Die Geschichte

Museo Botero


Museo Botero ist ein Kunstmuseum im Stadtteil La Candelaria von Bogota, Kolumbien. Das Museum wurde 2003 nach einem großen Vermächtnis von Ferdinand Botero im Jahr 2000 gegründet. Heute beherbergt es eine der bedeutendsten Kunstsammlungen Lateinamerikas und empfängt jährlich rund eine halbe Million Besucher.

Geschichte des Museo Botero

Ferdinand Botero ist einer der berühmtesten lebenden Künstler Kolumbiens: Sein Stil, Boterismo, ist einzigartig, da er das malt, was er „große Menschen“ nennt – Menschen mit übertriebenen Proportionen, normalerweise um Prominente zu kritisieren oder zu persiflieren. In den 1990er Jahren erlangte er internationale Berühmtheit und seine Arbeiten wurden weltweit ausgestellt: 2012 erhielt er den Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award des International Sculpture Centre Papst Leo X., der in ein beliebtes Meme verwandelt wurde.

Botero malte auch eine Serie über Drogengewalt und Kartelle in Kolumbien in den 1980er/90er Jahren und sorgte mit seiner Abu Ghraib-Serie, die sich mit dem Missbrauch in irakischen Gefängnissen durch Amerikaner befasste, für weitere Kontroversen.

Museo Botero heute

Im Jahr 2000 vermachte er 123 Stücke seiner eigenen Werke und 85 andere Stücke aus seinen Sammlungen der kolumbianischen Bevölkerung und arbeitete mit der Banco de la Republica zusammen, um einen Rahmen zu schaffen, in dem sie in vollen Zügen geschätzt und genossen werden konnten. Eine der Bedingungen des Vermächtnisses war, dass das Museum für alle frei sein sollte, damit Menschen aus allen Gesellschaftsschichten und Hintergründen Boteros Werk genießen, studieren und von ihm lernen können.

Das Museum bleibt eine sehr angenehme Art, den Nachmittag zu verbringen: Der Ostflügel enthält Boteros Sammlung, während die anderen Flügel seine eigenen Werke beherbergen. Das Museum ist täglich außer dienstags geöffnet und bleibt für alle kostenlos.

Anreise zum Museo Botero

Das Museum befindet sich in La Candelaria, wo viele der wichtigsten kulturellen Sehenswürdigkeiten von Bogota zu finden sind. Das Museum ist frei zugänglich und in einem alten kolonialen Verwaltungsgebäude untergebracht.


1881 gründete eine Gruppe, darunter Manuel Uribe Ángel, Antonio José Restrepo und Martin Gómez, das Zea Museum zu Ehren von Francisco Antonio Zea in der Bibliothek des Souveränen Staates Antioquia. Die erste Sammlung enthielt Bücher sowie historische und künstlerische Artefakte ihrer Gründer. Uribe Angel stiftete seine Sammlung unter der Bedingung, dass er der erste Direktor des Museums wird. Zum Museum gehörte auch eine Bibliothek.

Die Geschichte des Departements wurde in Dokumenten, Waffen, Flaggen und anderen Gegenständen von der Zeit der kolumbianischen Unabhängigkeit bis zum Tausend-Tage-Krieg dargestellt. Die Sammlung enthielt auch präkolumbianische Stücke, Gesteine, Mineralien und Münzen.

Die Bibliothek verfügte über Tausende von Bänden zu Geschichte, Kunst und Wissenschaft sowie eine Zusammenstellung der ersten Zeitungen des Landes. Im Jahr 1886 wurde die Verfassung reformiert und der Status von Antioquia als souveräner Staat in den heutigen Status als Departement geändert. Infolgedessen mussten Einrichtungen wie das Museum von der Zentralregierung und den Gouverneuren abhängen. Das Museum wurde je nach Verwaltungsabteilung weitergeführt.

Das Museum wurde geschlossen, um der Palast von Rafael Uribe Uribe, dem Gouverneur von Antioquia, zu werden. Ein Teil der Sammlung wurde eingelagert und der andere Teil an die Universität von Antioquio und die Historische Akademie von Antioquia geschickt.

Im Jahr 1946 befürchteten Teresa Santamaria de Gonzalez und Joaquin Jaramillo Sierra von der Ehrengesellschaft zur Verbesserung von Medellín, dass die Stadt kein repräsentatives Museum habe. Sie schlugen die Wiedereröffnung des Museums vor und suchten nach jemandem, der das Museum vor staatlicher Kontrolle oder Schließung schützen könnte. So gründeten sie das Museum als private gemeinnützige Einrichtung.

1953 erhielt das Museum einen Rechtsstatus und schließlich wurde es 1955 in der Casa de la Moneda (Münzhaus), selbst eine ehemalige Aguardiente-Fabrik, eröffnet. (Der Ort ist jetzt Ala Experimental, neben der Kirche von Veracruz). Der Standort wurde von der Nationalbank ermöglicht und die Stadt Medellín hat das Gebäude zur ausschließlichen Nutzung des Museums überlassen.

1977 änderte das Museum seinen Namen in Francisco Antonio Zea Museum of Art of Medellín. Der Name wurde geändert, um Verwechslungen zu vermeiden: Touristen verstanden die Bedeutung von Zea nicht und die Einheimischen verwechselten das Museum mit dem Cera-(Wachs-)Museum.

1978 übergab der Künstler Fernando Botero dem Museum seine erste Schenkung seiner Werke. Dann wurde vorgeschlagen, den Namen in Museum von Antioquia zu ändern. Die Änderung wurde vom Gouverneur von Antioquia akzeptiert.

1997 begann ein Renovierungsprozess. Zu dieser Zeit befand sich das Museum in einer wirtschaftlichen Notlage und die Zahl der jährlichen Besucher war gering.

Museo 360 Bearbeiten

Seit 2016, mit der Ankunft von María del Rosario Escobar als Direktorin, hat das Museum von Antioquia das Projekt Museo 360 ins Leben gerufen, um das Museum als einen Ort der Begegnung und Reflexion zu gestalten, der „die Realität der Stadt anerkennt, anstatt sie zu verbergen“. .“ [1] Museo 360 zielt darauf ab, „historische Schulden der Ausgrenzung, Diskriminierung“ zu begleichen und „die Unfähigkeit, den anderen zu verstehen, inmitten der Angst, anders zu sein“, zu überwinden. [1] Laut Escobar besteht die Mission des Museums darin, „die Geschichte und ihre Geschichten zu überprüfen und neue Geschichten zu schaffen, die inklusiv sind und es uns ermöglichen zu verstehen, dass die Probleme der Stadt und ihrer Protagonisten existieren“. [1] Dieser institutionelle Ansatz soll zum Nachdenken anregen über die historischen Wege, die zur Gegenwart einer Gesellschaft geführt haben, und die Rolle, die kulturelle Institutionen in diesen Prozessen spielen.

Dementsprechend lädt die kuratorische Strategie der permanenten Galerien dazu ein, sich nach der Rolle von Kunstgeschichte und Museen bei der Stärkung ausschließender sozialer Konstrukte zu erkundigen. Ein weiteres Beispiel für den neuen Ansatz des Museums ist das künstlerische Residenzprojekt der Künstlerin Nadia Granados, die zusammen mit der Kuratorin Carolina Chacón und einer Gruppe von Sexarbeiterinnen in der Innenstadt von Medellín das preisgekrönte Kabarett/Performance entwickelt hat Nadie sabe quién soy yo (Niemand weiß, wer ich bin) im Jahr 2017.[1] Von da an finanzierten die Darsteller die Gruppe Las Guerreras del Centro (Downtown Warriors), ein Kollektiv, das das Leben und die Geschichten von Sexarbeiterinnen durch künstlerische Darbietungen, Strickkreise und andere Gemeinschaftsaktionen hervorhebt.[2] [2]

Nadie sabe quién soy yo war der Beginn einer Reihe von kuratorischen und pädagogischen Kooperationen zwischen Las Guerreras del Centro und dem Museum von Antioquia. Solche kollaborativen Projekte stellen eine Entstigmatisierung und Stärkung kritischer museologischer Praktiken dar, die neue Räume für Austausch und sozialen Dialog innerhalb und außerhalb des Museums schaffen. Diese Räume entstehen aus dem Museum, schlagen Verbindungen über Museumsmauern hinaus und verändern die Beziehung des Museums zu seinem sozialen Umfeld drastisch. [2]


Desde finales de los años 60, el artista colombiano Fernando Botero hat seinen Platz an einem destacado coleccionista de arte. Inicialmente de piezas precolombinas, posterioremente de arte koloniale y más recientemente de dibujo, pintura y escultura moderna universal. Hasta 1999, todas sus colecciones se hallaban dispersas in los apartamentos del artista in Nueva York, Paris, Montecarlo y Pietrasanta, además de a depósito en a banco suizo, in Bogotá.

Desde mediados de los noventa, Botero había planteado al Museo de Antioquia en Medellín, la posibilidad de donar su colección entera de arte. Sin-Embargo, die lentitud en la toma de Decisiones por parte de las autoridades le llevó aceptar la propuesta del entonces alcalde de Bogotá, Enrique Peñalosa, de donar su colección a Bogotá. Aunque Peñalosa propuso construir un nuevo museo para albergarla, el artista prefirió entregar su colección partikular de arte, valorada en más de 200 milliones de dólares, al Banco de la República de Colombia, en Bogotá en Bogotá, institularciida de traylace la numismática, el arte y las bibliotecas, y en cuya Biblioteca Luis Ángel Arango había expuesto años atrás la serie de La Corrida.

En el año 2000, la colección llegó a Colombia después de una exposición en la Fundación Santander Central Hispano de Madrid (España). Tras este obsequio a Bogotá, por petición de las autoridades antioqueñas, el artista aportaría un conjunto significativo de piezas de su autoría al Museo de Antioquia (luego de su cambio de sede), además de un conjunto de esculturas (para el frque Bot .ero de dicho Museo). Aunque ya el grueso de la colección de artistas internacionales había sido cedido por Botero a Bogotá, este decidió reunir unevo conjunto de cerca de cerca de 21 piezas (Matta, Lam, Stella, Rodin usw.), para ser donado al Museo de Antioquia en dos oportunidades).

La Curaduría del Museo Botero de Bogotá fue realizada von el mismo Fernando Botero mit der Apoyo von María Elvira Escallón und José Ignacio Roca. Una de las cláusulas de la donación, fue que ninguna obra donada podía ser prestada o cambiade de ubicación luego de colgada. Por ello, el montaje de las obras se mantiene tal cual como Botero lo decidió. La colección de 87 piezas de arte internacional donadas por el artista, se Divide en varios núcleos:

  • Una sala dedicada a artistas de fines del siglo XIX und inicios del siglo XX, mit búsquedas relacionadas con el Impressionismo. Este espacio incluye la obra más antigua de la colección "Gitana con Pandereta" von Jean-Baptiste-Camille Corot, artista pre-impresionista. Del Impresionismo, Hay dos óleos de Pierre Auguste Renoir, eine Aussicht auf Ámsterdam de Claude Monet, óleos de Camille Pissarro und Gustave Caillebotte und eine Escultura von Edgar Degas. Obras posimpresionistas solo hay una: "Bebedora de ajenjo en Grenelle" von Henri de Toulouse-Lautrec. El mismo Botero reconoció la dificultad de comprar obras de artistas posimpresionistas (Van Gogh, Seurat, Cézanne) debido a su alto costo en el mercado del arte.

En esta misma sala se encuentran obras muy posteriores no relacionadas directamente con el impresionismo, como un desnudo de Pierre Bonnard adquirido von Botero luego de una dura negociación a Ernst Beyeler, Celebre coleccionista de arte o de rétrato de Botero habitación de Nueva York.

  • La siguiente sala la abre una escultura de Salvador Dalí fechada en 1933, de la cual existe una version de el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York. Aunque Botero reconoce que no le gusta Dalí, Zulassung que compró esta pieza porque als que ayudaba "completar" la colección.

El resto de la sala está konformada por óleos de gran formato de artistas de corrientes muy diversas, que oscilan entre el surrealismo, el expressionismo, la nueva objetividad alemana y algunas obras cercanas al cubismo. Otras vanguardias como el Futurismo italiano, el Dadá, el cubismo temprano (sintético y analítico) und el expresionismo alemán más temprano, no están representados. Botero ha reconocido que no le interesa la corriente artística derivada de Duchamp y menos el arte abstracto (las derivaciones de Kandinsky o Klee), que ha calificado en reiteradas ocasiones como meramente "decorativo".

De este espacio, son destacables dos óleos tardíos de Picasso (uno de ellos, inédito), un óleo de Joan Miró (1953), un óleo de Giacometti y, especialmente, una "Maternidad" (1936) de Max Beckmann, especialmente Importante para la historia del arte. La pieza, que perteneció a Quapi Beckmann, la viuda del artista, estuvo colgada en el Saal de acceso del apartamento de Botero en Nueva York.

  • La siguiente sala, está dedicada a dibujos del siglo XX aunque incluye un óleo de pequeño formato de Jacques Lipchitz (fechado en 1917). Son especialmente destacables un pastel de Edgar Degas, una acuarela pintada en 1922 por el alemán George Grosz, dos dibujos de Léger, uno de Henri Matisse, otro de Gustav Klimt und dos dibujos de Balthus, uno de ellos, un paraestudio preparatorio "Lección de Guitarra" (1934), Comprado von Botero a la viuda del poeta Paul Éluard. Esta última obra, hat sido prestada und verschiedene Gelegenheiten im Metropolitan Museum de Nueva York und in der Tate Gallery de Londres.
  • La Colección Internacional Continua en el segundo piso con a las vanguardias de mediados del siglo XX: comparten el espacio óleos de artistas latinoamericanos como Wifredo Lam o Roberto Matta mit den nordamerikanischen Willem Robert de Rauschoning. La única obra enteramente abstracta del espacio es un óleo de Robert Motherwell. Salvo un óleo de Kitaj, la Colección Botero ignora completamente al arte pop (Warhol, Liechtenstein, etc.) y al abstraccionismo más contundente (Jackson Pollock, Cy Twombly, Clyfford Still, Mark Rothko, etc.). Este sesgo, antworte auf die wiederholten Kritiken von Botero, wenn du abstrakst, del cual su propia obra se aleja por completo.
  • La siguiente sala posee varias obras Importantes de la segunda mitad del siglo XX: un estudio para un niño de Francis Bacon, un Jean Dubuffet de 1963 Antoni Tàpies (adquirido por Botero luego de hablado mal de Tàpies en una entrevista), entre muchas otras piezas.
  • El siguiente espacio, dedicado a la escultura, incluye obras de Aristide Maillol, Alexander Calder, Anthony Caro, Giacomo Manzú, Henry Moore und Max Ernst, entre muchos otros artistas.

Obras impresionistas im Museo Botero Editar

Claude Monet. El Geldersekade de Amsterdam en invierno, 1871-1874.


Ihr Reiseführer zum Museo de Antioquia in Medellín

Das Museo de Antioquia befindet sich in der Innenstadt von El Centro und ist ein großartiges Gebäude mit Blick auf die belebte Plaza Botero. Das Museum beherbergt eine Reihe von Ausstellungen und bietet einen einzigartigen Einblick in die Rolle des Departements Antioquia und Medellín in seiner Geschichte. Ob Sie ein Kunstliebhaber, ein Geschichtsinteressierter sind oder einfach nur das lokale Leben aufsaugen möchten, ein Ausflug zum Museo de Antioquia ist eine großartige Aktivität. Hier erfahren Sie, wie Sie ankommen, was Sie im Museum sehen können und die Hintergrundgeschichte von Fernando Botero.

Die Anschrift: Calle 52 #43

Öffnungszeiten: 10.00 – 17.30 Uhr Montag bis Samstag, 10.00 – 16.30 Uhr Sonn- und Feiertage

Eintrittskosten: 18.000 COP für Ausländer, 12.000 COP für Kolumbianer (50% Rabatt für Personen über 60 und Studenten, 30% Rabatt für Gruppen von mehr als 5 Personen)

Für Rollstuhlfahrer zugänglich: Jawohl

Noticias Caracol

Wie man dorthin kommt

Nehmen Sie die Linie A (Linie A) zum Parque Berrío (in der U-Bahn gibt es jetzt Ansagen auf Englisch, dass diese Haltestelle für das Museo de Antioquia ist). Folgen Sie im Bahnhof der Beschilderung zum Ausgang in Richtung Plaza Botero. Wenn Sie draußen sind, fahren Sie einen Block geradeaus und folgen Sie der Richtung der obigen Bahnlinie. Sie werden bald ein großes schwarz-weiß kariertes Gebäude sehen – das ist der Rafael Uribe Kulturpalast und der Beginn der Plaza Botero. Biegen Sie nach dem Palast links ab und auf der anderen Seite des Platzes befindet sich das Museo de Antioquia.

Alle Taxifahrer wissen, wo sich das Museo de Antioquia befindet. Sagen Sie einfach „Museo de Antioquia“ (wie „moo-seh-o de An-ti-oh-key-a“) por favor“ und sie werden Sie dorthin bringen. Von Poblado kommend – und je nach Verkehr – sollte es etwa 10.000 US-Dollar kosten.

Youtube

Geschichte des Museo de Antioquia

Das Museum wurde erstmals 1881 an einem anderen Ort in Medellín gegründet. 1997 war das Museum stark verschuldet und hatte nur sehr wenige Besucher. Nachdem er versucht hatte, Stücke des in Medellín geborenen Künstlers Fernando Botero in Raten zu kaufen, versprach Botero, dass er eine Spende machen würde, wenn das Museum besser werden könnte. Zu diesen Spenden gehören die jetzt Skulpturen-, Malerei- und Zeichenräume.

Mit Unterstützung des neuen Museumsdirektors, des Gouverneurs von Antioquia und des Bürgermeisters von Medellín, begann der Museumsvorstand mit der Suche nach einem anderen Standort. Bürgermeister Juan Gómez Martínez schlug vor, den alten Stadtpalast in El Centro für das Projekt zu nutzen. Die Idee deckte sich gut mit den Plänen, den verfallenen Teil der Stadt zu renovieren, und kurz darauf begann auch der Bau der Plaza Botero.

An seinem jetzigen Standort wurde das Museo de Antioquia am 15. Oktober 2000 eröffnet. Alle 23 Statuen auf der Plaza Botero wurden ein Jahr später eingeweiht. Seit Botero zum ersten Mal an das Museo de Antioquia gespendet hat, hat er seitdem einen Großteil seiner Kunstwerke kostenlos in Medellín investiert. Er wird von Paisas für sein Engagement für die Stadt weithin respektiert und gelobt.

Pintrest

Wer ist Fernando Botero?

Auch wenn Sie Fernando Botero nicht kennen, haben Sie seine Arbeiten wahrscheinlich auf der ganzen Welt gesehen – einschließlich der Park Avenue in New York City und der Champs-Élysées in Paris. In Kolumbien ist Botero sicherlich der produktivste Maler und Bildhauer.

Er wurde 1932 in Medellín geboren. Er besuchte zunächst die Matador-Schule, um Stierkämpfer zu werden, aber nachdem er seine Meinung geändert hatte, verfolgte er die Kunst, lebte im Ausland und studierte die Werke berühmter Künstler in Madrid, Paris und Florenz.

Werke von Botero sind am besten dafür bekannt, pralle, rundliche Menschen, Tiere und Gegenstände zu zeigen. Der Künstler betrachtete seine Motive nicht als “fat”, sondern als eine Erforschung von Proportionen, Volumen und Form. Seine Werke zeichnen sich durch ihren unverwechselbaren und verspielten Stil aus und behandeln dennoch wichtige Themen.

Boteros Themen reichen von Stillleben über lokale Charaktere und Stadtansichten hier in Antioquia bis hin zu Stierkämpfen und deren Kultur und der zunehmenden Gewalt in der Ära von Pablo Escobar – alles in seinem charakteristischen Stil des „Boterismo“. Derzeit befinden sich im Museo de Antioquia mehr als 100 Werke von Fernando Botero.

La Meinung

Was im Museum zu sehen ist

Bevor Sie das Museum betreten, sollten Sie sich einen Moment Zeit nehmen, um zwischen den bronzenen Botero-Statuen zu spazieren, die auf der Plaza Botero verstreut sind. Die Skulpturen in Kombination mit dem aufragenden gotischen Design des Rafael Uribe-Kulturpalastes sind ein perfektes Fotomotiv und eine der besten kostenlosen Aktivitäten in Medellín.

La Nota Positiva

Im Inneren des Museums ist die Hauptausstellung des Museums die umfassende Sammlung von Fernando Boteros Gemälden und Skulpturen im dritten Stock. Das Museumspersonal empfiehlt, hier mit Boteros Kunst zu beginnen und sich nach unten vorzuarbeiten. Wenn Sie von einem Mitarbeiter weitere Informationen erhalten möchten, finden täglich um 14 Uhr kostenlose Führungen nur auf Spanisch statt. Alternativ sind englischsprachige Touren möglich, die jedoch im Voraus gebucht werden müssen und je nach Gruppengröße eine geringe Gebühr kosten.

Lebenslang

Es gibt eine Reihe weiterer Exponate, darunter eine Halle mit Werken internationaler Künstler (meist moderner Kunst), eine Ausstellung mit religiöser und kolonialer Kunst aus der Zeit der Eroberung in Südamerika und vieles mehr. Die Ausstellungen wechseln im Rotationsprinzip, daher empfehlen wir Ihnen, vorher die Website zu besuchen, um zu sehen, was für Ihren Besuch zu sehen ist.

Für ein bisschen Natur im Museo de Antioquia gibt es einen malerischen Innenhof zum Sitzen und Genießen der Sonne. Darüber hinaus verkauft der Souvenirladen des Museums urige, lokal hergestellte Gegenstände und Repliken von Kunstwerken aus dem Museum – fantastisch als Geschenk für Freunde und Familie zu Hause. An anderer Stelle befinden sich im ersten Stock ein Café und ein Restaurant, wenn Sie nach stundenlangem Museumsbummel Kraft tanken müssen.

Katzen-Boanerges


Karriere

Besuch von México Mitte der 1950er Jahre, Fernando Botero gemalt Stillleben mit Mandoline (1956), wo sein aufstrebender Stil offensichtlich war. 1958 wurde ihm der Erster Preis des Nationalsalons zum Brautkammer: Hommage an Mantegna. 1960 zog Botero nach New York City. Das Museum of Modern Art of New York hat Botero&rsquos . hinzugefügt Mona Lisa, zwölf Jahre alt 1961 in seine Sammlung.

Seine Gemälde in dieser Zeit spiegelten das Leben in Kolumbien wider, mit Themen wie Familienleben, Politikern und Führern, Tieren, Militär, religiösen Ikonen und Prostituierten, die meist rund und farbenfroh dargestellt wurden. Gemälde aus dieser Zeit umfassen Präsidentenfamilie (1967). Botero ging Anfang 1973 erneut nach Paris und begann mit der Bildhauerei, ohne seine Malerei aufzugeben. Skulpturen umfassen Römischer Soldat (1985), Mutterschaft (1989) und Die linke Hand (1982).


Museo Botero

Das Museo Botero, Deutsch Museum Botero , trägt den Namen des berühmtesten kolumbianischen Künstlers, Malers und Bildhauers Fernando Botero. Das Museum befindet sich in La Candelaria, [1] der Altstadt von Bogotá, und zeigt u. A. einen Ausschnitt seiner kreativen Schaffens. Es ist nur wenige Schritte von der Plaza de Bolívar im Stadtzentrum entfernt und gehört zum kulturellen Viertel La Manzana Kultur. [2]

Das Museum hält eine Sammlung an Kunstwerken Boteros, darunter Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen. Außerdem sind auch Malereien berühmter internationaler Künstler wie Salvador Dalí und Pablo Picasso zu sehen. Im Jahr 2000 hatte Botero 208 Gemälde und Skulpturen an die Kulturstiftung der Nationalbank übergeben und damit den Grundstein für die Eröffnung des Museums gelegt. Unter den seinen überlassenen Werken waren neben Originalkunstwerken weltbekannter Künstler aus seiner Privatsammlung.

Im westlichen Flügel des Museums über zwei Stockwerke finden sich 123 Werke von Fernando Botero. Viele Arbeiten sind Ende des 20. Jahrhunderts entstanden und tragen seine charakteristischen Handschrift. Die Darstellung beleibter Figuren, die sich mollig auseinandersetzen: Hände, Orangen, Frauen, Männer, Kinder, Vögel und auch Führer der FARC. [3] Zu den bekannten Gemälden mit überzeichneten Formen umfassen Pareja Bailando („Tanzendes Paar“) und Mona Lisa. Letzteres ist eine Karikatur der Mona Lisa von Leonardo da Vinci.

Besonders sehenswert ist auch Boteros Sammlung von Bleistiftzeichnungen, z. B. die Porträts der französischen Künstler Paul Cézanne und Gustave Courbet. Im Ausstellungsbereich für Skulpturen findet man weitere voluminöse Plastiken von ihm wie Hombre a Caballo („Mann zu Pferd“) und El Sueño („Der Traum“).

Im Ostflügel des Museums sind die 85 Kunstwerke internationaler Künstler ausgestellt. Darunter Arbeiten weltberühmter Maler wie Francis Bacon, Joan Miró, Claude Monet und Pierre-Auguste Renoir.

Die Ausstellung ist chronologisch aufgebaut und umfasst den Zeitraum vom französischen Impressionismus aus dem 19. Jahrhundert bis zur zeitgenössischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Das Museum ist täglich, außer dienstags, geöffnet von 9 bis 19 Uhr, sonntags von 10 bis 17 Uhr. Der Eintritt ist frei. [4]


Mit 84 Jahren hält der Künstler Fernando Botero die Dinge überdimensional

Anlässlich seines neuen, passend umfangreichen Buches von Assouline reflektiert die kolumbianische Ikone seine über sechseinhalb Jahrzehnte einflussreiche Karriere.

"Viele kennen mich als Maler der 'fetten Damen', und es stört mich nicht", sagte der kolumbianische Künstler Fernando Botero kürzlich aus seinem Haus in Monaco, einem von sechs Ateliers weltweit, das er mit 84 Jahren immer noch betreibt .

Tatsächlich hat die Liebe des Künstlers zu großzügigen Proportionen in den letzten sechseinhalb Jahrzehnten nie nachgelassen, was zu einem Stil führte, der mit seiner ersten Malerei in den 50er Jahren alle Blicke auf sich zog und ihn seitdem zum sammelwürdigsten lebenden Künstler Lateinamerikas macht . Seine voluminösen Figuren von Obststücken bis hin zur Mona Lisa verkaufen sich regelmäßig millionenfach, sind aber auch in den Sammlungen von über 50 Museen in voller Pracht zu bewundern – und in Boteros neuem, passend übergroßem gleichnamigen Wälzer mit Assouline, der später erscheint in dieser Woche. "Ich habe viele Bücher über meine Arbeit veröffentlicht, aber dies ist das wichtigste", sagte Botero über den Titel, der fast anderthalb Meter groß ist (und mit einem beträchtlichen Preis von 845 US-Dollar ausgestattet ist). .

Als Jetsetter in seiner Blütezeit hüpft Botero immer noch zwischen seinen Häusern in Monaco, Kolumbien, Griechenland und New York hin und her und arbeitet täglich an seinen Gemälden mit dem gleichen Flaschenzugsystem, das er seit Jahrzehnten verwendet. Er hielt inne, um über alles nachzudenken, hier.

Rückblickend auf Ihre Karriere sagen Sie, dass Ihnen 1956 der Durchbruch gelungen ist. Gibt es noch andere Momente, die Sie als Künstler besonders geprägt haben? ’56 malte ich eine Mandoline mit einem großzügigen Umriss und einigen winzigen Innendetails. Dieser Kontrast zwischen Groß und Klein war sehr wirkungsvoll und prägte von diesem Moment an mehr oder weniger meinen Gesichtsausdruck. Aber Sie lernen nie zu Ende und machen Fortschritte in Ihrem Stil – Reife kommt, wenn Sie völlige Kohärenz in dem haben, was Sie sagen möchten.

Sie sind vor allem für Ihre Gemälde und Zeichnungen bekannt, haben aber auch über 200 Skulpturen produziert. Wie wurden diese Werke als öffentliche Kunst aufgenommen? Ich habe 20 Ausstellungen meiner monumentalen Skulpturen auf der ganzen Welt gemacht, die erste 1991 in Monaco. In Paris, 1992, habe ich 32 monumentale Stücke auf den Champs Elysées gezeigt. Die Schnurrbärte einer bronzenen Katze wurden gestohlen und dieses kleine Ereignis wurde überall in der Presse veröffentlicht!


Fernando Botero: Pinturas. Dibujos. Esculturas

Ausstellungsansicht. Fernando Botero: Pinturas. Dibujos. Esculturas, 1987

Der Kolumbianer Fernando Botero (Medellín, Kolumbien, 1932) besitzt einen der bekanntesten Stilrichtungen der lateinamerikanischen Kunsttradition mit einer betonten Körperlichkeit, die es ihm ermöglicht, mit Proportionen zu arbeiten, die nicht der Norm entsprechen. Botero definiert seine Arbeit als figurative Kunst, aufgeblähte Formen und runde Figuren als „divergente expressive Formen“.

Botero fängt in seiner Arbeit Einflüsse der großen mexikanischen Wandmaler ein, insbesondere José Clemente Orozco und eine Faszination für Trecento und Quattrocento Auch italienische Malerei ist zu erkennen. Alle Einflüsse sind in seiner Variation von Werken von Jan Van Eyck, Alberto Durero, Peter Paul Rubens, Hyacinthe Rigaud, Pierre Bonnard und Paul Cézanne zu erkennen. Ebenso knüpft der Künstler an die spanische Kunsttradition an. Botero studiert 1951 an der San Fernando Fine Arts Academy in Madrid und besucht das Museo del Prado, wo er Werke von Diego Velázquez und Francisco de Goya kopiert.

Sein Erfolg erreicht bald die europäischen Küsten, und in den sechziger Jahren finden seine Einzelausstellungen in Städten wie Paris, Baden-Baden, Hannover und London statt. Darüber hinaus distanziert ihn seine Ablehnung der zeitgenössischen Malerei von avantgardistischen Bewegungen und führt dazu, dass er der amerikanischen Kunstszene fern bleibt, in der seine figurative Malerei als anachronistisch gilt.

Die tadellose Ausführung Boteros kann in den fünfzig großen Ölgemälden dieser Ausstellung, der bisher umfangreichsten Sammlung Spaniens, gezeigt werden. Die Auswahl der Werke stammt aus Museen und Privatsammlungen aus Spanien, Deutschland, der Schweiz und den USA. Neben den Gemälden zeigt die Ausstellung auch 54 Zeichnungen und Aquarelle sowie zehn Bronzeskulpturen, die alle nach 1962 entstanden und eigens für diesen Anlass zusammengestellt wurden.

Boteros Anwendung einer systematischen Methode ermöglicht es ihm, mit großer Geschwindigkeit zu malen. Die Spontaneität der Formen und der eigenständige Pinselstrich ist ihm gleichgültig, sein Ziel ist die homogene Bearbeitung der Farbfläche, wobei seine Vorliebe für die Vorbereitung des Hintergrunds in rötlichen Tönen spürbar ist. Anschließend zeichnet er mit weißer Kreide auf die Grundplatte und markiert die leuchtenden Stellen, die er betonen möchte, mit weißem Acryl.

Die Beherrschung der Trockenmalerei lässt sich in der Farbe erkennen, die in seinen Pastellarbeiten akribisch verbreitet wird. In seinen Zeichnungen findet sich ein deutlicher persönlicher Stil, der ihn seit Beginn der sechziger Jahre dazu veranlasst, auf das bloß skizzierte zu reagieren und zunehmend auf das Zusammenspiel mit dem Unfertigen zu verzichten. Oftmals greift er auf das Sanguinische zurück, das es ihm ermöglicht, das dichte Rot in eine Lichtquelle zu verwandeln, während in den Kohlezeichnungen das Schwarz das Licht auf der Rückseite des Blattes allmählich abschwächt oder es entschlossener und offener verstärkt.

Die breiten und markanten Themen prägen sein Werk: Porträts, Selbstporträts, Aktfiguren, Stillleben, Landschaften, Bordellszenen, Stierkämpfe, Heilige, Soldaten, Kardinäle. die Liste geht weiter, die alle mit Optimismus und Frische behandelt werden.

In Boteros Skulpturen kehren die Anliegen und Themen seiner Malerei, wenn auch möglicherweise experimenteller, wieder. Die abgerundeten und sinnlichen Konturen bleiben erhalten, da die menschliche Figur im Mittelpunkt steht. Nach seinen ersten Versuchen, zwischen 1963-1966, arbeitet er erst 1973 mit Skulptur. Die Jahre 1976-1977 gelten als seine produktivsten, da er die verschiedenen bildhauerischen Techniken vollständig beherrscht und sich während dieser Zeit voll und ganz widmet zur dreidimensionalen Kunst. Einflüsse von Kolonialherren des 18. Jahrhunderts wie Caspicara aus Ecuador und Aleijadinho aus Brasilien sind ebenso zu erkennen wie Bezüge zu seinen bevorzugten zeitgenössischen Künstlern wie etwa Henri Matisse, Henry Moore, Elie Nadelman und Gaston Lachaise.


6 Gemälde von Fernando Botero, die seine Liebe zu vollfigurigen Formen unterstreichen

Einer der berühmtesten lebenden Künstler Lateinamerikas, kolumbianischer Künstler Fernando Botero ist bekannt für seine Gemälde und Skulpturen von übertriebenen, üppigen Formen. Der Kreative hat Tausende von Kunstwerken in seinem unverkennbaren Stil produziert, bekannt als &ldquoBoterismo–und er ist weiterhin so produktiv wie eh und je. &bdquoIch bin ein unermüdlicher Arbeiter, ich betrachte das Malen nicht als Arbeit, es ist keine Verpflichtung, ich mache es zum Vergnügen&ldquo, sagt er. &ldquoIch habe nichts gefunden, was mich mehr amüsiert als das Malen.&rdquo

Während seiner gesamten Karriere hat Botero betont, dass er keine "dicken Menschen malt". Stattdessen behauptet er, seine Arbeit erkunde die "Sinnlichkeit der Form". und religiöse Figuren. Boteros Markenzeichen, vollwertige Themen wurden oft kritisiert, aber sie faszinieren weiterhin viele Kunstliebhaber auf der ganzen Welt. Lesen Sie weiter, um sechs berühmte Gemälde von Fernando Botero zu entdecken, die seinen charakteristischen Stil einfangen.


Leben und Biografie von Fernando Botero

Geburtsdatum : 1932-04-19
Sterbedatum : -
Geburtsort: Medellin, Kolumbien
Nationalität : Kolumbianisch
Kategorie : Kunst und Unterhaltung
Zuletzt geändert: 2010-07-28
Gutgeschrieben als: Künstler Maler, Bildhauer, Metallskulpturen

Fernando Botero, auch bekannt als Fernando Botero Angulo * 19. April 1932 in Medellin, Kolumbien ist ein kolumbianischer Künstler, Maler und Bildhauer.

Der kolumbianische Künstler Fernando Botero, bekannt für seine riesigen Metallskulpturen und farbenfrohen Gemälde von robusten Menschen- und Tierformen, war einer der beliebtesten modernen Künstler.

Fernando Botero wurde am 19. April 1932 in Medellin in den kolumbianischen Anden geboren. Seine Eltern, David und Flora Angulo de Botero, waren im abgelegenen Hochland der Anden aufgewachsen. Sein Vater, ein Handelsreisender, der zu Pferd in die Außenbezirke der Stadt reiste, starb, als Botero vier Jahre alt war, und seine Mutter unterstützte die Familie als Schneiderin.

The second of three boys, Botero attended a Jesuit secondary school on a scholarship starting at age 12. His uncle also enrolled him in matador school, which he attended for two years, and the images in his first drawings come from the world of bullfighting (a watercolor of a matador is his first known work). Until he discovered a book of modern art at the age of 15 he "didn't even know this thing called art existed," he says.

In 1948 Botero decided he wanted to become an artist and first exhibited his work in a joint show in his native town. He began working at El Colombiano, Medellin's leading newspaper, illustrating the Sunday magazine. At this time a period of civil unrest began in Colombia, and there was a low tolerance for nonconformity and radicalism. Some of Botero's teachers began to express disapproval of his work, and he received several warnings about nudity in his newspaper illustrations. In response he published an article called "Picasso and Nonconformity in Art" and was subsequently expelled from the school. He completed his secondary education at the Liceo de la Universidad de Antioquia in Medellin, graduating in 1950, and continued to publish articles on modern art.

Botero worked for two months for a traveling theater group as a set designer, then moved to Bogota, where he met some avant-garde intellectuals and artists and was influenced by the work of such Mexican muralists as Diego Rivera, Josè Clemente Orozco, and David Alfaro Siqueiros. Botero's large watercolor paintings, such as 1949's Donna Che Piange (The Crying Woman), are from this period. In 1951 he had his first one-man exhibition--consisting of 25 oils, drawings, watercolors, and gouaches--at the Galerias de Arte Foto-Estudio Leo Matiz. All the pieces sold, and he took the proceeds from the exhibit and moved to a small coastal town to work.

In 1952 he moved back to Bogota and mounted his second show, which earned him 7,000 pesos. He won an additional 7,000 pesos when his 1952 painting Sulla Costa (On the Coast) took second place in the IX Salon Annual de Artistas Colombianos, sponsored by the Bogota National Library. He used these funds to move to Europe and study art. He spent a year in Madrid, enrolled in the San Ferdinando Academy, and earned a living by copying paintings by Francisco de Goya, Titian, Diego Velasquez, and Tintoretto and selling them to tourists. From there he moved to Paris, where he spent a summer studying old masters at the Louvre. From 1953 to 1954 he lived in Italy, attending the San Marco Academy in Florence, where he studied fresco techniques and copied works by Andrea del Castagno and Giotto, in addition to creating his own oil paintings. He studied with Roberto Longhi, who further stimulated his enthusiasm for the Italian Renaissance.

Developed Distinctive Style

In 1955, he returned to Bogota with his new paintings, 20 of which he exhibited at the National Library. His work was harshly criticized for not having a style of its own. Few paintings sold, and Botero was compelled to work at non-artistic employment. This included an attempt to sell automobile tires and a position doing magazine layout. At the end of the year, Botero married Gloria Zea and they moved to Mexico City, where their son, Fernando, was born.

In Mexico City Botero began developing his own style. In 1956, while at work on a painting called Still Life with Mandolin, he had a revelation that would change his art. As he sketched a mandolin, he placed a small dot where a larger sound hole should have been, making the mandolin suddenly seem enormous. He began to experiment with size and proportion in his work and eventually developed his trademark style. The people and objects in his paintings were inflated, giving them presence, weight, and a round sensuality. This style, combined with his paintings' Latin American-influenced flatness, bright colors and boldly outlined shapes, made him one of the 20th Century's most recognizable artists.

Gained Worldwide Recognition

Botero's art began to gain recognition outside Latin America. In 1957 he went to New York City, where the abstract expressionist movement was thriving. On that trip, he sold most of the paintings he exhibited at the Pan-American Union in Washington, D.C. He returned to Bogota in 1958, and his daughter, Lina, was born. He became a professor of painting at the Bogota Academy of Art, a post he held for two years. By this time he was renowned as one of the country's most promising artists.

He designed a portion of the illustrations for the writer Gabriel Garcia Marquez's La Siesta del Martes, and the work also appeared in an important Colombian daily newspaper, El Tiempo. Amid some controversy, his painting Camera degli Sposi (The Bride's Chamber) won first prize in that year's Colombian salon and was exhibited the same year at the Gres Gallery in Washington, D.C. The Washington show was hugely successful, with nearly all his work selling on the first day. His work was also shown in 1958's Guggenheim International Award show in New York.

In 1959, following more exposure to abstract expressionism in the United States and a phase of personal tumult during which his marriage was dissolving, Botero's style began to change. He started painting in a monochromatic palette and using looser brushstrokes. His El Nino de Vallecas, painted in this style, was not as popular as his other work at a third Washington exhibit in October 1960. His son, Juan Carlos, was born that year, and Botero was nominated to represent Colombia at the II Mexico Biennial Exhibition.

In 1960, Botero moved to Greenwich Village in New York and began working at a feverish pace. His work, which celebrated volume and voluptuousness, received a generally tepid American response at a time when flatness was the craze, although in 1961 the Museum of Modern Art did buy his painting Monna Lisa all'età di Dodici Anni (Mona Lisa, Age 12). Despite the cool response, he kept painting work that was outside the mainstream. His 1962 exhibit at The Contemporaries Gallery in New York was harshly attacked in what Botero felt was a personal manner. In 1964, he married a second time, to Cecilia Zambrano.

Botero became fascinated by the art of the Flemish master Rubens and created a number of paintings inspired by him. By 1965, his painting had acquired greater sophistication. He began to concentrate on forms rather than individual brushstrokes, and the surfaces of objects appeared almost sculptural. His figures used subtle tones and were both monumental and plastic. He began to apply thin pastel-colored glazes to his canvases.

In 1966, Botero's work had its first European exhibition in Baden-Baden, Germany. He had begun to receive more American recognition, yet he felt at once that he was more tuned into the European sensibility. From 1966 to 1975, he divided his time among Europe, New York, and Colombia. On a visit to Germany, he became enamored of Albrecht Dürer's work, which inspired him to create a series of large charcoal drawings, "Dureroboteros," mimicking the German artist's famous paintings. He also painted works in which he interpreted the styles of Manet and Bonnard. In 1969, he mounted his first Paris exhibition and had become a full-fledged member of Europe's avant-garde by the early 1970s. His third son, Pedro, was born in New York in 1970.

During this period, Botero's painting moved beyond its focus on sensuous, sculptural, Latin forms and became harder and more sparkling, with an underlying darkness. An example from this period includes War, with its images of corpses. In 1973, he moved from New York to Paris and began to sculpt. His son, Pedro, was killed in an automobile accident in which the artist was also seriously injured, losing a finger and some motion in his right arm. Botero had painted his son repeatedly and continued to do so after the boy's death, working him into various paintings. Three years after his son's death, he dedicated a suite of galleries housed in Medellin's art museum to his son's memory. He and his second wife separated in 1975.

Sculpting and Politics

Botero devoted himself to sculpting from 1975 to 1977, putting his painting temporarily on hold. He created 25 metal sculptures that began from sketches. The subjects were huge animals (including bulls), human torsos, reclining women, and massive objects, including a gigantic coffee pot. His sculpture was exhibited at the Paris Art Fair in 1977, the year he also began to paint again (he paid homage to Velasquez in paintings depicting the Infantas--Spanish or Portuguese princesses). His work continued to be shown in galleries worldwide. In 1983 he established a workshop in an area of Tuscany renowned for its metalworks, which allowed him to spend several months each year creating his increasingly large sculptures, which weighed an average of 3,000 pounds. He also revisited bullfighting as subject matter for his painting, aspiring to become the definitive artist on the subject.

Botero became disturbed that his birthplace, Medellin, had become associated with the drug-trafficking cartel run by Colombian drug kingpin Pablo Escobar. Botero was said to be incensed that two of his paintings were discovered in Escobar's home after the druglord was killed in 1993. Despite Escobar's death, the violence continued in Medellin, and Botero was the target of a failed kidnapping in 1994.

In 1995 a guerrilla group blew up a sculpture of a dove, The Bird, that Bonero had donated to the city. The explosion occurred during a downtown street festival, and 23 people were killed while 200 others were wounded. When taking responsibility for the blast, the guerrillas called Botero a symbol of oppression. Botero cast a new dove for the plaza but insisted the remnants of the original remain so that the sculptures could represent peace and violence.

In 1996 Botero's son Fernando was convicted of accepting drug money to finance former Colombian President Ernesto Samper's campaign. Botero did not speak to his son for three years, but they later reconciled. In 2000, Botero began exhibiting paintings that reflected the violence in Colombia--images of massacres, torture, and car bombings, and one depicting Escobar's killing--a distinct departure from his usual domestic style. In a 2001 article in the Christian Science Monitor, Botero said, "Art should be an oasis, a. refuge from the hardness of life. But the Colombian drama is so out of proportion that today you can't ignore the violence, the thousands displaced and dead, the processions of coffins."

Donated Work to Colombian Museums

In 2000 Botero donated artwork valued at $200 million to two Colombian museums, the renovated Museum of Antioquia in Medellin and the cultural wing of the Banco de la Republica in Bogota. The Medellin site includes an area that was razed to create a sculpture garden, while the Bogota gift is housed in a 12-room gallery prepared for the collection. Botero's donation consisted of dozens of his own paintings and sculptures, as well as some 90 pieces from his private collection, including 14 impressionist paintings (including oils by Monet, Renoir, Degas, and Pissarro), four Picassos, and works by Dali, Miro, Chagall, Ernst, de Kooning, Klimt, Rauschenberg, Giacometti, and Calder.

Botero estimated that by the mid-1990s he had created 1,000 paintings and 100 sculptures. His work had become very popular in the 1980s and commanded high sums. In 1992 a brothel scene sold for $1.5 million at auction. His pencil and watercolor canvases have carried on his familiar themes--portrait-style images of people, brothel scenes, nudes, and still lifes. He married for a third time, to Greek sculptor Sophia Vari, and divided his time among Paris, New York City, Italy, and Colombia.

In January 2002 the French ambassador to Columbia inducted Botero into the Legion of Honor. Botero was honored by this since France had lent aid to help boost peace between Columbia's government and the Revolutionary Armed Forces of Colombia (FARC) guerrillas.

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