights.

Women’s Rights, Sexual Liberation, and the the Counter-Culture

By the 1960s, a generation of white Americans raised in prosperity, and steeped in the culture of conformity of the 1950s, had come of age. However, many of these baby boomers (those born between 1946 and 1964) rejected the conformity and luxuries that their parents had provided. These young, middle-class Americans, especially those fortunate enough to attend college when many of their working-class and African American contemporaries were being sent to Vietnam, began to organize to fight for their own rights and end the war that was claiming the lives of so many. Influenced and inspired by the Civil Rights Movement, organizations and student groups formed across the country to protest the Vietnam War, advocate for women’s rights, and stand up against discrimination faced by lesbian, gay, bisexual, transgender, and queer (LGBTQ) people.

As groups like the Students for a Democratic Society (SDS) and the National Organization of Women (NOW) asserted their rights and strove for equality for themselves and others, they upended many accepted norms and set groundbreaking social and legal changes in motion. Many of their successes continue to be felt today, while other goals remain unfulfilled. American Indians, LGBTQ people, and women organized to change discriminatory laws and pursue government support for their rights others, disenchanted with the status quo, distanced themselves from white, middle-class America by forming their own countercultures centered on a desire for peace, the rejection of material goods and traditional morality, concern for the environment, and drug use in pursuit of spiritual revelations. These groups, whose aims and tactics posed a challenge to the existing state of affairs, often met with hostility from individuals, local officials, and the U.S. government alike. Still, they persisted, determined to further their goals and secure for themselves the rights and privileges to which they were entitled as American citizens.

The War in Vietnam and Turmoil at Home

The United States became more embroiled in international politics in the 1960s, striving to prevent the spread of communism and maintain its position as a world superpower. The country’s role in Vietnam revealed the limits of military power and the contradictions of U.S. foreign policy. Its increasing support for the Vietnam War also led to a steady rise in dissatisfaction and active protest at home, especially from student-led groups around the country.

In 1963, Lyndon Johnson brought to his presidency a vision of a Great Society in which everyone could share in the opportunities that the United States offered for a better life, and in which the words “liberty and justice for all” would have real meaning. His social programs, investments in education, support for the arts, and commitment to civil rights changed the lives of countless people and transformed society in many ways. However, Johnson’s insistence on maintaining American commitments in Vietnam, a policy begun by his predecessors, hurt both his ability to realize his vision of the Great Society and his support among the American people. Kennedy’s assassination in 1963, and the assassinations five years later of Martin Luther King, Jr., and Robert F. Kennedy, made it dramatically clear that not all Americans shared this vision of a more inclusive democracy.


A team drawn from several computer manufacturers and the Pentagon develop COBOL—an acronym for Common Business-Oriented Language. Many of its specifications borrow heavily from the earlier FLOW-MATIC language. Designed for business use, early COBOL efforts aimed for easy readability of computer programs and as much machine independence as possible. Designers hoped a COBOL program would run on any computer for which a compiler existed with only minimal modifications.

Howard Bromberg, an impatient member of the committee in charge of creating COBOL, had this tombstone made out of fear that the language had no future. However, COBOL survives to this day. A study in 1997 estimated that over 200 billion lines of COBOL code was still in existence, accounting for 80% of all business software code.


The 1960s Mini Skirt Fashion History – Mary Quant

Talent was the prerequisite to success in the 1960s. For the first time ever in any fashion era, the young became the leaders of fashion. They led with new and radically innovative fashion styles, with little girl woman androgynous looks for women that swept away the sophisticated sweater girls of the early sixties. The picture of Twiggy in the header defines her as the epitome of a sixties baby doll woman.

Fifties Fashion Hangs on until 1966

In the 21 st century it’s easy to associate all 1960s fashion with short skirts, but the short skirt was not really worn by many until 1966 and not nationwide until 1967. Just as in the 1920s for half a decade clothes still showed signs of belonging to the late fifties. The fore runner of the mini dress the straight shift, which had developed from the 1957 sack dress, was still well below the knee.

In the early sixties, pleated skirts set on a hip yoke basque were worn with short sleeved over blouses which were cut not unlike the shell tops of today. Straight skirts had front and back inverted pleats called kick pleats and were ideal for doing the twist dance craze as they allowed the knee to move freely. Straight sweater dresses in lambswool or the synthetic acrylic variety called Orlon were worn belted with waists nipped in became fashionable.

Pencil skirts were still worn with sweaters or even back to front cardigans that had been pressed super flat. Before the days of tumble driers many women lay their washed rung out knitwear in paper tissue and then brown paper. They put it to dry under a carpet for two days. When it was removed from the tissue, the footsteps that had pounded over the knit gave it a flat dry cleaned as new appearance. Laundering of delicates could still be a problem, but everything changed when mass produced synthetic garments arrived.

Mary Quant and the Mini Skirt

By 1966 Mary Quant was producing short waist skimming mini dresses and skirts that were set 6 or 7 inches above the knee. It would not be right to suggest she invented the fashion mini skirt. In 1965 she took the idea from the 1964 designs by Courrèges and liking the shorter styles she made them even shorter for her boutique Bazaar. She is rightly credited with making popular a style that had not taken off when it made its earlier debut.

Quant found London girls seeking newness only too willing to try her new daring short mini skirt. The fashion trend took off because it was so different and to wear it well you had to be youthful to get away with an outfit that was so controversial, particularly among adults. The Quant style was soon known as the Chelsea Look. You are reading an original ‘The 1960s Mini Skirt’ fashion article by Pauline Weston Thomas at www.fashion-era.com ©

1960s typical mini skirt length

The shapes Quant designed were simple, neat, clean cut and young. They were made from cotton gabardines and adventurous materials like PVC used in rain Macs. They almost always featured little white girly collars.

The Mid-1960’s Hairstyle

The five point hairstyle that says 1960s

Mary Quant also sported a sharply cut geometric hairstyle. One of the most famous and favoured cuts of the era was the 5 point cut by Vidal Sassoon. The hairstyles and the short mine skirts and min dresses made the mid and late sixties fashion look.

Provincial more bouffant variations of the asymmetric cut fringe circa 1968.

The Unsung Mini Skirt Inventor – John Bates

John Bates was one of the most influential British designers of the 1960s. Ernestine Carter the fashion historian thought him the unsung inventor of the mini skirt. His mini dresses were the shortest, had the barest midriffs and the models wore the least undergarments – he preferred a bra-less silhouette. In 1959 he had set up the Jean Varon label and later a label under his own name. His influence in the sixties was such that he dressed Diana Rigg in The Avengers series. Other celebrities of the day such as Twiggy, Sandie Shaw, Jean Shrimpton and Dusty Springfield all wore his fashion designs. But so did the masses as he also designed for important key department stores in the UK.

John Bates has never been given enough credit for his role in the rise of the mini skirt. The facts are that John Bates was making shorter skirts long before others. But Mary Quant was the facilitator of this novel idea who was really noticed. She got the mini skirt out among trendy young girls about town and it soon became copied and popular everywhere.

Quant was copied everywhere and another famous name of the sixties was Barbara Hulanicki of Biba. Biba of course was a sixties hit with girls who loved fashionable and funky looks at a value price.

That Was The Week That Was

The London TV Saturday night programme ‘That Was The Week That Was’, watched by half the UK nation had some time earlier shown a model wearing a dress with a belt that enabled the model to lift the dress up showing the possible various shorter lengths that designers were forecasting hemlines would rise to in the next six months. The audience laughed and gasped and viewers across Britain tittered, but within less than a year the shorter length was firmly established with under twenties and soon after their mothers too began wearing a short mini skirt.

Typical of the era the opening lines of the show were ‘that was the week that was, it’s over let it go…’

It was typical of the 1960’s attitude of let’s get on with the future, making it a very fast moving decade in fashion, lifestyles, innovations and morals. The fashion mini skirt became one of the icons that symbolized this era. You are reading an original ‘The 1960s Mini Skirt’ fashion article by Pauline Weston Thomas at www.fashion-era.com ©

Death of Stockings

What made the mini really acceptable was the introduction of pantyhose known mostly today as tights. It was hard to wear a mini dress with stockings and feel confident, but with tights there was protection from the elements and no unsightly glimpse of stocking tops. Stockings died in the mid 1960s and were only revived as leg wear in the 1990s or else kept for the bedroom.

Pantyhose

When tights were first introduced in the 1960s it liberated women from girdles, roll-ons and suspender belts. It’s difficult to know which came first the skirt or the tights, but the introduction of seamless stockings had started the tights revolution. What is certain it is unlikely the one could have existed without the other as no groomed young lady ever went out bare legged then.

A pair of Wolsey tights cost about £1 in 1965 and with careful daily washing they could be made to last a month. Marks and Spencer was soon churning out lower cost versions. Obviously planned obsolescence has been introduced since then for all brands, as most of us now find it difficult to make them last for more than a day or two’s wear.

Tights in the late 60s were often patterned with arrangements of diamonds or other motifs and a favourite colour of the era was a golden brown called American Tan. Fishnet tights were also popular briefly. Lurex glitter tights in gold or silver were a hit for the Christmas period.

1960s Footwear

Lower kitten heels were a dainty alternative to stilettos Pointed toes gave way to chisel shaped toes in 1961 and to an almond toe in 1963.

Flat boots also became popular with very short dresses in 1965 and eventually they rose up the leg and reached the knee. A cult for Dr. Scholl clog sandals worn in offices and outdoors was all the rage in the mid to late sixties in the same way that Birkenstocks were popular in the 1990s.

Pinafores and Knits

Knitted twin sets were still worn, but often the items were worn as separates. Square, V or round neck pinafore dresses in plain or tartan wool fabrics were teamed with polo neck jumpers or tie neck blouses. Other combinations were burgundy plum pinafores worn with white or mustard blouses.

Picture of two women wearing dresses with cutaway shoulders.

A sleeved variation of the button through version of the pinafore was called a coat dress and it was worn with or without a skinny rib fitting sweater. It was often worn with a half belt at the back waist.

All clothes were narrow shouldered and cut in at the armholes to properly reveal the arm and its shoulder joint. Even short sleeve versions were set well into the armscye.

Baby doll dresses of 1966 were full and flared into tent shapes mostly with cutaway armholes or/and a halter neck. They were made of transparent tulles, lace or chiffons plain or tree bark mounted over a matching lining or could be made of crinkled cotton crepe fabrics.

Lace of all types from Broderie Anglaise to guipure to crochet effects over coloured linings or flesh toned linings were often seen.

Black polo neck sweaters made popular by the Beatles cover album were often worn under check pinafore dresses. The dresses were usually solid colours of red or purple wool material. Checks of black and white such as dog or hound’s-tooth or Prince of Wales check. Black and white was a sixties combination and was used in op art dresses and block pieced dresses worked in Mondrian style. Black patent accessories complimented all these combinations.

One of the easiest ways to get the sixties look was to wear short little coloured gloves with a hole cut out to reveal the back of the hand. The gloves were similar in appearance to golf gloves of today. With the gloves coloured plastic beaded raffia knit bags and plastic coloured bangles and chandelier earrings made of large sequin discs were all high fashion accessories that lasted about 5 years.

All of these trend setting outfits and accessories could easily be obtained from Wallis, Richards, Etams, Biba or Chelsea Girl shops. Marks and Spencer did their bit and brought a shorter young junior range to teen girls in an effort to cut the cost. The range did not have the added on adult purchase tax that clothes had in pre VAT days. You are reading an original ‘The 1960s Mini Skirt’ fashion article by Pauline Weston Thomas at www.fashion-era.com ©

O utdoor Clothes

Outdoor looks were achieved by using fabrics like wool, Terylene or cotton gabardine, corduroy, leather, suede or mock suede fabrics made up as car coats. Also cheaper alternatives such as padded nylon diamond quilted anoraks or cotton anoraks with toggles and Austrian peasant embroidered braids were quite common.

T rousers

The mini dominated fashion and women sometimes needed a practical alternative smarter than jeans that could be worn day or evening. Quite formal trousers worn with a tunic, shirt, skinny rib or matching suit jacket were acceptable in certain work situations and liked as alternative evening wear when made from slinkier materials.

Trousers were made from Courtelle jersey, cotton velvet, silky or bulked textured Crimplenes, lace with satin, and Pucci style printed Tricel. Hipster versions were popular and very flared versions developed by the late sixties, with every style ultimately translating into denim jeans. Its worth noting that the hipsters of the 60s were not quite as low cut along the pelvic line as low rise jeans of 2005.

So Many Influences on 1960’s Styles

Many things influenced fashion in the 1960s. Social mobility, daring fashion photography, easier travel abroad, the Vietnam war, new music of the Beatles and their much copied hairstyles, retro military and ethnic clothes, musicals, pop art and film all played a part.

Jackie Kennedy in the early 1960s wearing her trademark pill box hat and three quarter sleeves.

Courrèges clean cut sharp 1960’s design.

I have already looked at Mary Quant and the role of pantyhose, but other major 60’s influences included the trend setting globally photographed Jackie Kennedy.

In addition Emilio Pucci’s exotic psychedelic beautiful fabric prints, Courrèges’s space age sculptured designs were as important as the fresh approach to fashion as that of Yves St. Laurent. The then youthful designer Yves St.Laurent made a clean forward looking fashion design image with his Mondrian inspired dress.

Yves St. Laurent’s much copied Mondrian inspired shift dress.

Rock Around the Clock

By the 1960s the Twist, the Shake and the Locomotion ousted the paired dancing couples of earlier generations. Only for the last few dances of the evening was the Smooch allowed for couples to romantically hold each other as they made their play to walk a partner home. Some stalwarts continued to rock and jive and to wear Teddy Boy gear.

New Synthetic Yarns in the 1960s

Many of the fashions of the 1960s existed because of the fabrics. They introduced new fabric properties and when synthetics were mixed with natural fibres there was improved performance in wear. Some had been invented years earlier in the 1930s and 1940s, but it was only in the 60s that huge production plants for synthetic fibres sprang up globally.

In the UK in the 1960s Marks and Spencer was instrumental in bringing Elastomerics from America to their range of bras, corsetry and bathing wear. Other manufacturers and fashion retailers soon followed.

Meanwhile as man made fibres gained a hold, the Yorkshire woollen industry began to contract at an alarming rate. Job losses were inevitable and yet so often the newer man made yarn companies settled in areas where there was already a body of knowledge and a heritage of spinning, knitting or weaving.

Du Pont and ICI were the giants of synthetic manufacture producing a wide range of fabrics under trade names relating to Polyamide, Polyesters, Polyurethanes, Polyolefins, and Polyacrylonitriles the polyvinyl derivative. All the fibre bases could be used as bulked or fine yarns dependant on fibre extrusion method and final finishing. The name often related to the country or plant where the fibre was produced for example Enkalon was Irish made nylon whereas Crylor, an acrylic yarn was made in France.

Polyamide is nylon. It came under trade names such as Nylon 6, Celon, Enkalon, Perlon, Bri-Nylon, Cantrece and others. Polyester was known variously as Terylene, Dacron, Terlenka, Trevira, Kodel, Diolen, Tergal and Lavsan. Polyurethane is the generic name of the elastomeric family of stretch fibres like Spandex, Lycra and Spanzelle.

All these man made synthetic fibres began to be used in bras, underwear, swimwear and sportswear. Lycra eventually found its way into fabric mixes to aid crease recovery, wearing ease, fit and stretch. Polyvinyl derivatives produce polyacrylonitriles and this includes Orlon, Acrylic, Crylor, Courtelle and Creslan. Modified acrylics such as Dynel and Teklan were first used to make fake furs and fake hair for wigs in the sixties. You are reading an original ‘The 1960s Mini Skirt’ fashion article by Pauline Weston Thomas at www.fashion-era.com ©

Read more about 1950s girdles, petticoats, bras and stockings in the 1950s section.

Biba History

In 1964 Barbara Hulanicki founded Biba with her husband. The team developed a small fashion shop in Abingdon Road, Kensington. The original Biba concept was the retail forerunner of low cost value fast fashion today and the type of pieces found in Primark or George at Asda. Biba sold low priced versions of high fashion items particularly the Quant mini skirt. Biba and the Biba style of make up application was also a huge sixties look. The Biba Art Deco store of the 70s was the place to be seen hanging out.

After expanding too fast, too soon, there were financial problems at Biba and Dorothy Perkins took a majority stake in the business in 1969. After some corporate machinations Barbara Hulanicki left Biba and the trademark name in 1975. Later the Biba business was sold on again. Meanwhile in the following forty years Barbara Hulanicki has had a successful career in both interiors and fashion and continues to design from barbarahulanickidesign.com

As for Biba – in the late C20 th decades, other licensees sold products under the Biba name. The label has a chequered past and after a much heralded fashion revival again in 2006, the trademark fell at the post again and the owner went into administration in the 2008 recession.

In 2008 the UK department store House of Fraser acquired the Biba trademark name. In October 2010 after a very successful launch and sell out of some Biba pieces, House of Fraser declared Biba their top selling fashion line. You are reading an original ‘The 1960s Mini Skirt’ fashion article by Pauline Weston Thomas at www.fashion-era.com ©

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