Die Geschichte

Dennis Burt in den 1940er Jahren


Dennis Burt in den 1940er Jahren

Bild aus der Sammlung von Dennis Burt

Original Bildunterschrift: 1940er unbekanntes Datum

Copyright Gary Burt 2013

Vielen Dank an Gary für die Bereitstellung dieser Fotos aus der Sammlung seines Vaters.


Rote Angst

The Red Scare war eine Hysterie über die wahrgenommene Bedrohung durch die Kommunisten in den USA während des Kalten Krieges zwischen der Sowjetunion und den Vereinigten Staaten, der sich in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren verschärfte. (Kommunisten wurden wegen ihrer Loyalität zur roten Sowjetflagge oft als “Reds” bezeichnet.) Der Rote Schrecken führte zu einer Reihe von Aktionen, die tiefgreifende und nachhaltige Auswirkungen auf die US-Regierung und die US-Gesellschaft hatten. Bundesangestellte wurden analysiert, um festzustellen, ob sie der Regierung gegenüber ausreichend loyal waren, und das Un-American Activities Committee des Repräsentantenhauses sowie der US-Senator Joseph R. McCarthy untersuchten Vorwürfe subversiver Elemente in der Regierung und der Hollywood-Filmindustrie. Das Klima der Angst und Unterdrückung im Zusammenhang mit der Roten Angst begann sich Ende der 1950er Jahre endgültig zu entspannen.


Frank Sinatra ist gestorben

Am 14. Mai 1998 stirbt der legendäre Sänger, Schauspieler und Showbusiness-Ikone Frank Sinatra im Alter von 82 Jahren in Los Angeles an einem Herzinfarkt.

Sinatra ging aus einer italienisch-amerikanischen Familie in Hoboken, New Jersey, hervor und wurde der erste moderne Superstar der Popmusik mit einer mehr als fünf Jahrzehnte dauernden Unterhaltungskarriere. In der ersten Inkarnation seiner Gesangskarriere war er ein Meister der im Zweiten Weltkrieg populären romantischen Balladen. Nachdem seine Anziehungskraft in den späten 1940er Jahren zu schwinden begann, erfand Sinatra sich als sanfter Swinger mit einem raueren, weltermüdenden Gesangsstil neu und begann in den 1950er Jahren ein spektakuläres Comeback.

Neben seinem großen musikalischen Erfolg trat Sinatra in 58 Filmen auf, einer seiner frühesten war Anker wiegen (1945). Einen großspurigen italienisch-amerikanischen Soldaten spielen, der in einem gewaltsamen Tod stirbt Von hier zu Ewigkeit (1953) mit Burt Lancaster und Montgomery Clift in den Hauptrollen, Sinatra gewann einen Oscar als bester Nebendarsteller. Danach blühte seine Filmkarriere auf, als er als Nathan Detroit im Filmmusical spielte Jungs und Puppen (1955) und spielte einen Heroinsüchtigen in Der Mann mit dem goldenen Arm (1955), wofür er für den Oscar als bester Hauptdarsteller nominiert wurde. Er spielte auch in den Musicals mit Hohe Gesellschaft (1956) und Kumpel Joey (1957) und lieferte eine denkwürdige Leistung als Ermittler der Armee in dem gefeierten Film ab Der Mandschurische Kandidat (1962).

In den späten 1950er Jahren war Sinatra zum Inbegriff von Erfolg im Showbusiness und glamouröser, kantiger Männlichkeit geworden. Er leitete sogar sein eigenes Gefolge, bekannt als das Rat Pack, zu dem Sammy Davis Jr., Dean Martin, Peter Lawford und Joey Bishop gehörten. Die Gruppe hatte sich ursprünglich um Humphrey Bogart gebildet, der 1957 starb. Das Rat Pack erschien zum ersten Mal zusammen auf der großen Leinwand in den 1960er Jahren Casino-Kaper Ozean’s Eleven. Sie würden weitermachen Sergeant’s Drei (1962), Vier für Texas (1963) und Robin und die sieben Hauben (1964). Auf dem Bildschirm und im wirklichen Leben waren Las Vegas, Los Angeles und New York (insbesondere der Copacabana Club) die berühmten Reviere des Packs.


Mob-Gewalt terrorisierte Latinos

Laut den Historikern William D. Carrigan und Clive Webb war Mob-Gewalt gegen spanischsprachige Menschen im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert weit verbreitet. Sie schätzen, dass die Zahl der von Mobs getöteten Latinos weit in die Tausende geht, obwohl nur für 547 Fälle eine endgültige Dokumentation existiert.

Die Gewalt begann während des kalifornischen Goldrausches, kurz nachdem Kalifornien Teil der Vereinigten Staaten wurde. Damals gönnten weiße Bergleute den ehemaligen Mexikanern einen Teil des Reichtums, der durch kalifornische Minen gewonnen wurde, und verordneten manchmal Selbstjustiz. 1851 beschuldigte ein Mob von Bürgerwehren Josefa Segovia zum Beispiel, einen Weißen ermordet zu haben. Nach einem gefälschten Prozess führten sie sie durch die Straßen und lynchten sie. Über 2.000 Männer versammelten sich, um zuzusehen, und riefen rassistische Beleidigungen. Andere wurden wegen des Verdachts der Verbrüderung mit weißen Frauen oder der Beleidigung weißer Menschen angegriffen.

Auch Kinder wurden Opfer dieser Gewalt. Im Jahr 1911 erhängte ein Mob von über 100 Menschen einen 14-jährigen Jungen, Antonio Gómez, nachdem er wegen Mordes festgenommen worden war. Anstatt ihn eine Gefängnisstrafe verbüßen zu lassen, lynchten ihn Stadtbewohner und zerrten seine Leiche durch die Straßen von Thorndale, Texas.

Diese und andere schreckliche Grausamkeiten dauerten bis in die 1920er Jahre, als die mexikanische Regierung begann, die Vereinigten Staaten unter Druck zu setzen, die Gewalt zu stoppen. Aber obwohl die Brutalität des Mobs schließlich unterdrückt wurde, tat es der Hass auf spanischsprachige Amerikaner nicht.


Ava Gärtner 1940er-1950er Jahre


Ava Gardner in einem Werbefoto für "The Killers", ein Film von 1946, der auch Burt Lancaster debütierte. Klicken Sie hier für einen Leinwand-Kunstdruck.

Beatrices Ehemann Larry Tarr, ein professioneller Fotograf, machte einige Porträtfotos von Gardner und stellte sie in seinem Studiofenster an der Fifth Avenue aus. Ein Interessent – ​​ein Bote des Loews-Theaters, der versucht, ein Date mit dem Mädchen auf dem Foto zu bekommen – schlug vor, dass jemand die Fotos an die MGM-Filmstudios schickt, was Larry Tarr beherzigte. Sofort schickte er ein großes Paket mit Ava’s Fotos an MGM.

Die junge Ava war zu diesem Zeitpunkt nach North Carolina zurückgekehrt, wo sie am Atlantic Christian College Sekretariatskurse besuchte. Aber MGM rief sie bald zu einem Interview nach New York.

In New York machte sie einen Bildschirmtest, der sie als unbeholfen und ungeschliffen zeigte. Als der erfahrene Testdirektor Al Altman sich das Filmmaterial ansah, war er jedoch überrascht, als Gardner direkt in die Kameralinse blickte und dort „einen hypnotischen Feuerblitz“ sah, so Gardner-Biograph Lee Server. Also wurde Ava ein Standardstudiovertrag angeboten.

Ava Gardner kam im August 1941 mit ihrer Schwester Beatrice nach Hollywood. Dort begann das Mädchen vom Land, sich umzugestalten. Ein MGM-Stimmtrainer machte sich an ihr gedehntes North Carolina, das als fast unverständlich galt, und sie wurde auch einer anderen Ausbildung unterzogen. Innerhalb eines Jahres begann sie in Filmen aufzutreten, arbeitete aber einige Jahre in den Backwaters von MGM, bevor sie zu einem großen Star aufstieg.


Ava Gardner, 13 Jahre alt.

Ava Gardner wurde in einer kleinen Bauerngemeinde in North Carolina in Johnston County namens Brogden geboren, die auch unter dem Spitznamen “Grabtown bekannt ist. Zum Zeitpunkt von Avas Geburt im Jahr 1922 besaß er eine Baumwoll- und Tabakfarm, die er mit seiner Frau und Avas Mutter Molly, einer Baptistin schottisch-irischer und englischer Herkunft, bewirtschaftete. Ava ist mit zwei Brüdern und vier Schwestern aufgewachsen. Mit der Weltwirtschaftskrise kamen schwere Zeiten, die dazu führten, dass die Familie ihre Farm verlor. Ihr Vater arbeitete dann in einem Sägewerk und ihre Mutter als Köchin und Haushälterin.


Ava Gardner Fotos von Larry Tarr, 1940.

Ava's erster Kontakt mit der Schauspielerei kam in der ersten Klasse in der Operette, Ein Rosentraum — präsentiert an der Brogden School im Jahr 1929. Während ihrer Teenagerzeit hüpfte die Familie ein wenig zwischen Virginia und North Carolina herum. Ihr Vater starb 1935, als Ava ein Teenager war. Sie war wie ein kleiner Tomboy aufgewachsen, der barfuß herumlief und Zigaretten hinter der Scheune schmuggelte. Harte Zeiten brachten ihr auch heruntergekommene Kleidung und Neckereien in der Schule mit sich.

Im Alter von 13 Jahren hatte Ava Gardner bereits ein "Herzstillstand" gutes Aussehen. Ihre Mutter überwachte jedoch ihre Verehrer und folgte Ava einmal, als sie mit einem Jungen zu einem nahe gelegenen See fuhr, ihre Tochter aus dem Auto zerrte und ihr einen strengen Vortrag hielt. Ein ähnliches Schicksal ereilte Ava und ihren Jungen inmitten eines Gutenachtkusses auf der Veranda nach einem Neujahrstanz eines Jahres. Ihre Mutter war sehr beschützerisch

Als Teenager träumte Ava von Hollywood und vertraute einer Freundin im Alter von 13 Jahren eine Notiz an: “Ich wollte schon immer…ein Filmstar werden”, schrieb sie. “ Das tue ich immer noch, aber ich weiß, dass ich es nicht kann, also habe ich die Hoffnung aufgegeben.” Ihr Lieblingsschauspieler war Clark Gable. In späteren Jahren dachte sie auch daran, Sängerin in einer Swingband zu werden.

Ava und einige ihrer Geschwister besuchten die High School in North Carolina. Ava machte ihren Abschluss und ging auf das Atlantic Christian College in Wilson, North Carolina. Aber es war ihre Reise zum Haus ihrer Schwester in New York und Larry Tarrs Fotografien, die ihr Leben veränderten und sie nach Hollywood schickten.

Aufstieg zum Ruhm

In Hollywood, nachdem sie Gardners raue Landkanten geglättet hatten, trat sie bis Anfang der 1940er Jahre in mehr als 20 Filmen auf. Aber nichts davon trieb sie zum Ruhm. 1946 spielte sie dann an der Seite von Burt Lancaster in Die Mörder. Es war dieser Film, der ihr große Aufmerksamkeit erregte. Sie wurde dann als Filmstar und Sexsymbol bekannt. Schnell folgten weitere Filme, darunter Die Hucksters (1947), One Touch of Venus (1948), Die Bestechung (1949) mit Robert Taylor und Der große Sünder (1949). Ende 1950 verschickte die Werbeabteilung von MGM 3.000 Anfragen pro Woche in Schwarzweißfotos von Gardner.

Im September 1951 erschien Gardner auf dem Cover von Zeit Zeitschrift, die in einer Geschichte mit dem Titel “The Farmer’s Daughter” vorgestellt wurde, die auch die Geschichte und Bedeutung des weiblichen Stars in Hollywood behandelte. Im Stück, Zeit’s Autoren lobten Gardner: “…[D]ie Konsens ist, dass Ava Gardner sich als das Beste für Hollywood seit dem verstorbenen Jean Harlow herausstellen könnte.”

Dennoch konkurrierte Gardner, damals 29, mit anderen aufstrebenden Schauspielerinnen dieses Tages, darunter: Elizabeth Taylor, 19 Shelley Winters, 28 Jennifer Jones, 31 Susan Hayward, 32 Linda Darnell, 29 Virginia Mayo, 28, und Schwimmstar Esther Williams, 29 Betty Grable, 34, war damals die amtierende Kassenkönigin. Andere etablierte Stars waren damals Irene Dunne, 43, Joan Crawford, 43, und Loretta Young, 38.

ZeitSie fügte in ihrem Artikel über Gardner einige Vorbehalte hinzu und stellte fest, dass sie weder "das schönste Baby" in Hollywood noch die beste Schauspielerin war. Sie strahlte jedoch eine Anziehungskraft und mysteriöse Eigenschaften aus, sagte Zeit, das schickte die Glamourmeter zum Klicken. Zeit’s Autoren kamen zu dem Schluss, dass sie vielleicht der einzige neue Star sein könnte, der Glamour nach Hollywood zurückbringen könnte.


Ava Gardner auf dem Cover des Time-Magazins, 3. September 1951.

Bis 1951 bekam Gardner ernsthaftere Filmarbeiten und Filme von besserer Qualität, mit Showboot 1951 und Der Schnee des Kilimandscharo 1952. Sie spielte 1953 an der Seite von Clark Gable Mogambo, eine Rolle für die für einen Oscar nominiert wurde, verlor aber gegen Audrey Hepburn, die in der Hauptrolle gespielt hatte römische Ferien. 1954 spielte sie an der Seite von Humphrey Bogart die Titelrolle in Die Barfuß-Contessa — betrachtete ihren “signaturfilm” von einigen — als eine Madrider Slum-Zigeunerin, die zum Filmstar aufsteigt, aber von ihrem eifersüchtigen Ehemann ermordet wird. 1956 machte sie Bhowani-Kreuzung, Regisseur George Cukor spielt eine anglo-indische Mischlingsheldin, die zwischen zwei Kulturen und mehreren Liebhabern hin- und hergerissen ist. 1957’er Jahre Die Sonne geht auch auf, Sie spielte das Partygirl Brett Ashley, eine 1920er-Geschichte über die Nachkriegs-„verlorene Generation“-Auswanderer in Paris und Madrid.

1964 gab Ava Gardner auch ihre beste Leistung als Hotelwirtin Maxine Faulk in Die Nacht des Leguans, eine Tennessee Williams-Geschichte, in der sie nach dem entlassenen Priester Richard Burton begehrt. 1968, nachdem sie sich einer Hysterektomie unterzogen hatte, um die Angst vor Gebärmutterkrebs zu zerstreuen, der ihre Mutter getötet hatte, machte sie die Mayerling, spielt die österreichische Kaiserin Elisabeth neben James Mason als Kaiser Franz Joseph.


Ava Gardner, 1950er Jahre.

Ihr ganzes Leben lang war Gardner für ihre offenen Worte und bodenständigen Witze bekannt, die manchmal aufs Schnelle schnitten. Von Clark Gable —, einst ihr Teenie-Idol —, soll sie gesagt haben: “Clark ist der Typ, der sagt, ‘Hiya, Clark, wie geht es dir?’er steckt fest für eine Antwort.”

Als sie in Australien ankam, um den Film zu drehen Am Strand, eine Bemerkung, die ihr in der Presse zugeschrieben wurde, erzürnte viele in dieser Nation. “Ich bin hier, um einen Film über das Ende der Welt zu drehen, und das ist sicher der richtige Ort dafür,” sie soll gesagt haben, obwohl einige behauptet haben, dass dies teilweise von der australischen Presse erfunden wurde. Andere zitierten auch ihre salzige Sprache und stellten fest, dass sie sich wie ein Lastwagenfahrer kleiden könnte. Aber es war Gardeners Leben außerhalb des Bildschirms, das viele ihrer Fans und die breite Öffentlichkeit faszinierte.

Als sie 19 Jahre alt war, kam Ava Gardner in Hollywood an und heiratete ihren MGM-Kollegen Mickey Rooney. Sie heirateten im Januar 1942, ließen sich aber 17 Monate später scheiden. Danach war sie für einige Zeit mit dem wohlhabenden Flieger Howard Hughes zusammen und schlug ihn einmal mit einem schweren Kerzenständer in einer stürmischen Konfrontation. Trotzdem blieben die beiden jahrelang befreundet.

Gardners zweite Ehe ging 1945 mit dem Jazzmusiker und Bandleader Artie Shaw ein. Es war Shaws sechste Ehe, und er kritisierte Gardners mangelnde Bildung sehr. Er bestand darauf, dass sie Bücher seiner Wahl las, zu einem Psychoanalytiker ging und Gardner oft in der Öffentlichkeit beleidigte. Die Ehe endete nach einem Jahr und führte Gardner zu ernsthaftem Alkoholkonsum. Später sagte sie über Shaw: “Er war allmächtig, ich hatte nie eine Chance.”

Ihre dritte und letzte Ehe war von 1951 bis 1957 mit Frank Sinatra. Sinatra verließ seine Frau Nancy und ihre drei Kinder für Gardner und die ganze Affäre machte Schlagzeilen. Die anschließende stürmische Beziehung zwischen Sinatra und Gardner beschäftigte die Hollywood-Klatschkolumnen jahrelang (siehe Seitenleiste unten). Sie trennten sich 1953, hatten eine Reihe von Versöhnungen, ließen sich jedoch 1957 scheiden.


Ava Gardner mit Stierkämpfer Luis Miguel Dominguin im Jahr 1954.

Andere Männer, denen sie im Laufe ihres Lebens begegnete, wie der Schriftsteller und Dichter Robert Graves, waren von ihrem Charme und ihrer Intelligenz verzaubert. 1958 schrieb Graves eine Kurzgeschichte als Hommage an sie für Der New Yorker mit dem Titel “A Toast to Ava Gardner.” Bert Pfeiffer, ein Maler, der von Avas Darstellung als Statue gefesselt wurde, die im Film von 1948 zum Leben erweckt wird Ein Hauch von VenusEr begann, regelmäßig Porträts von ihr zu malen, die er später dem Ava Gardner Museum in Smithfield, North Carolina, schenkte. Er spendete auch seine fünfzigjährige Sammlung anderer Gardner-Erinnerungsstücke, darunter europäische Presseausschnitte, Dias, Negative, Fotografien, Filmplakate und handsignierte Bilder.


Ava Gardner, ca. 1940er Jahre.

Sinatra hingegen hatte bis dahin bessere Zeiten gesehen, da seine Gesangs- und Aufnahmekarriere damals in einer Krise steckte. Aber das Treffen zwischen den beiden — wurde von einigen als “The Voice” meets “The Shape”— charakterisiert — wurde eine wilde Nacht für die beiden, die beide ihren Alkohol mochten. Gardner fragte, ob Sinatra noch verheiratet sei. Er sagte, die Ehe sei vorbei, vorbei. Sie unterhielten sich stundenlang, tranken und flirteten, verließen aber bald die Party und nahmen zum Abschied eine Flasche mit. Sie stiegen in Sinatras Cadillac ein und rasten die Autobahnen entlang, an der Flasche vorbei, hin und her. Server beschrieb sie “ wie zwei Kinder auf einer Spritztour.”


Frank Sinatra, ca. 1940er Jahre.


Frank Sinatra mit dünnem Schnurrbart und Ava Gardner im Flamingo in Las Vegas, 1. Januar 1952. Foto, Hulton Archive / Getty Images.

Ava und Frank heirateten im November 1951, als Sinatra seine Frau Nancy und die Kinder verließ, um bei Ava zu sein. Die Klatschkolumnisten Hedda Hopper und Louella Parsons verprügeln zusammen mit dem Hollywood-Establishment und allen möglichen Fans Sinatra, weil er seine “gute Frau” für Gardner, die exotische Femme Fatale, verlassen hat. Sinatras öffentliches Image hatte sich zu dieser Zeit verändert, da er einst als schüchterner, romantischer Träumer dargestellt wurde, der ein ruhiges Familienleben führte. Der neue Klatsch über Sinatra verkaufte tonnenweise Zeitungen und Zeitschriften. Und Gardner, ein Spitzenreiter an den Kinokassen, hatte auch eine Anhängerschaft. Zu dem Presseeifer trug die katholische Kirche bei, die sowohl Sinatra als auch Gardner anprangerte. Sinatra und seine ehemalige Frau waren Katholiken. Einige Kirchenführer rieten ihren Gemeindemitgliedern, Sinatras Aufzeichnungen und Gardners Filme zu boykottieren.


Ava Gardner & Frank Sinatra in glücklicheren Zeiten.

Die Ehe mit Sinatra war stürmisch – leidenschaftliche Kämpfe, Eifersucht, mindestens ein Selbstmordversuch von Sinatra und zahlreiche Trennungen und Wiedervereinigungen.

Aber Gardner soll ihren Einfluss genutzt haben, um Sinatra für den Film von 1953 zu besetzen Von hier zu Ewigkeit. Sinatra erklärte sich bereit, für 8.000 US-Dollar eine Nebenrolle in dem Film zu spielen. Aber er hat das Beste daraus gemacht. Tatsächlich wurden er und Ava in diesem Jahr für die Oscars nominiert — Ava for Mogambo und er für Ewigkeit. Frank gewann, aber Ava verlor gegen Audrey Hepburn für römische Ferien.


Frank Sinatra und Ava Gardner bei einer politischen Kundgebung in Los Angeles für den Präsidentschaftskandidaten Adlai Stevenson, 1955.

Zu einem Zeitpunkt während ihrer Ehe war Gardner schwanger geworden, hatte jedoch aufgrund der Volatilität ihrer Beziehung eine Abtreibung. Sie hatte sich immer Kinder gewünscht, sagte aber in späteren Jahren: “Wir konnten nicht einmal auf uns selbst aufpassen. Wie sollten wir auf ein Baby aufpassen?&8221 Gardner und Sinatra blieben für den Rest ihres Lebens gute Freunde.


Ava Gardner, Londoner Wohnung, 1984.

Spanien und London

Nach dem Ende ihrer Ehe mit Sinatra zog Gardner nach Spanien, wo sie schon früher gewesen war und den Film von 1951 gedreht hatte Pandora und der fliegende Holländer dort. In Spanien wurde Gardner ein großer Fan der Kultur des Landes, insbesondere des Stierkampfs und des Flamenco-Tanzes, und engagierte sich auch für Stierkämpfer. Ein Bericht in Zeit Zeitschrift vom September 1955 notierte: “In der Stierkampfarena der antiken Stadt Alcala de Henares war der schmächtige, lockige Cesar Giron, 21, von Avas Anwesenheit auf der Tribüne so inspiriert, dass er seinen Stier in hohem Stil schickte Sie gewann beide Ohren und den Schwanz, überreichte Ava seine blutigen Trophäen, die ein Ohr für einen langen Kuss an ihre Lippen drückte, während die Menge jubelte.”

1961 begann sie eine einjährige Affäre mit Claude Terrail, einem europäischen Playboy und Besitzer des Pariser Restaurants La Tour d’Argent. Als es endete, sagte Terrail angeblich: “Ich musste aufgeben – sie war zu gefährlich für mich,” in Anspielung auf ihre Jekyll-and-Hyde-Persönlichkeit, nachdem der Alkohol zu fließen begann. In den späten 1960er Jahren war Gardner von Spanien nach London gezogen, nachdem die spanischen Steuerbehörden behaupteten, sie schulde 1 Million US-Dollar an Steuernachzahlungen. In den 1970er Jahren trat sie weiterhin in Filmen auf — als Lillie Langtry in 1972’er Das Leben und die Zeiten des Richters Roy Bean, gegenüber Paul Newman und 1974 gegenüber Charlton Heston in Erdbeben. Sie zog sich 1982 aus dem Hollywood-Film zurück und gab 1985 ein Fernsehdebüt in der Knoten’s Landung Serie. Sie hatte auch eine bemerkenswerte Rolle als intrigierende Agrippina in der TV-Miniserie von 1985 ANZEIGE. (Anno Domini), eine sechsteilige britisch/italienische Inszenierung der Lebensgeschichten der Apostel in Rom nach dem Tod Jesu.


Die Titelgeschichte des People-Magazins vom Februar 1990 zu Ehren von Ava Gardner, mit einer Titelnotiz, die teilweise lautete: „Sie war die unwiderstehlichste Frau in Hollywood. Hinreißend, feurig und gefährlich hatte sie eine glühende Schönheit, die selbst Liz Taylor Ehrfurcht einflößte. ’ Zum Kopieren anklicken.

Personen Magazin in seiner Ausgabe vom 12. Februar 1990 in einer ausführlichen Titelgeschichte zu Ehren von Gardner bei ihrem Tod folgendes über ihr Leben und ihre Zeit:

“Eine Sirene, die sich in Bezug auf ihr Aussehen sehr unsicher war, ein Star, der schwor, nicht schauspielern zu können, Gardner war schon immer eine Studie der Widersprüche gewesen. Für die Kinobesucher, die während des Zweiten Weltkriegs von Ava fasziniert waren, war sie die Sinnlichkeit selbst. Aber während ein Teil von ihr die extravagante Verführerin war, deren Schönheit sogar Elizabeth Taylor einschüchterte, war ein anderer Teil ein Mädchen vom Lande, das barfuß ging, Sekunden auf Brathähnchen nahm und alles nicht mochte, was auf Anmaßung hindeutete. Als Einzelgängerin, die sich als Filmkönigin fehlbesetzt fühlte, lernte sie, ihren Schnaps direkt zu trinken – nicht weil sie den Geschmack mochte, sondern weil Alkohol ihre Schüchternheit nahm. Süchtig nach stürmischen Beziehungen, war sie eine aufbrausende Szenenmacherin, die mit gleicher Inbrunst kämpfte und liebte. In ihren späteren Jahren begann sie zu sagen, dass sie ihre Filmkarriere gegen ‘einen guten Mann eingetauscht hätte, den ich lieben und heiraten und kochen konnte’, aber Freunde bezweifelten, dass sie es als Hausfrau…”.


Ava Gardner, irgendwann Anfang bis Mitte der 1950er Jahre.

Bei ihrer Beerdigung, an einem regnerischen Tag, der an eine Szene aus erinnerte Die Barfuß-Contessa, versammelten sich etwa 50 Verwandte und Freunde auf dem Familiengrab, auf dem Gardner neben ihren Brüdern und Eltern begraben werden sollte. Mehrere hundert andere versammelten sich hinter der abgesperrten Grabstelle. Zuvor waren etwa 3.000 Besucher durch das Smithfield Bestattungsinstitut gekommen, um ihre Aufwartung zu machen, wo eine Blumenkranzkarte unterschrieben war, “ mit meiner Liebe, Francis.” Ein Gerücht besagte — und vielleicht das war alles, —, dass bei der Beerdigung eine einsame schwarze Limousine auftauchte, deren Insasse nie auftauchte, sondern vermutlich Frank Sinatra war. Sinatra starb 1998. Heute gibt es in Smithfield ein Ava Gardner Museum in der Stadt und auch eine Website. Im Sommer 1998 wurde ihr zu Ehren im spanischen Dorf Tossa de Mar, wo sie den Film von 1951 gedreht hatte, eine Bronzeskulptur von Ava Gardners Pandora-Figur aufgestellt. Pandora und der fliegende Holländer.


Ava Gardner, Nahaufnahme, 1950er Jahre.

Ava Gardner spielte zwischen 1942 und 1982 in mehr als 60 Filmen mit. Im Juni 1999 wurde sie vom American Film Institute in eine Liste der größten Hollywoodstars aufgenommen. In 2008, Die Mörder wurde von der Library of Congress als „kulturell, historisch oder ästhetisch bedeutsam“ in das National Film Registry der Vereinigten Staaten aufgenommen

Bei ihrem Tod schrieb Charles Champlin in der Los Angeles Zeiten:

"Ihre große Schönheit war zweifellos majestätisch, aber von Anfang an hatte man den Eindruck, dass sie ungeduldig war und sich auf einem Podest unwohl fühlte, als hätte sie Angst vor dieser besonderen Größe&8230. Wenn Gardner ein Symbol für den schnellen und schwindelerregenden Ruhm war, den Starruhm gewähren kann, war sie ein Symbol ebenso wie für seine Strafen, Frustrationen und Desorientierung. Alles ist nicht ganz genug, und die Grenze zwischen Bildschirmfiktionen und gelebtem Leben kann anfangen zu verschwimmen…”

Siehe auch auf dieser Website „Film & Hollywood“ oder „Promi & Icons“ für weitere Geschichten in diesen Kategorien. Und die Themenseite “Noteworthy Ladies” enthält zusätzliche Story-Optionen zu anderen bemerkenswerten Frauen. Weitere Informationen zu Sinatra finden Sie auf der Themenseite “Sinatra Stories”. Vielen Dank für Ihren Besuch – und wenn Ihnen das, was Sie hier finden, gefällt, spenden Sie bitte, um die Recherche, das Schreiben und die weitere Veröffentlichung dieser Website zu unterstützen. Dankeschön. –Jack Doyle

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Datum der Veröffentlichung: 23. Mai 2009
Letztes Update: 9. August 2019
Kommentare zu: [email protected]

Artikelzitat:
Jack Doyle, “Ava Gardner, 1940er-1950er Jahre,”
PopHistoryDig.com, 23. Mai 2009.

Quellen, Links & weitere Informationen

Edwin Schallert, “‘Black Angel’ zu Star Ava Gardner im The U,” Los Angeles Zeiten, 1. April 1946. p. 9.

“Artie Shaw’s Ava Gardner bittet um Scheidung,” Los Angeles Zeiten, 16. August 1946, S.A-1.

Hedda Hopper, “Kultur, nicht Liebe, ihr Ziel jetzt, sagt Ava Gardner Privatleben sekundär zur Filmkarriere,” Los Angeles Zeiten, 24. August 1947, p. C-1.

“Grouchy Sinatra trifft Ava Gardner in Spanien Klatsch sagt, sie sei in Stierkämpfer verliebt, Reporter sagen ihm vor dem Rendezvous,” Los Angeles Zeiten, 12. Mai 1950, p. 14.

“Herd & Haus,” Zeit, Montag, 22. Mai 1950.

“Frank Sinatra, Ava Gardner fliegen nach Mexiko,”Los Angeles Zeiten, 2. August 1951, p. 2.

“Herzen und Blumen,” Zeit, Montag, 13.08.1951.

“Die Tochter des Bauern,” Zeit, Montag, 3. September 1951.

Hedda Hopper, “Hochdramatische Rolle geht an Ava Gardner,”Los Angeles Zeiten, 2. Oktober 1952, p. B-8.

“Menschen,” Zeit, Montag, 19.09.1955.

Thomas M. Pryor, “M-G-M schlägt vor, Schauspielerin veräußert Studio, sucht Starrollen für Ava Gardner, gerät in Fahrzeugschwierigkeiten,” New York Times, Freitag, 27. Januar 1956, p. 18.

Ava Gärtner, Ava: Meine Geschichte, New York: Bantam, 1990.

Roland Flamini, Ava: Eine Biografie, 1983.

Peter B. Flint, “Ava Gardner ist tot mit 67 oft gespielte Femme Fatale,” New York Times, 26. Januar 1990.

Charles Champlin, “Ava Gardner – Bild einer vergangenen Ära,” Los Angeles Zeiten, 26. Januar 1990, p. F-1.

Burt A. Folkart, “Ava Gardner, schwüler Filmstar, stirbt mit 67 in London,” Los Angeles Zeiten, 26. Januar 1990.

Michelle Green, Doris Bacon, Eleanor Hoover, Cathy Nolan, Jane Walker, Linda Kramer, David Hutchings, Dick Lemon, “Many Passions, No Regrets — Ein hart lebender Abtrünniger, der Starruhm hasste, Ava Gardner wurde Weltklasse Symbol für Skandal und Sexualität,” Titelgeschichte, Personen, 12. Februar 1990, S. 72-81.

Robyn Karney, “Ava Gardner,” St. James Enzyklopädie der Popkultur, Gale-Gruppe, 2002.

Lee Server, Ava Gardner, Liebe ist nichts, New York: St. Martin’s Press, 2006, Illustriert, 551 S.

Ava Gardner-Museum in Smithfield, North Carolina.

Janet Maslin, Books of the Times, “Ava Gardner in Lee Servers Biografie: Hollywood Star als Wild Spirit,” New York Times, 17.04.2006.

Peter Bogdanovich, “Ava’s Allure,” Rezension zu Ava Gärtner, von Lee Server, Sunday Book Review, New York Times, 23.04.2006.

“Film lässt Ava Gardner wegen ‘Überforderung’ fallen,” [‘Pink Panther’], New York Times, Dienstag, 6. November 1962, p. 39.

Hedda Hopper, “Burton wird Co-Star mit Ava Gardner,” Los Angeles Zeiten, 16. Mai 1963, p. C-6.

Roderick Mann, “Filme, Privatsphäre und Ava Gardner,” Los Angeles Zeiten, 20. April 1978, p. E-13.


10 überraschende Fakten über Burt Reynolds

Wenn deine erste Erinnerung an Burton Leon Reynolds aus dem Film von 1993 stammt Cop and a Half, dann sind Sie wahrscheinlich zu jung, um sich daran zu erinnern – oder gar zu erkennen – dass Burt Reynolds einst Hollywoods größter Filmstar war. Um es ins rechte Licht zu rücken: Von 1973 bis 1984 wurde Reynolds jedes Jahr als einer von Quigleys „Top 10 Money Makers“ aufgeführt und belegte bei der jährlichen Umfrage von 1978 bis 1982 den Spitzenplatz (die einzige andere Person mit einem Rekord von fünf Jahre in Folge ganz oben auf der Liste steht Bing Crosby, damals in den 1940er Jahren).

Nachdem eine schwere Knieverletzung und ein anschließender Autounfall eine vielversprechende Fußballkarriere an der Florida State University beendeten, fand Reynolds seinen Weg zur Schauspielerei. Er begann in einer Reihe von Fernsehrollen, darunter ein regelmäßiger Auftritt in der Westernserie Flussboot, Dann kam er mit seiner Breakout-Rolle in John Boormans 1972er Backwoods-Klassiker auf die große Leinwand. Befreiung.

Reynolds folgte Befreiung mit Hits wie Smokey und der Bandit (ein Film Playboy genannt „die“ Vom Winde verweht von Good-Ol-Boy-Filmen"), Halbhart, Der Kanonenkugellauf, und Das beste kleine Hurenhaus in Texas. Obwohl er ein paar Jahre lang eine schwierige Phase hatte, änderte sich das alles, als Reynolds zustimmte, mitzuspielen Boogie-Nächte, Paul Thomas Andersons Ode an die Pornografie von 1997, die dem Schauspieler einen Golden Globe-Preis, eine Oscar-Nominierung als bester Nebendarsteller und eines der größten Comebacks des Jahrzehnts einbrachte. Hier sind 10 Dinge, die Sie vielleicht noch nicht über die schnurrbärtige Hollywood-Ikone gewusst haben, die am 6. September 2018 im Alter von 82 Jahren starb.

1. ER LEGTE EINIGE WICHTIGE ROLLEN AB.

Im Laufe einer fast 60-jährigen Karriere wird man sicherlich einige Hauptrollen weitergeben. Und Reynolds lehnte vieles ab, darunter (nach eigenem Bekunden im Video oben) Han Solo in Krieg der Sterne, R. P. McMurphy in Einer flog über das Kuckucksnest, Edward Lewis in Hübsche Frau, und John McClane in Stirb langsam. Obwohl er das letzte nicht bereut: "Ich bereue es nicht, alles abgelehnt zu haben, was Bruce Willis getan hat", sagte Reynolds zu Piers Morgan.

Vor allem und vielleicht noch bedauerlicher lehnte Reynolds 1969 eine Chance ab, James Bond zu spielen. Wie Reynolds es erklärte: „In meiner unendlichen Weisheit sagte ich zu [Produzent] Cubby Broccoli: ‚Ein Amerikaner kann nicht James Bond spielen. Es geht einfach nicht.’ Und sie haben wirklich versucht, mich dazu zu überreden. Es war eine 10-minütige Diskussion. Schließlich gingen sie. Jede Nacht wache ich schweißgebadet auf.“

Die Rolle, die Reynolds am meisten beklagt, ist jedoch eine Rolle, die speziell für ihn geschrieben wurde. Als Regisseur James L. Brooks 1983 an ihn herantrat, um Garrett Breedlove zu spielen Bedingungen der Zärtlichkeit, Reynolds sträubte sich und übernahm stattdessen eine Rolle in Hal Needhams Stroker-Ass. „Als es an der Zeit war, zwischen zu wählen Bedingungen und Schlaganfall, ich habe mich für letzteres entschieden, weil ich das Gefühl hatte, dass ich Hal mehr schuldete als Jim“, erklärte Reynolds (Needham führte auch Regie). Smokey und der Bandit, Hooper, und Der Kanonenkugellauf). „Niemand hat mir gesagt, dass ich es wahrscheinlich hätte tun können Bedingungen und Universal hätte mit der Herstellung gewartet, bis ich fertig war Schlaganfall.“ Die Rolle ging an Jack Nicholson, der 1984 den Oscar als bester Nebendarsteller mit nach Hause nahm.

2. ER STELLTE IN EINER AUSGABE VON 1972 NACKT AUF KOSMOPOLITISCH.

Es mag allgemein bekannt sein, dass Burt Reynolds nackt in posierte Kosmopolitisch. Weniger bekannt ist, dass er diese Entscheidung bereut hat. "Es ist mir sehr peinlich", sagte Reynolds zu Piers Morgan. Die Redakteurin Helen Gurley Brown bat Reynolds, das Fotoshooting zu machen, nachdem die beiden zusammen auf erschienen Die Tonight-Show. "Ich dachte, es wäre ein Kick", sagte Reynolds. Das Problem kam erst kurz zuvor Befreiung wurde in den Kinos veröffentlicht und alle 1,6 Millionen Exemplare des Magazins waren ausverkauft.

Trotz der Popularität der Verbreitung kam Reynolds zu der Überzeugung, dass sie möglicherweise von der kritischen Rezeption von abgelenkt haben könnte Befreiung. „Ich dachte, es kostet einige Schauspieler in Befreiung einen Oscar“, sagte Reynolds gegenüber Morgan. „Ich denke, es hat Jon [Voight] gekostet. Ich denke, es hat Ned Beatty gekostet, der sicherlich eine Oscar-Nominierung verdient hat. Ich glaube, es hat mir auch wehgetan."

3. ER LEHTE SEINE OSCAR-NOMINIERTE ROLLE AB BOOGIE-NÄCHTE. SIEBEN MAL.

New Line-Kino

Paul Thomas Anderson bestand darauf, dass Burt Reynolds in seinem Meisterwerk von 1997 den ikonoklastischen Pornoproduzenten Jack Horner spielt. Boogie-Nächte, trotz Reynolds' Abneigung gegen das Material. Anderson fragte sieben Mal und bekam sieben Pässe von Reynolds. „Eines Nachts – das achte Mal – kam [Anderson] in mein Hotelzimmer“, erinnerte sich Reynolds. „Und ich sagte: ‚Schau, du verstehst es nicht.‘ Und ich wurde ein bisschen verrückt. Und am Ende der Tirade sagte er: ‚Wenn du das im Film schaffst, wirst du für einen Oscar nominiert.‘ Und er hatte Recht.“

4. EIN STUNT AM SET VERURSACHTE IHM EIN LEBEN MIT SCHMERZEN.

Die 1980er Jahre waren nicht immer freundlich zu Reynolds. "Ich kann nicht glauben, dass ich all diese schlechten Filme hintereinander gedreht habe, bis ich mir die Liste angesehen habe", sagte er. Während der Dreharbeiten von 1984 Stadthitze, Reynolds wurde von einem Metallstuhl im Gesicht getroffen und zerschmetterte seinen Kiefer. Als Folge der Verletzung entwickelte er ein Kiefergelenk und verlor schließlich 40 Pfund, da er keine feste Nahrung zu sich nehmen konnte. Der schockierende Gewichtsverlust schürte Spekulationen, dass Reynolds an AIDS erkrankt war, ein Gerücht, das er jahrelang widerlegte. Er entwickelte auch eine schwere Drogenabhängigkeit als Folge der chronischen und schwächenden Schmerzen, die er unter dem Kiefergelenk hatte, als Reynolds bis zu 50 Halcion-Schlaftabletten pro Tag einnahm.

Reynolds beendete schließlich die Pillensucht, hatte aber nicht so viel Glück mit den Schmerzen. Er litt für den Rest seines Lebens täglich unter der jahrzehntelangen Verletzung.

5. ER HATTE EINEN IMPROMPTU TORTENKAMPF MIT DOPPELTE WAGE GAST MARC SOMMER ON DIE HEUTE NACHT-SHOW.

Burt Reynolds hatte gerade seinen Abschnitt als Gast beendet Die Tonight Show mit Jay Leno 1994 und hatte Platz für den nächsten Gast gemacht, den TV-Show-Moderator Marc Summers (Doppelte Pflicht, Ausgepackt). Reynolds war sichtlich irritiert von Summers, weil er ihm angeblich den Rücken zukehrte, während er mit Leno sprach. Summers sagte dann zu Reynolds: "Ich bin übrigens immer noch verheiratet." Dieser Stich löste eine Wasserschlacht zwischen den beiden Kämpfern aus: Reynolds ließ seine Tasse auf Summers Schoß fallen, Summers rächte sich und so weiter und so weiter. Der Donnybrook gipfelte in einem ziemlich heftigen Kuchenkampf, gefolgt von einer sehr unangenehmen Umarmung.

„Das war kein bisschen“, erklärte Summers. „Ich wusste nicht, was mich erwartet. Er war gerade mit Loni Anderson in Scheidung und war wütend. Er umarmte mich und sagte: ‚Das habe ich nur getan, weil ich dich wirklich mag.‘ Die Tonight-Show dein ganzes Leben. Sie sitzen neben Burt Reynolds. Er lässt dir Wasser in den Schritt tropfen, dann gerätst du in eine Tortenschlacht!“

6. ER IST ELMORE LEONARD VERRÜCKT.

Reynolds war ein langjähriger Bewunderer des Schriftstellers Elmore Leonard. Nach der Lektüre von Leonards Roman, Stock, entschied Reynolds, dass er in der Filmversion Regie führen und die Hauptrolle spielen wollte. Die Dinge liefen nicht gut.

Nachdem er Reynolds' ersten Schnitt des Films gesehen hatte, verschob das Studio das Veröffentlichungsdatum und zwang ihn, die zweite Hälfte des Films neu zu drehen, sehr zum Entsetzen des Schauspielers / Regisseurs. "Ich habe meinen Ausschnitt des Bildes abgegeben und dachte wirklich, ich hätte einen guten Film gemacht", sagte Reynolds der Los Angeles Zeiten. „Mir kam schnell die Nachricht, dass das [Studio] ein paar Änderungen wünschte … ich gab den Film auf. Ich habe sie nicht bekämpft. Ich lasse sie das Beste aus mir herausholen.“

Der größte Schlag kam von Elmore Leonard. "Leonard sah den Film an dem Tag, an dem er für ein Interview interviewt wurde Nachrichtenwoche Cover und sagte ihnen, dass er es hasste “, teilte Reynolds mit. „Nach seinem Kommentar hat jeder Kritiker den Film angegriffen und er hat nicht mit mir gesprochen. Als ich den Film neu drehte, ging ich nur durch die Bewegungen. Ich bin nicht stolz auf das, was ich getan habe, aber ich übernehme die Verantwortung für mein Handeln. Alles was ich sagen kann – und das ist keine Verteidigung – ist, ob Ihnen der erste Teil von gefallen hat Stock, das habe ich die ganze Zeit versucht zu erreichen.“

7. ER HAT SICH IM NACHTCLUB-GESCHÄFT GETESTET.

Burt Reynolds' Ausflug in das boomende Nachtclubgeschäft der 1970er Jahre war nur von kurzer Dauer. Ende der 1970er Jahre eröffnete er Burt’s Place im Omni International Hotel in der Innenstadt von Atlanta. Das bemerkenswerteste Merkmal des Clubs war eine Buntglas-Tanzfläche, auf der Burts Gesicht und die Worte „Burt’s Joint“ abgebildet waren – was seltsam war, wenn man bedenkt, dass dies nicht einmal der Name des Hauses war. Burt’s Place/Joint nach einem Jahr geschlossen.

8. MARLON BRANDO WAR KEIN FAN VON REYNOLDS.

Burt Reynolds kam im Filmgeschäft auf und war ein großer Marlon Brando-Fan. Brando teilte das Gefühl nicht. Als Reynolds 1972 für die Rolle des Michael Corleone in Betracht gezogen wurde Der Pate, erklärte Brando hartnäckig, dass er sich aus dem Projekt entfernen würde, wenn Reynolds die Rolle erhalten würde. Der Rest ist Geschichte.

Brando sagte später über Reynolds: „Er ist der Inbegriff von etwas, das mich zum Kotzen bringt … Er ist der Inbegriff von allem, was an dem Thespian widerlich ist … Er betet im Tempel seines eigenen Narzissmus an.“ Autsch! Um fair zu sein, gab Brando im selben Gespräch zu, dass er Reynolds noch nie getroffen hatte.

9. ER HAT EIN ALBUM VERÖFFENTLICHT.

Merkur/Phonogramm

Heiß auf seinen Erfolg in Befreiung und seine nackte Verbreitung in KosmosEin Soloalbum schien die nächste, Hollywood-gerechteste Vorgehensweise zu sein.

Reynolds veröffentlichte 1973 sein Debütalbum „Ask Me What I Am“ und irgendwie scheint dieses Juwel Kritikern und Fans gleichermaßen entgangen zu sein. Wir wissen, dass das Album mit einem doppelt so großen Poster von Reynolds in einem blauen Overall und Cowboyhut geliefert wurde.Sie können einen Track auf YouTube anhören, aber wenn Sie ihn vollständig hören müssen, ist er bei Amazon erhältlich.

10. ER HAT NICHT GEDACHT BEFREIUNG KÖNNTE HEUTE UMGESETZT WERDEN.

„Sie reden immer wieder von einem Remake, aber ich glaube nicht, dass man vier Schauspieler finden könnte, die verrückt genug dafür sind“, sagte Reynolds. „Wir waren bei weitem keine Wildwasserexperten. Wir würden für den Tag aufhören und zurückkommen und üben. Wir kamen an einen Punkt, an dem wir kompetenter waren oder zumindest nicht ständig umgekippt wurden. Ich muss zugeben, dass es trotz der Gefahr oder gerade wegen der Gefahr der größte Spaß war, den ich je hatte.“

Reynolds hat das oft gesagt Befreiung ist der beste aller seiner Filme.


Dennis Burt in den 1940er Jahren - Geschichte

Mary Livingstone (Sadye Marks) ein s selbst, Jacks Sekretärin/Angestellte/Freundin
23. Juni 1905 ---- 30. Juni 1983

Mary LivingstoneSie war natürlich Jack Bennys echte Ehefrau. So viel steht fest. Doch wenn man beginnt, sich mit dem Leben von Mary Livingstone zu befassen, wird man mit einer ganzen Reihe von scheinbaren Fragen oder Mysterien konfrontiert. War ihr Vorname Sadye oder Sadie? War der Nachname ihrer Familie Marx oder Marks? Waren sie irgendwie mit den Marx Brothers verwandt oder nicht? Hat sie ihren Namen legal in Mary Livingstone oder Mary Benny geändert? Warum hat sie so relativ spät in ihrer Karriere „Mike Fright“ entwickelt? Das geringste dieser Geheimnisse ist, was zum Teufel die Rolle der „Mary“-Figur im Jack Benny-Programm in den 1940er Jahren war. „Mary Livingstone“ wurde in der Radiosendung als glühender Fan von Jack Benny vorgestellt. Mit der Zeit wurde sie jedoch immer sarkastischer und bissiger gegenüber Jack, und ihre tatsächliche Position in der Sendung blieb etwas in der Luft. War sie Jacks Sekretärin? Seine Freundin? Nur ein Bekannter? Für einige Zeiträume in der Show hatte Mary ein Dienstmädchen, also wenn sie Jacks Sekretärin war, muss es ihr ziemlich gut gegangen sein.

(Hinweis: Aus Gründen der Konsistenz verwende ich für diesen Artikel die Schreibweise „Sadie“.)

Mary wurde am 23. Juni 1905 in Seattle, Washington, geboren, wuchs aber in Vancouver, British Columbia, auf. Der ursprüngliche Familienname war Markovitz, der aber irgendwann auf Marx (oder Marks) abgekürzt wurde.

Einige biografische Berichte zeigen, dass Mary Jack Benny zum ersten Mal traf, als sie gerade 14 Jahre alt war, bei einem Seder, der in der ersten Pessach-Nacht im Haus ihrer Familie in Vancouver stattfand. Während Sadie 1919 14 Jahre alt gewesen wäre, haben andere Berichte den Seder 1921 stattgefunden. Die zuverlässigsten Zeugen waren natürlich Jack und Mary selbst, und beide schrieben Bücher (Jack's wurde posthum veröffentlicht). Jack setzt das Datum auf 1921 und schreibt, dass er von Zeppo Marx zum Seder eingeladen wurde, während er und die Marx Brothers beide zufällig in der Stadt waren und gleichzeitig in Varieté-Shows auftraten. Dies hat natürlich die Geschichten, die Sadie Marx/Marks mit den Marx Brothers in Verbindung brachte, weiter angeheizt und tatsächlich in dem Buch „ Sonntagabend um Sieben “, schreibt Jack, dass Sadies Vater Henry ein entfernter Verwandter der Marx Brothers war. In dem Buch schreibt Jack, dass Zeppo ihn überlistet hat, indem er eine wilde Party versprach, die sich als traditionelles orthodoxes jüdisches Pessach-Dinner herausstellte. Bei diesem Abendessen traf Jack (entweder 25 oder 27 Jahre alt, je nachdem welches Datum des Seders richtig ist) zum ersten Mal Sadie, ihre Schwester Ethel (in Zukunft würde Ethel, die unter ihrem Spitznamen „Babe“ bekannt war, sein) im Jack Benny-Programm ziemlich häufig erwähnt und schließlich sogar als sie selbst auftreten) und ihrem Bruder Hilliard (der später Jacks Radiosendung produzierte).

Jack schreibt, dass Sadies Vater sie dazu gebracht hat, für Jack eine Geigenaufführung zu geben. Wieder einmal, wie so viele Geschichten über Mary Livingstone, variieren die Geschichten darüber, was genau in dieser Nacht in Bezug auf Sadies Gefühle für Benny passiert ist. Einige, darunter Jack in seinem Buch, sagen, dass Sadie in Jack verknallt war, bis er „unhöflich“ zu ihr war, indem er ihr Geigenspiel absichtlich ignorierte eine Entschuldigung, damit sie gehen konnten. Andere Berichte schreiben, dass sie Jack während des ganzen Abends überhaupt nicht mochte. Die meisten sind sich jedoch einig, dass Sadie am Ende des Abends eine ziemliche Abneigung gegen Jack hatte. Als sie und einige Freunde am nächsten Tag Jacks Varieté-Show im Vancouver Olympia Theatre besuchten, saßen sie tatsächlich in der ersten Reihe und lachten absichtlich nicht ein einziges Mal über Bennys Auftritt. Dieses Verhalten entnervte Jack verständlicherweise völlig und warf seine Leistung ab. Dies war das letzte Mal, dass die beiden sich für mindestens ein paar Jahre sahen. In den Jahren dazwischen hatte sich Jack in Gracie Allens Freundin Mary „Bubbles“ Kelly verliebt.

Jack schreibt, dass sein nächstes Treffen mit Sadie Marks stattfand, als sie und ihre Familie nach Kalifornien zogen und sie Jack im Pantages Theatre in San Francisco auftrat. Nach der Show ging Sadie zur Bühnentür, um Hallo zu sagen, aber Jack erkannte sie nicht, sagte ein kurzes „Hallo“ und ging weiter.

Das dritte Treffen fand 1926 statt, als Jack im Orpheum Theatre in Los Angeles auftrat. Zu diesem Zeitpunkt hatten sich Jack und Mary Kelly getrennt, und Jack schreibt, dass er ein Doppeldate mit dem Varieté-Darsteller Al Bernovici und seiner neuen Frau Ethel Marks hatte. Al brachte Ethels Schwester Sadie als Date für Jack mit. Jack sagt, er habe nicht gewusst, dass Sadie dasselbe Mädchen war, das er bereits zweimal getroffen hatte, sondern dass es „Liebe auf den dritten Blick“ war. Er fragte Sadie nach einem Date am nächsten Abend, aber Mary, deren Gedächtnis offensichtlich besser war als die von Jack, lehnte ihn ab. Am nächsten Morgen besuchte Jack Sadie bei ihrem Job an der Damenstrumpfwarentheke der May Company in Hollywood. Während Jack schreibt, dass er sie zum Mittagessen eingeladen hat und dieses Mal akzeptiert hat, geht Jack in anderen Berichten auf Sadie zu, um ihr eine Frage zu stellen, und Sadie schnappt unhöflich zurück „Fragen Sie den Floorwalker“.

!”. Jack besuchte sie weiterhin jeden Tag zum Mittagessen in der May Company und kaufte jedes Mal Strümpfe.

Jack schreibt, dass sie für das nächste Jahr telefonisch in Kontakt blieben, während er das Land bereiste und im Varieté auftrat. Irgendwann entschied Sadie, dass Jack es nicht wirklich ernst meinte und verlobte sich mit einem Immobilienmakler. Jack traf in Chicago auf Ethel „Babe“ Marks, die ihm von Sadies Heiratsplänen erzählte. Babe rief ihre Schwester an und ließ Jack mit ihr reden. Jack versuchte Sadie davon zu überzeugen, dass sie zu jung zum Heiraten war. Er bat sie, ihn in Chicago zu besuchen, was sie dort tat. Jack versuchte weiter, sie davon zu überzeugen, nicht zu heiraten. Als sie nicht überzeugt zu sein schien, gestand Jack ihr seine Liebe und bat sie, ihn zu heiraten. Als Sadie richtig darauf hinwies, dass Jack ihr gerade gesagt hatte, sie sei zu jung, um zu heiraten, antwortete Jack mit etwas in der Art von „Du bist nicht zu jung, um MICH zu heiraten“.

!” Erstaunlicherweise wusste Jack selbst zu diesem späten Zeitpunkt anscheinend immer noch nicht, dass Sadie das gleiche Mädchen war, das er beim Vancouver Pessach-Dinner kennengelernt hatte.
(*da kommt noch mehr. * )

Eddie Anderson (Edmund Lincoln Anderson) als Rochester Van Jones, Jacks Chauffeur/Diener
18. September 1905 ---- 28. Februar 1977


27 schwule Schauspieler in der Fernsehgeschichte

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Von Ellen DeGeneres bis Neil Patrick Harris, Prominente haben heute kein Problem damit, aus dem Schrank zu kommen – und im Fall der beiden haben ihre Ankündigungen ihre Starpower erhöht. Aber wie der Rest der Welt hatte Hollywood schon immer eine bedeutende schwule Bevölkerung, anerkannt oder nicht. Heute schauen wir uns 27 schwule Schauspieler der TV-Geschichte an: Die meisten offenbarten endlich ihre Sexualität, aber einige starben in einer anderen Zeit, als Diskretion noch eine Tugend war (ganz zu schweigen von einem Karrieresparer).

1. Robert Reed, The Brady Bunch

Eines der größten Geheimnisse von TV Land war die Homosexualität des Vaters von Brady Bunch, Mike. Der klassisch ausgebildete Schauspieler Reed ging aus Angst um seine Karriere eine fünfjährige Ehe ein, aus der nach ihrem Ende eine Tochter hervorging, er blieb sein ganzes Leben lang im Schrank. Obwohl seine Fernsehfamilie wusste, dass er schwul war, diskutierten sie nie darüber. Barry Williams sagte: „Robert wollte nicht dorthin. Ich glaube nur nicht, dass es eine Diskussion war – Punkt.“

2. Cynthia Nixon, Sex und die Stadt

Während des größten Teils des Laufs von Sex and the City, Nixon – bekannt dafür, Fans als karrierebewusste Miranda zu zeigen – war in einer Beziehung mit einem Mann, mit dem sie zwei Kinder hatte. Aber 2004 begann sie mit der Aktivistin Christine Marinoni auszugehen, die sie 2012 heiratete. Nixon sagte: „Ich hatte mich noch nie in eine Frau verliebt. Aber als ich es tat, schien es nicht so seltsam. Ich bin nur eine Frau, die in eine andere Frau verliebt ist.“ Das Paar hat einen Sohn, geboren 2011.

3. George Takei, Star Trek

Bereits berühmt für seine Rolle als Lieutenant Sulu während der ursprünglichen Serie von Star Trek und den nachfolgenden Filmversionen erlangte Takei noch mehr Berühmtheit, als er 2005 herauskam. Mit seinem langjährigen Partner Brad Altman ist er seitdem einer der lautstärksten Aktivisten der Bewegung, der virale PSAs entwickelt und eng mit der Menschenrechtskampagne zusammenarbeitet. Im Jahr 2008 erhielten Takei und Altman als erstes Paar eine gleichgeschlechtliche Heiratsurkunde in West Hollywood, die sie im September heirateten.

4. Dick Sargent, verhext

Der zweite Schauspieler, der Samanthas Ehemann in der zypto-homosexuellen Sitcom spielt Verzaubert, Sargent kam 1991 im Alter von 61 Jahren heraus und bezeichnete sich selbst als "rückwirkendes Vorbild". Im nächsten Jahr dienten er und die Fernsehfrau Elizabeth Montgomery als Co-Grand Marshals der Gay-Pride-Parade von Los Angeles. Sargent führte zum Zeitpunkt seines Todes im Jahr 1994 eine langjährige Beziehung.

5. Cesar Romero, Batman

Batmans wahnsinnig gackernder Erzfeind, der Joker, wurde von dem Mann gespielt, den Marlene Dietrich „die unbestrittene Königin der Homosexuellen“ nannte. Ich glaube nicht, dass es in Hollywood einen Schauspieler gab, der nicht dort gewesen wäre.“ Romero, der seine Karriere in den 1930er Jahren als "Latin Lovers" begann, kam nie offiziell heraus.

6. Richard Chamberlain, Dr. Kildare

Seit den frühen 60er Jahren ein Star, behielt Dr. Kildare seinen beruflichen Schrank 40 Jahre lang bei, obwohl bereits 1989 Berichte über seine Homosexualität an die Oberfläche kamen. Er erschien schließlich in seiner Autobiografie von 2003. Zerschmetterte LiebeLand der Verlorenen's Wesley Eure (ebenfalls auf unserer Liste), hat aber seine längste Beziehung zu seinem Schauspielkollegen Martin Rabbett.

7. Raymond Burr, Perry Mason

Der Star von Perry Mason und Eisenseite war sein ganzes Leben lang bekannt, bis zu dem Punkt, an dem er fiktive Frauen und Kinder für die Medien erfand. Laut dem Reporter Bob Thomas: „Ray war keineswegs ein romantischer Star, aber er war eine sehr beliebte Figur … Wenn zu dieser Zeit in der Hollywood-Geschichte enthüllt worden wäre, dass er schwul war, wäre es für ihn sehr schwierig gewesen weitermachen." Als er 1993 starb, hinterließ er seinen Nachlass seinem 30-jährigen Partner Robert Benevides.

8. Sara Gilbert, Roseanne

Roseannes TV-Tochter Darlene erkannte zum ersten Mal, dass sie lesbisch war, während einer Romanze mit Co-Star Johnny Galecki. Sie war 10 Jahre lang mit der Produzentin Allison Adler zusammen, mit der sie Anfang des Jahres zwei Kinder hat, und heiratete die 4 Non Blondes-Sängerin Linda Perry.

9. Ellen DeGeneres, Ellen

Wo warst du, als Ellen herauskam? Das war die Frage der 90er Jahre, als DeGeneres nach Jahren öffentlicher Spekulationen Oprah 1997 in ihrer Talkshow ihre Sexualität enthüllte. Kurz darauf kam auch ihre Sitcom-Figur heraus, drei Jahre nachdem die Sendung ausgestrahlt wurde. Es dauerte nur eine weitere Saison, die angeblich von der Walt Disney Company, der Muttergesellschaft von ABC, getötet wurde, die sich mit der Entwicklung unwohl fühlte. Heute hat Ellen natürlich das letzte Mal gelacht, als sie täglich ihre eigene, äußerst beliebte Talkshow leitete.

10. Neil Patrick Harris, Doogie Howser, M.D.

Jedermanns beliebtester jugendlicher Arzt führte ein ziemlich geheimnisvolles Leben, nachdem die Show 1993 ausgestrahlt wurde, aber angetrieben durch den Erfolg einer urkomischen Gastrolle in der Harold und Kumar Serie und seine charakteristische Darstellung von Barney on Wie ich deine Mutter kennengelernt habe, Harris kam 2006 heraus. Seitdem ist er beliebter denn je, moderierte große Preisverleihungen und gewann einen Tony für seinen Broadway-Turn-In Hedwig und der wütende Zoll.

11. Sheila Kuehl, Die vielen Lieben von Dobie Gillis

Bekannt dafür, das wilde Zelda in der Sitcom der frühen 60er zu spielen Die vielen Lieben von Dobie Gillis, Kuehl hat eine Karriere in der Politik begonnen und diente Kalifornien zweimal in seiner gesetzgebenden Körperschaft. Nie wirklich verschlossen, spürt sie, dass ihre Umarmung ihrer Sexualität Ende der 60er Jahre, als sie sich mehr oder weniger von der Leinwand zurückzog, Rollen weniger offen machte.

12. Chad Allen, Dr. Quinn: Medizinfrau

Ein Teenie-Idol in den späten 80ern in den Sitcoms Unser Haus und Meine zwei Väter, Allen spielte weiter in der Western-Serie Dr. Quinn: Medizinfrau neben Jane Seymour. Nachdem sie 1996 von der Boulevardzeitung geoutet wurde Der Globus, das Fotos von ihm veröffentlichte, auf denen er einen anderen Mann küsste, wurde er zu einem führenden Verfechter der Rechte von Homosexuellen und agiert hauptsächlich in schwulen Projekten. Seit neun Jahren ist er mit seinem Partner Jeremy Glazer zusammen.

13. Wilson Cruz, mein sogenanntes Leben

Cruz war zu Beginn seiner Karriere ein Vorbild und kam im Alter von 19 Jahren heraus und wurde zwei Jahre später als schwuler Teenager im Kultklassiker der 90er Jahre gecastet Mein sogenanntes Leben. Er hat in den letzten 20 Jahren in leitender Funktion mit Schwulenorganisationen gearbeitet, um die Aufklärung und das Bewusstsein zu verbessern, und ist weiterhin in Film und Fernsehen tätig, hauptsächlich kürzlich bei Fox's Der Finder.

14. Wesley Eure, Tage unseres Lebens

Mitte der 70er Jahre ließ Eure Herzen sowohl in der Seifenoper höher schlagen Tage unseres Lebens und die Kindershow am Samstagmorgen Land der Verlorenen. Obwohl er auf blieb DOOL sieben Jahre lang sei er wegen seiner Homosexualität gefeuert worden, sagt Eure: Seine Beziehung zu dem Schauspieler Richard Chamberlain war damals in Hollywood bekannt. Er kam schließlich 2009 während der Premiere der Großbildversion von heraus Land der Verlorenen.

15. John Inman, werden Sie bedient?

Der Schauspieler schöpfte aus seiner Jugend in einem Kurzwarenladen für seine Kreation des verrückten Lagers Mr. Humphries in der Britcom der 70er Jahre Werden sie bedient? Seine Charakterisierung wurde zu der Zeit als Streikposten für die Zurücksetzung der Rechte von Homosexuellen angeprangert, aber Inman antwortete: „Es gibt viel mehr Leute als Mr. Humphries, die durch dieses Land gehen … Eine enorme Anzahl von Zuschauern wie Mr. Humphries. So weit davon entfernt, dem homosexuellen Image zu schaden, habe ich das Gefühl, dass ich etwas Gutes tun könnte.“

16. Michael Jeter, Abendschatten

Der multitalentierte Charakterdarsteller hatte einen Hit mit der Burt Reynolds-Sitcom der 90er Jahre Abendschatten, und machte auch umjubelte Auftritte auf Lattenzäune und Chicago Hope. Nach seinem Tod im Jahr 2003 führte er eine langjährige Beziehung.

17. Jack Larson, Abenteuer von Superman

Lebend und wohlauf bei 86, Larson wird als Jungreporter Jimmy Olson in der Serie der 50er Jahre erinnert Abenteuer von Superman. Larson war nie verschlossen und hatte eine Beziehung mit dem Schauspieler Montgomery Clift und dem Regisseur James Bridges, der 35 Jahre dauerte.

18. Paul Lynde, Verhext

Obwohl Lynde mit übertriebenem schwulen Humor gehandelt hat, ob er den extravaganten Onkel Arthur spielte Verzaubert oder eine sardonische Version von sich selbst auf Hollywood-Plätze, er kam nie offiziell heraus. Nicht, dass er es brauchte: Seine Persönlichkeit war so stark, dass Seth MacFarlane sagt, er habe seinen feenhaften Außerirdischen Roger darauf basiert Amerikanischer Vater!

19. Jim Nabors, Die Andy Griffith Show

Nur wenige schauen sich die hausbackenen Sitcoms der 60er an Die Andy Griffith-Show oder Gomer Pyle, U.S.M.C. hätte vermutet, dass der großäugige Gomer im Schrank steckte, aber Showbiz-Insider hielten die Sexualität des Schauspielers für selbstverständlich. Seit 39 Jahren ist Nabors mit Stan Cadwallader liiert, den er letztes Jahr in Seattle geheiratet hat.

20. Ron Palillo, Willkommen zurück, Kotter

Für immer bekannt als der widerliche Arnold Horshack auf Willkommen zurück, Kotter, Palillo fühlte sich nach der Show typisiert und war nicht in der Lage, eine größere Vielfalt an Rollen zu bekommen. Er leitete und lehrte jahrzehntelang vor seinem Tod im Jahr 2012 in Florida, wo er mit seinem 41-jährigen Partner Joseph Gramm lebte.

21. Danny Pintauro, wer ist der Boss?

Ein Kinderstar, der in der langjährigen Sitcom auftrat Wer ist der Boss?, Pintauro kam 1997 in einem Interview mit The National Enquirer heraus. Heute leitet er ein Restaurant in Las Vegas, wo er mit seiner frisch verheirateten Frau Wil Tabares lebt.

22. Charles Nelson Reilly, Match-Spiel

Wenn jemand die Krone von Paul Lynde als Hollywoods schwulster Schwuler anstreben kann, dann ist es CNR, der die Fans mit seinen zickigen Beilagen und Camp-Antworten erfreute Match-Spiel. Als echter Theaterprofi im Off spielte Reilly auch einen fiesen Feenschurken in der psychedelischen Kindershow Lidsville.

23. Glenn Scarpelli, ein Tag nach dem anderen

Scarpelli war 1980 ein Bühnenveteran und spielte am Broadway neben Anne Bancroft und Al Pacino Ein Tag nach dem anderen, dem er mitten in seinem Lauf beitrat. Er ist offen schwul und lebt jetzt in Sedona, Arizona, wo er mit seinem ehemaligen Ehepartner einen Gemeinschaftsfernsehsender gründete.

24. Alan Sues, Rowan & Martins Laugh-In

Die verrückte Königin aus der bahnbrechenden Comedy-Show der 60er Jahre war kurz mit einer Frau verheiratet, und obwohl er nie offiziell herauskam, boten seine Persönlichkeit und seine Manierismen seinem Publikum eine verschlüsselte Botschaft, glaubt Freund Michael Michaud.

25. Joseph Kearns, Dennis die Bedrohung

Der mürrische Nachbar Mr. Wilson, der immer von Kerl Dennis belästigt wird, wurde zuerst von Charakterstar Kearns zum Leben erweckt, der seine Talente auch auf Shows von Das Jack Benny-Programm zu Unsere Miss Brooks. Nie verheiratet, starb er während des Laufs der Show.

26. Jim J. Bullock, zu nah für Komfort

Obwohl Ted Knight die Hauptrolle spielte, stahl Bullock dem alten Profi die Show, als er sie in der 80er-Sitcom lagerte Zu nah für Komfort. Während der Sendung erfuhr er, dass er HIV-positiv war, aber aufgrund von Medikamenten jetzt einer der längsten Überlebenden des Virus ist.

27. Nancy Kulp, Die Beverly Hillbillies

In Erinnerung für ihre Rolle als nüchterne Miss Jane Hathaway, effiziente Sekretärin von Mr. Drysdale am Die Beverly HillbilliesKulp war ein Jahrzehnt mit einem Mann verheiratet, kam aber zwei Jahre vor ihrem Tod in einem Interview mit der schwulen Schriftstellerin Boze Hadleigh heraus.


Dennis Burt in den 1940er Jahren - Geschichte

Das neue Jahrzehnt für Filmemacher:

Obwohl die 1970er Jahre mit einer finanziellen und künstlerischen Depression Hollywoods begannen, wurde das Jahrzehnt zu einem kreativen Höhepunkt der US-Filmindustrie. Einschränkungen in Bezug auf Sprache, Inhalte für Erwachsene und Sexualität sowie Gewalt hatten sich gelockert und diese Elemente verbreiteten sich. Die Hippie-Bewegung, die Bürgerrechtsbewegung, die freie Liebe, das Wachstum des Rock'n'Roll, der Wandel der Geschlechterrollen und der Drogenkonsum hatten sicherlich Auswirkungen. Und Hollywood wurde mit dem früheren Zusammenbruch des Studiosystems und den Werken vieler neuer und experimenteller Filmemacher (fälschlicherweise "Movie Brats" genannt) während einer Hollywood New Wave erneuert und wiedergeboren.

Die damalige Gegenkultur hatte Hollywood dazu beeinflusst, freier zu sein, mehr Risiken einzugehen und mit alternativen, jungen Filmemachern zu experimentieren, als alte Hollywood-Profis und Mogule alten Stils ausstarben und eine neue Generation von Filmemachern entstand. Viele der Zuschauer und Filmemacher der späten 60er Jahre hatten durch die Einflüsse verschiedener europäischer "New Wave" -Bewegungen (Französisch und Italienisch) und des Originals einen Einblick in neue Möglichkeiten, neue Erzähltechniken und sinnvollere "künstlerische" Optionen erhalten Werke anderer fremdsprachiger Filmemacher.

Diese Überraschungshits in den letzten zehn Jahren stammten hauptsächlich von ungetesteten neuen und jüngeren Produzenten, Regisseuren und Schauspielern:

  • Antonionis Sprengung (1966)
  • Penns Bonnie und Clyde (1967)
  • Nichols' Der Absolvent (1967)
  • Boormans Punkt leer (1967)
  • Lindsay Andersons Wenn. (1968, Großbritannien)
  • Richard Lesters Petulia (1968, Großbritannien/USA)
  • Rafelsons Kopf (1968)
  • Romeros Nacht der lebenden Toten (1968)
  • Kubricks 2001: Odyssee im Weltraum (1968)
  • Schaffners Planet der Affen (1968)
  • Penns Alices Restaurant (1969)
  • Hoppers Leichter Reiter (1969)
  • Haskell Wexlers Mittelkühl (1969)
  • Schlesinger´s Mitternachtscowboy (1969)
  • Robert Downey Sr.s Putney Swope (1969)
  • Mazurskys Bob & Carol & Ted & Alice (1969)
  • Peckinpahs Der wilde Haufen (1969)

Junge Zuschauer und Regisseure, die sich mit mittelmäßigen Filmangeboten weigerten, Kompromisse einzugehen, unterstützten in diesem Jahrzehnt noch mehr, die Grenzen und konventionellen Standards des Films zu erweitern. Obwohl die 50er und 60er Jahre für Breitbild-Epen auf CinemaScopic-Leinwänden bekannt waren (und leichtere, formelhafte, blitzsaubere Kost wie Kissengespräch (1959) oder Stranddecke Bingo (1965)) war das Jahrzehnt der 70er Jahre bekannt für Filme mit kreativen und einprägsamen Themen, die den fragenden Geist und die Wahrheit der Zeit widerspiegelten. Filme, die in den 1960er Jahren gut gelaufen waren, wie z Der Klang der Musik (1965) würde in späteren Jahren mit den gleichen Stars und Genres nicht gut abschneiden, wie zum Beispiel Stern! (1968).

Die Filmkunst schien zur gleichen Zeit zu florieren, als die Niederlage im Vietnamkrieg, das Massaker im Kent State, der Watergate-Skandal, der Sturz von Präsident Nixon, die Schießerei bei den Olympischen Spielen in München, der zunehmende Drogenkonsum und eine wachsende Energiekrise eine enorme Ernüchterung zeigten , ein hinterfragender politisierter Geist in der Öffentlichkeit und mangelndes Vertrauen in Institutionen - ein Kommentar zum Wahnsinn des Krieges und der dunklen Seite des amerikanischen Traums (dokumentiert z Alle Männer des Präsidenten (1976) oder in Altmans M*A*S*H (1970)). Sogar Spielbergs Kiefer (1975) könnte als Allegorie für die Watergate-Verschwörung interpretiert werden.

Andere Filme, die von den Studios unterstützt wurden, spiegelten die turbulenten Zeiten, die Unzufriedenheit gegenüber der Regierung, die mangelnde Glaubwürdigkeit der USA und Andeutungen von Verschwörungswahn wider, wie in Alan J. Pakulas Post-Watergate-Film Die Parallaxenansicht (1974) mit Warren Beatty als muckraking Ermittler des Todes eines Senators. Die Erdbeer-Erklärung (1970), abgeleitet von James S. Kunens Zeitschrift und Bestsellerbericht über den Studentenstreik von 1968 in Columbia und für seine gegenkulturelle Botschaft des Aktivismus von MGM ausgebeutet, spiegelte die Unterstützung der Proteste auf dem Campus wider. Obwohl von dem Film erwartet wurde, dass er gut abschneidet, floppte er – zusammen mit anderen Filmen in einer zweiten ausbeuterischen Flut oder Welle angesagter Jugendfilme.

Viele andere Nachahmer- oder abgeleitete Filme, die beim Publikum versagten (nach Easy Rider Erfolg) enthalten:

  • Richard Rushs immer gerader (1970) über einen zurückkehrenden Vietnam-Tierarzt (Elliott Gould), der das College besucht und einen Aufstand auf dem Campus vermittelt
  • Antonionis in Amerika hergestellte R-Rated Zabriskie-Punkt (1970) über Jugendrebellion (die mit einer Wüstenorgie endet)
  • Regisseur John Avildsens Low-Budget-, ausbeuterisches und gewalttätiges Stadtdrama Joe (1970) das schließlich 20 Millionen US-Dollar einbrachte - mit dem Slogan "Keep America Beautiful" präsentierte Peter Boyle in einem Karrierestartfilm eine hässliche Sicht auf das gegenkulturelle Leben, in dem er als wütender, intoleranter, engstirniger und bigotter Arbeiter mit Schutzhelm namens Metallfabrikarbeiter die Hauptrolle spielte Joe Curran fühlte er sich ständig bedroht und hasste alle marginalisierten Arten von Menschen: ("Queers" Hippies, Schwarze usw.) über Drogenkonsumenten, Hippies in Kommunen und Liberale: ("Diese Kinder k--t auf dich. Sie k--t auf dein Leben. Sie k--t auf alles, woran du glaubst Der Film zeigte auch eine Debütrolle (mit etwas Nacktheit) für Susan Sarandon als Melissa Compton - ein drogensüchtiges Hippie-Blumenmädchen in Greenwich Village, das die Tochter eines wohlhabenden Werbemanagers war, den sie aufgrund ihrer Korruption mit Amphetaminen konsumierte Freund Fr Anks Drogenhandel der großmäulige und dreiste Joe würde sich bald mit Franks Mörder, Melissas Madison Ave. Executive-Vater Bill (Dennis Patrick) anfreunden, was zu einem tragischen, eingefrorenen Ende führte (ähnlich den schockierenden Massakern am Ende von Easy Rider (1969 .)) und Bonnie und Clyde (1968) - diesmal ermordete Hippies!)
  • Stuart Rosenbergs unlustige Komödie Umzug (1970) mit Elliott Gould als verheirateter New Yorker, der Pornografie schrieb
  • Stanley Kramers politisches Drama RPM (1970) (auch bekannt als Umdrehungen pro Minute) mit Anthony Quinn als liberaler College-Professor an der Westküste "Paco" Perez, der als Präsident der Universität mit Aufruhr und Unruhen durch aktivistische Radikale konfrontiert war
  • Das gesellschaftspolitische Drama von Paul Williams Der Revolutionär (1970), mit Jon Voight als Headliner als Titelfigur, die nur als "A" bekannt ist - ein Druckereiarbeiter, der radikalisiert und gewalttätig wurde
  • Inkohärenter Nachfolgefilm von Autor/Regisseur Dennis Hopper Der letzte Film (1971) - es war eine enorme Peinlichkeit und ein vielbeachtetes Fiasko für die Universal Studios, das die Gefahren des Nachgebens veranschaulichte Auteurismus

Der soziale Aktivismus der 1960er Jahre verwandelte sich oft in einen inneren Narzissmus, und doch brachte dieses unsichere Zeitalter immer noch einige der besten, kühnsten und kommerziell erfolgreichsten Filme hervor, die je gedreht wurden (teilweise aufgrund einer zunehmenden Erfahrung mit Marketing und Werbung), wie der sofortiger oscarprämierter Blockbuster Der Pate (1972) von einem praktisch ungetesteten Regisseur, William Friedkins Horrorklassiker Der Exorzist (1973), Spielbergs Kiefer (1975) und Enge Begegnungen der dritten Art (1977), und Lucas' Krieg der Sterne (1977).

Das Jahrzehnt brachte auch ebenso denkwürdige Kultfilme hervor, so vielfältig wie die von Monte Hellman Zweispuriger Blacktop (1971) und das skurrile Willy Wonka & Die Schokoladenfabrik (1971). Roh, unerbittlich und kompromisslos von Jerry Schatzberg und 20th Century Fox Die Panik im Needle Park (1971) (produziert von Dominick Dunne) porträtierte den Heroin-Drogenkonsum unter Süchtigen in New York City, mit Al Pacino in seiner ersten großen Schauspielrolle als Drogenhändler und Teil eines heroinverdammten Paares (gegenüber Kitty Winn). Der tschechoslowakische Filmemacher Milos Forman Erste Amerikanischer Film Abheben (1971) einsichtig persifliert die erwachsene Mittelschicht und ihre vermeintliche Generationenlücke von der Jugendgeneration. Es gab jedoch auch Zeiten, in denen erwartete Hits zu Katastrophen wurden, wie zum Beispiel das musikalische Fantasy-Remake Verlorener Horizont (1973) und Martin Scorseses düster expressionistisches Epochenmusical New York, New York (1977).

Es gab eine bemerkenswerte Themenvielfalt in den Filmen der 70er Jahre, die von jugendgegenkulturellen Filmen über rechte Kriminalfilme (die Selbstjustiz loben) bis hin zu Blaxploitation-Filmen, Antikriegsfilmen (und schwarzen Komödien), feministischen und Frauenfilmen reichten Befreiungsfilme, Kung-Fu- (und Kampfsport-) Actionfilme und alles dazwischen. Die Filmindustrie spiegelte den grassierenden sozialen Wandel und die im Land tobenden Kontroversen wider (einschließlich, aber nicht beschränkt auf Schwulenrechte, Bürgerrechte, Frauenrechte, Umwelt und Jugend-Hippie-Bewegung usw.)

Das erste über Satelliten übertragene nationale Kabelfernsehnetz, 1972-75

Das Wachstum des Kabelfernsehens wurde als ernsthafte Bedrohung für werbefinanzierte Fernsehsender, unabhängige Sender und Kinos angesehen. Diese älteren Institutionen wurden durch Entscheidungen der Federal Communications Commission geschützt, die Kabelsysteme daran hinderten, entfernte Fernsehsignale zu importieren. Nach der Deregulierung des Kabelnetzes in den frühen 70er Jahren war eines der frühesten abonnementbasierten Kabelnetze Der Grüne Kanal. Nachdem Time Inc. 1972 ihn unterstützt hatte, änderte sich der Name in HBO (Home Box Office), und der Kanal begann mit der Mikrowellenübertragung, als die Service Electric Company die Programmierung über ein kleines Wilkes-Barre, PA-CATV-System anbot.

Sein Debüt beinhaltete ein Hockeyspiel und die erste werbefreie Ausstrahlung von Manchmal eine großartige Idee (1970). Das drei Jahre alte Unternehmen, das seine Einnahmen auf Abonnenten basiert, setzte HBOs Zukunft auf die Verbreitung von Satellitenprogrammen und unterzeichnete einen Sechsjahresvertrag über 7,5 Millionen US-Dollar, um 1975 den Zugang zu RCAs kürzlich gestartetem Kommunikationssatelliten Satcom I zu ermöglichen. HBO weihte seinen Satelliten ein - landesweiter Kabeldienst mit der Live-Übertragung des Boxkampfs Ali gegen Frazier ("Thrilla in Manila") im Oktober 1975. Der Umzug machte HBO zum ersten erfolgreichen, über Satellit übertragenen Pay-Kabeldienst in den USA

Die Suche nach einem Blockbuster und Blockbuster-TV-Marketing

Die "sogenannte" Renaissance of Hollywood wurde auf der Perfektionierung einiger der traditionellen Filmgenres der erfolgreichen Vergangenheit Hollywoods aufgebaut - mit größere Blockbuster-Dimensionen. Oftmals investierten Studios nur in eine Handvoll finanzierter Filme, in der Hoffnung, dass ein oder zwei gewinnbringend gelingen würden. In den 70er Jahren verkauften die einst mächtigen MGM Studios viele ihrer Vermögenswerte, gaben das Filmgeschäft auf und diversifizierten sich in andere Bereiche (hauptsächlich Hotels und Casinos).

Ein großer Schwerpunkt lag auf den Kasseneinnahmen und der Produktion von action- und jugendorientierten Blockbuster-Filmen mit schillernden Spezialeffekten. Aber es wurde immer schwieriger vorherzusagen, was sich verkaufen oder ein Hit werden würde. Hollywoods Wirtschaftskrisen in den 1950er und 1960er Jahren, insbesondere während des Krieges gegen die Verlockung des Fernsehens, wurden etwas gemildert, als in den 70er Jahren Sommer-"Blockbuster"-Filme oder "Quotevent-Filme" aufkamen, die an ein Massenpublikum vermarktet wurden, insbesondere nach dem großartigen Erfolg zweier einflussreicher Filme:

Beide Filme waren meisterhaft gemachte, unumstrittene Genrefilme - und kündigten an, was in den kommenden Jahren und Jahrzehnten kommen würde. Obwohl das Budget für Kiefer wuchs während der Produktion von 4 Millionen US-Dollar auf 9 Millionen US-Dollar und wurde zum erfolgreichsten Film der Geschichte - bis Krieg der Sterne. Beide Kiefer und Krieg der Sterne waren die Erste Filme, um mehr als 100 Millionen US-Dollar an Leihgebühren zu verdienen.

[Der durchschnittliche Ticketpreis für einen Film betrug 1971 1,65 US-Dollar und kostete 1978 in Erstaufführungstheatern etwa zweieinhalb US-Dollar. Zweite Kinos könnten weniger verlangen und senkten ihren Eintrittspreis oft auf 1,00 US-Dollar. Das durchschnittliche Filmbudget betrug 1978 etwa 5 Millionen US-Dollar und stieg bis 1980 aufgrund der Inflation und steigender Kosten dramatisch auf 11 Millionen US-Dollar an. Daher ging die Produktion von Hollywood-Filmen Ende der 70er Jahre steil zurück, z. B. auf 354 Veröffentlichungen im Jahr 1978 gegenüber 560 im Vorjahr.]

Neue Märkte für Hollywoods Produkte:

In diesem Jahrzehnt entstanden Nebenmärkte für Hollywoods Produkte:

  • Kabelfernsehen - das Erste Pay-/Premium-Fernsehsender, Heimkasse (HBO), 1975 gegründet, demonstrierte HBO die Popularität seines Programms und war der erste in der Fernsehbranche, der Satelliten für die regelmäßige Übertragung von Programmen einsetzte, mit seinem Boxkampf "Thrilla in Manila" zwischen Muhammad Ali und Joe Frazier
  • Der Erfolg von HBO Mitte der 70er Jahre beflügelte das Wachstum des Kabelfernsehens. Bald darauf konkurrierten in den späten 70er und frühen 80er Jahren neue, über Satelliten übertragene Basis- und Premium-Kabelfernsehnetze erfolgreich mit den großen Fernsehnetzen, darunter Filmkanäle wie Viacoms Show Time (1976, mit Satellitenübertragung 1978), Warner Amex's Der Filmkanal(1979), Zeit/HBOs Cinemax (1980), Der Disney-Kanal (1983) und Amerikanische Filmklassiker (AMC) (1984).
  • Um die Gewinne aus dem Wochenendpublikum zu maximieren, beschloss die Branche 1973, die großen Filmeröffnungen von Mitte der Woche auf Freitag zu verlegen
  • Pay-Kabelfernsehen war in der Lage, Obszönitäten und Sex zu ermöglichen, die über das hinausgehen, was im kommerziellen Netzwerkfernsehen angeboten werden konnte - der unverschämte Komiker George Carlin Erste Comedy-Special wurde auf HBO ausgestrahlt als Vor Ort: George Carlin am USC (1977) mit warnenden Haftungsausschlüssen über die Verwendung von starker Sprache war es der Erste vieler HBO-Comedy-Konzertübertragungen
  • Multiplex-Kinos - die Verbreitung von Multi-Screen-Kettentheatern in Vororten, die große Filmpaläste ersetzten, bedeutete, dass mehr Filme einem kleineren Publikum auf der ganzen Welt gezeigt werden konnten größten Cineplex (mit 18 Theatern) wurde 1979 in Toronto eröffnet
  • Werbung/Promi-Magazine - danach Lebensmagazin stellte seine wöchentlichen Veröffentlichungen 1972 ein, People-Magazin - Erste veröffentlicht als Wochenmagazin im März 1974 (mit Mia Farrow auf seiner Erste Cover), übernahm die Rolle des Celebrity Watching und der Filmförderung für die Branche
  • Hollywood erkannte, dass es seine Gewinne steigern konnte, indem es seine Neuerscheinungen im Fernsehen bewarb - Erste als erfolgreich erwiesen mit der massiven TV-Marketingkampagne (700.000 US-Dollar für drei Nächte landesweiter TV-Werbung zur Hauptsendezeit in allen Sendern) für Kiefer (1975). Universal nannte ihn "die größte nationale TV-Spot-Kampagne der Industriegeschichte". Der Film wurde am Eröffnungswochenende auch in fast 500 Kinos gebucht - ein Rekord!
  • Vom Winde verweht (1939)Erste wurde 1976 im Netzwerkfernsehen ausgestrahlt und zog an zwei Abenden ein riesiges Publikum an - etwa 34 Millionen Menschen - die größten jemals Filmpublikum einen Spielfilm im Fernsehen sehen

Die Home-Video-Revolution: Eine kurze Geschichte

  • Anfang des letzten Jahrzehnts bot Ampex 1963 die Erste Consumer-Version eines Videorecorders zu einem exorbitanten Preis von 30.000 US-Dollar, weitere Iterationen würden folgen, wie z Videokassettenrekorder (VCR) 1969 und die Einführung des U-Matic 1972
  • 1972, die AVCO CartriVision-System war der erste Videokassettenrekorder, der vorbespielte Bänder populärer Filme (von Columbia Pictures) zum Verkauf und zur Vermietung anbot – drei Jahre bevor das Betamax-System von Sony auf den Markt kam. Ein Jahr später wurde das Unternehmen jedoch eingestellt
  • die Erscheinung von Betamax von Sony (das erste Zuhause Videorecorder oder Videokassettenrekorder) im Jahr 1975 mit einem günstigeren Verkaufspreis von 2.000 US-Dollar und einer Aufnahmezeit von bis zu einer Stunde zu einem Verkaufsboom führte - es war ein technisch überlegenes Format im Vergleich zu den VHS-System das ab 1976 von JVC und Matsushita vermarktet wurde
  • In den späten 70er Jahren hatten die Verbraucher die Wahl zwischen zwei Wiedergabe-/Aufnahmeformaten: VHS (Video-Home-System) oder Sony&rsquos Betamax.
  • 1976 wurde Paramount die Erste die Freigabe seiner Filmbibliothek auf Betamax-Videokassetten zu genehmigen. 1977 folgte 20th Century Fox seinem Beispiel und begann mit der Veröffentlichung seiner Filme auf Videoband
  • 1977 stellte RCA die ersten Videorecorder in den Vereinigten Staaten vor, die auf dem VHS-System von JVC basieren und bis zu vier Stunden auf 1/2" magnetischem Videokassettenband (mit einer aufklappbaren Abdeckung an der Vorderseite) oder 2 Stunden mit besserer Qualität aufnehmen können
  • Ende der 70er Jahre lag der Marktanteil von Sony am Verkauf von Betamax-Videorecordern unter dem von VHS-Geräten. 1987 basierten etwa 90 Prozent des 5,25-Milliarden-Dollar-Marktes von in den Vereinigten Staaten verkauften Videorecordern auf dem VHS-Format.]
  • Videoverkauf - die Erste Filme auf Videoband wurden von der . veröffentlicht Magnetic Video Corporation (eine 1968 von Andre Blay in Detroit, Michigan, gegründete Firma, die erste Videovertriebsgesellschaft) - sie lizenzierte im Oktober 1977 fünfzig Filme für die Veröffentlichung von 20th Century Fox für 300.000 US-Dollar (sowohl Betamax als auch VHS) an Verbraucher war es das erste Unternehmen, das voraufgezeichnete Videos verkaufte M*A*S*H (1970) war Magnetics beliebtester Titel
  • Videoverleih - 1977 begann George Atkinson aus Los Angeles, den Verleih von 50 Magnetic Video-Titeln seiner eigenen Sammlung in der Los Angeles Zeiten, und startete den ersten Videoverleih, Videostation, am Wilshire Boulevard, mietete innerhalb von 5 Jahren Videos für 10 US-Dollar pro Tag und betrieb mehr als 400 Video Station-Stores im ganzen Land
  • 1978 führte Philips die Video-Laser-Disc (alias laserdisc und LD) – das erste optische Disc-Speichermedium für den Verbrauchermarkt Pioneer begann 1980 mit dem Verkauf von Heim-LaserDisc-Playern
  • schließlich würden die laserdisc-systeme durch die DVD ("Digital Versatile Disc")-Format im Jahr 1997 und ersetzte VHS-Systeme innerhalb eines Jahrzehnts vollständig. Der letzte eigenständige JVC-VHS-Videorecorder wurde im Oktober 2008 produziert.

Ursprünglich als Bedrohung für Filme angesehen, weil die Verbraucher Off-the-Air-Aufnahmen machen konnten, wurde die Technologie neu bewertet, als die Studios lukrative Verkäufe und Mieten von aufgezeichneten Versionen ihrer kommerziell veröffentlichten Filme entdeckten. Dies war eine neue Einnahmequelle, die das Geschäft tatsächlich förderte und stimulierte. VHS-Videoplayer, Laserdisc-Player und die Veröffentlichung von Filmen auf Videokassetten und -discs vervielfachten sich, als die Preise sanken, was eine neue Branche schuf und den Filmstudios beträchtliche Einnahmen und Gewinne einbrachte. Alle großen Hollywood-Studios hatten ihre eigenen Videoabteilungen (z. B. gründete Warner Bros.) Warner-Heimvideo Ende der 70er Jahre) und Ende der 80er Jahre in den USA waren die Einnahmen aus dem Videoverleih doppelt so hoch wie die der Kinokassen. Außerdem könnten unabhängige Filmemacher und Produzenten ihre Filme jetzt effektiver vermarkten, indem sie Bänder und Discs zum Anschauen verteilen.

Es war klar, dass das Aufkommen neuer Möglichkeiten, Filme zu sehen: (über Abonnement-Kabelfernsehen, über Videokassette oder Laserdisc) das Filmpublikum jetzt Filme ansehen, aufnehmen oder ausleihen konnte, die zuvor schwer zu sehen waren. Eine neue Welle des Sammelns riesiger Filmbibliotheken entwickelte sich unter den Verbrauchern, die jede Woche aufmerksam die Neuerscheinungen verfolgten, und das Interesse am Filmschauen wuchs. Ein wesentlicher negativer Nebeneffekt oder Nachteil des Heimkinos war jedoch, dass das Konzept eines „kollektiven Publikums“, das gemeinsam einen Film in einem Theater besuchte, vom isolierten Zuschauer verdrängt wurde. Die Theaterbesuche würden im nächsten Jahrzehnt aufgrund der Heimvideo-Invasion drastisch zurückgehen.

Einnahmen aus Pornografie und Videobändern:

Eine filmbezogene Branche, die von der Entwicklung des Videorekorders (und der VHS) profitierte, war die Pornografieindustrie – nicht mehr mussten Zuschauer von Erwachsenenfilmen schäbige Kinos mit X-Rating besuchen, um Pornofilme anzusehen, und dies führte zu Sky - rasante Gewinne aus dem Verkauf und Verleih von X-bewerteten Videobändern.

[Anmerkung: Es wurde weithin behauptet, obwohl stark umstritten, dass das VHS-System den Marketingkrieg gegen das Betamax-System von Sony gewonnen hat, teilweise aufgrund des Verbots von pornografischem X-bewertetem Inhalt auf seinen Bändern. Tatsächlich waren Pornos auf Betamax verfügbar, aber es stimmte, dass auf VHS viel mehr Pornos produziert wurden als auf Betamax. Es stimmte jedoch auch, dass die Einnahmen aus Pornos - obwohl sie groß waren - nur einen kleinen Bruchteil der Gesamteinnahmen der jährlichen Videoeinnahmen ausmachten - sowohl aus Vermietungen als auch aus Verkäufen.

Änderungen gegenüber den traditionellen Hollywood-Filmstudios:

Die etablierten Hollywood-Filmstudios (außer Universal und Walt Disneys Buena Vista) nicht mehr direkt kontrollierte Produktion. Obwohl der Filmvertrieb immer noch von Studios dominiert wurde, lagen andere Bereiche wie Produktion, Dreharbeiten und Finanzierung (ganz oder teilweise) zunehmend in den Händen unabhängiger Studios, Produzenten und/oder Agenten. Eine neue Generation von Filmstars, darunter Jack Nicholson, Al Pacino, Robert De Niro und Dustin Hoffman, waren geschickter als "Charakterschauspieler", die ihre Bildschirmbilder anpassen und formen konnten, um eine Reihe unterschiedlicher Rollen zu spielen.

1975 wurde die Agentur für kreative Künstler wurde von Michael Ovitz und zwei seiner Kollegen (ehemals Agenten der William Morris Agency) gegründet, um Schauspieler zu vertreten und ein "Paket" von Talenten für Filmprojekte zu werden - was zu einem Wettbewerb zwischen Agenten führte. Und im Rahmen ihrer Freizeit-Unterhaltungssparten kauften Investmentkonzerne viele der Studios auf, mit entscheidender Entscheidungsgewalt über die Anzahl der Filme und die hoffentlich rentablen Projekte. Alle Elemente eines Films wurden zusammengeführt und verpackt - die "Eigenschaften" von Originaldrehbuch, Roman oder Bühnenstück wurden mit bewährten Kassenstars, Regisseuren und Marketingstrategien kombiniert.

Die günstigeren Kosten für Dreharbeiten vor Ort (mit Cinemobils oder Filmstudios auf Rädern) förderten mehr Dreharbeiten vor Ort oder das Filmen in gemieteten Produktionsräumen. Schnelleres Filmmaterial, leichte kinematografische Ausrüstung und der Einfluss der kino vérité Bewegung brachte weniger formale Stile in amerikanische Produktionen. Die Funktionen der Filmemacher begannen sich zu vermischen – es gab Schauspieler-Produzenten, Regisseur-Produzenten, Autor-Produzenten, Schauspieler-Autoren und mehr.

Zum Beispiel der beliebteste Independent-Hit des Jahrzehnts und Gewinner des Besten Films, der Sportfilm von Regisseur John Avildsen Felsig (1976) war die erste (und beste) in einer langen Reihe von Selbstparodie-Fortsetzungen, in denen der Schauspieler und unbekannte Drehbuchautor Sylvester Stallone als Underdog, der unartikulierte Boxer Rocky Balboa aus Philadelphia (inspiriert vom Boxer Chuck Wepner) in einer "Cinderella"-Geschichte zu sehen war. [Als aufstrebender Star hatte Stallone zuvor Co-Drehbuch geschrieben und als Stanley Rosiello in Lederjacke neben Henry Winkler als Butchey Weinstein in dem Coming-of-Age-Gang-Drama mitgewirkt Die Herren von Flatbush (1974).] Der Held des Films verlor tatsächlich seinen Kampf, nachdem er von Apollo Creed (inspiriert von Muhammad Ali) brutal verprügelt wurde, aber er "ging die Distanz" und gewann seine Freundin Adrian!

Der Low-Budget-Boxfilm war einer der Erste große Spielfilme, um das Revolutionäre zu nutzen "Steadicam" von Erfinder Garrett Brown entwickelt. Gebunden für Ruhm (1976) markiert seine Erste verwenden. Es war eine Handkamera, die flüssige, ruckelfreie Bewegungsaufnahmen produzierte – während der choreografierten Kämpfe und der Szene, in der der Boxer die Stufen des Philadelphia Museum of Art hinaufjoggte.

"Movie Brats", betreut von 'King of the B's' Roger Corman:

Mit mehr Macht in den Händen von Produzenten, Regisseuren und Schauspielern entstanden neue Regisseure, von denen viele speziell und formell in Filmkursen / -abteilungen an Universitäten wie UCLA, USC und NYU ausgebildet oder im Fernsehen ausgebildet worden waren . Roger Corman unterstützte diese neue Generation jugendlicher Einzelgänger-Regisseure, die von manchen als "Movie Brats" oder "Geeks" bezeichnet werden. Budgetfilmtechniken und ausbeuterische Elemente.

Corman stellte Leute wie Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Jonathan Demme, Joe Dante, Peter Bogdanovich, James Cameron, Jack Nicholson, Robert DeNiro, Paul Bartel und Robert Towne ein. Er gab vielen dieser Novizen ihre ersten Karrierechancen als Schauspieler, Produzenten, Regisseure, Schriftsteller, Mitglieder von Filmcrews usw. Er ermutigte sie, persönlich relevante und kreative Kunstwerke und neue Genreinterpretationen zu produzieren. Diese Unterstützung belebte die Vorstellung von Auteurismus (die Überzeugung, dass der Regisseur am einflussreichsten und verantwortlichsten für die Schaffung der endgültigen Form, Bedeutung und des Inhalts eines Films war).

Einige der prominenten Film-Gören (oder Geeks) der 70er - ein neues Hollywood
George Lucas (USC) Robert Altmann
John Carpenter (USC) Francis Ford Coppola (UCLA)
Bob Rafelson William Friedkin
Alan Pakula Terrence Malick
Martin Scorsese (NYU) Michael Ritchie
Brian De Palma (Kolumbien und Sarah Lawrence) Woody Allen
Peter Bogdanovich Paul Mazursky
Michael Cimino Hal Ashby
Steven Spielberg Johannes Cassavetes
Paul Schrader (UCLA) John Milius (USC)
Dennis Hopper Mike Nichols
David Lynch George Romero
Wes Craven John Milius
James Cameron Jonathan Demme
Joe Dante Bruce Dern
Ron Howard Gale Anne Hurd
John Sayles Paul Bartel

Zum Beispiel war das Regiedebüt von Peter Bogdanovich für Ziele (1968), hergestellt für AIP. Und Francis Ford Coppola führte Regie (und Drehbuch) von Cormans Horror-Thriller Demenz 13 (1963) - es war Coppolas erstes Mainstream-Bild. Jack Nicholson spielte in einer Reihe früher Corman-Filme mit, darunter sein Leinwanddebüt in Der Schrei-Baby-Killer (1958) und später eine kleine Rolle in Der kleine Horrorladen (1960) - über eine fleischfressende Haustierpflanze. Einer der frühesten Regiefilme von Martin Scorsese (und sein erster kommerziell-konventioneller Film) war Cormans Güterwagen Bertha (1972) mit Barbara Hershey und David Carradine als zwei Outlaw-Volkshelden aus der Zeit der Depression. Das Regiedebüt des Drehbuchautors/Regisseurs Jonathan Demme war für Cormans Käfigwärme (1974) -- ein denkwürdiger Film über Frauen im Gefängnis mit viel Sex, Nacktheit, Action und Gewalt. Und die beiden Western von Monte Hellman Fahrt im Wirbelwind (1965) und Die Schießerei (1967) beide spielten Jack Nicholson (der auch den ersten Film mitgeschrieben und produziert hat).

Corman gab filmische Ratschläge: Verwenden Sie eine sich schnell bewegende Kamera, um schnelle Action zu erzielen, vermeiden Sie Klischees, fügen Sie ein paar kleine soziale Kommentare hinzu, verwenden Sie visuell ansprechende Bildschirmkompositionen, Sex (und Nacktheit), augenzwinkernden Humor und irgendeine Art von Spielerei . Einige der neuen Regisseure zeichneten sich durch einen audiovisuellen Ansatz beim Filmemachen aus, bei dem Stil, ohrenbetäubende Soundtracks und Action manchmal wichtiger waren als der Inhalt.

Die neue amerikanische Welle von Filmemachern wurde auch von unkonventionellen Werken der italienischen Neorealisten oder der französischen New-Wave-Künstler beeinflusst, wie bereits erwähnt. Filme, die außerhalb der traditionellen Hollywood-Form von jüngeren Talenten gedreht wurden, mit großartigen Werken der Charakterentwicklung und manchmal mit mehr Gewalt und Sex, wurden von der Kritik gelobt und brachten enorme Einnahmen ein.

Alte Garde-Veteranen waren durch den schnellen Wandel ratlos und verloren mit einer Veränderung der Zusammensetzung des Filmpublikums etwas von ihrer Schneide oder Schlagkraft. Der einst provokative Autor/Regisseur Billy Wilder konnte in den 1960er-Jahren nur einen Hit landen (die beliebte Komödie mit ungeraden Paaren). Der Glückskeks (1966)), während alles andere verpuffte (z. B. zwei romantische Komödien einschließlich Irma La Douce (1963) mit Shirley MacLaine als Pariser Prostituierte und dem Fahrzeug von Dean Martin Küss mich, dumm (1964) - von der Katholischen Liga für Anstand wegen ihrer Ausschweifungen überraschend "verurteilt". Und dann, in den 70er Jahren, hatte Wilder vier unscheinbare und mittelmäßige Filme (die stark bearbeiteten und umgeschnittenen) Das Privatleben von Sherlock Holmes (1970), Avanti! (1972), Die Titelseite (1974), und Fedora (1978)). Er beendete seine bemerkenswerte Filmkarriere mit der kleinen Farce Kumpel, Kumpel (1981) - ein weiterer Versuch mit Jack Lemmon.

Ein weiterer Veteran des Goldenen Zeitalters, Vincente Minnelli, litt ebenfalls im neuen, eher jugendorientierten Jahrzehnt mit nur zwei Filmen in den 1970er Jahren, bevor er seine Regiekarriere beendete: das Musical An einem klaren Tag können Sie für immer sehen (1970) mit Barbra Streisand und das schlecht aufgenommene Drama Eine Frage der Zeit (1976) mit seiner eigenen Tochter - Sängerin/Schauspielerin Liza Minnelli.

Als Fußnote zum Jahrzehnt kehrte Regisseur Alfred Hitchcock (ohne jemals einen Oscar für die beste Regie zu gewinnen) nach seinen enttäuschenden Filmen nach England zurück Zerrissener Vorhang (1966) und Topas (1969) um seine zu machen Erste Britischer Film in fast zwei Jahrzehnten - Raserei (1972). Seine Erste Hollywood-Film war Rebekka (1940), und sein letzter Film war in diesem Jahrzehnt - der leichte Thriller Familiengrundstück (1976).

USC-Absolvent George Lucas hat seinen Namen in die Liste der neuen Direktoren aufgenommen. Sein erster Film, der von American Zoetrope produziert und von Francis Coppola als ausführender Produzent produziert wurde, war eine abendfüllende Version eines Science-Fiction-Studentenfilms, den er zuvor gedreht hatte - die alptraumhafte Vision einer entmenschlichten Zukunft in THX 1138 (1971). Der numerische Spitzname würde in späteren Lucas-Werken als "In-Witz" erscheinen: als Nummernschild von John Milners Auto in Amerikanische Graffiti (1973), als Nummer des Zellenblocks mit "Chewbacca" in Krieg der Sterne (1977), in anderen Filmen der Krieg der Sterne Serie (außer Jedi) und in zahlreichen anderen Filmen (d. h. Swinger (1996), Sky Captain und die Welt von morgen (2004)).

Sein zweiter Film, den er mitgeschrieben und inszeniert hat, der Low-Budget Amerikanische Graffiti (1973) war ein warmherziger, ritueller Film über eine Reihe von kalifornischen Teenagern (Unbekannte, die zu zukünftigen Stars wurden, darunter Harrison Ford, Cindy Williams, Mackenzie Phillips und Richard Dreyfuss), die in den frühen 60er Jahren sinnlos die Hauptstraße ihrer Kleinstadt [Modesto, CA] in Hot Rods einer langen Sommernacht - begleitet von einem Nonstop-Soundtrack aus Rock 'n' Roll-Hits (Eröffnung mit Bill Haley and the Comets). Der Slogan oder Slogan des Films förderte Nostalgie: „Wo warst du in '62?“ Zu den Teenager-Archetypen gehörten der Hot-Rod-liebende Delinquenten (Paul Le Mat), der schlaue Schüler (Richard Dreyfuss), der stereotype Klassensprecher (Ron Howard) und der Sonderling (Charles Martin Smith).

1971 gründete Lucas seine eigene Filmfirma, Lucasfilm Ltd., in San Rafael, Kalifornien, das sich bald zu einer Reihe spezialisierter Unternehmen entwickelte. Vor seinem nächsten großen Hit (Krieg der Sterne (1977)), Lucas organisiert Industrielles Licht und Magie (ILM), einer Postproduktionsstätte in Marin County, um den Bereich Spezialeffekte, Modellierung, Sounddesign, computergenerierte Effekte und andere bahnbrechende Techniken voranzutreiben.

Zunächst wenig bekannt, führte John Carpenter bei dem Kult-Science-Fiction-Film Regie Dunkler Stern (1974) - ein Spielfilm-Derivat eines Studentenkurzfilms, der während seines Filmstudiums an der USC gedreht wurde. Es war eine Parodie auf Stanley Kubricks 2001: Odyssee im Weltraum (1968). (Carpenter komponierte alle Partituren für seine Filme beginnend mit Dunkler Stern.) Er führte auch Regie bei dem Low-Budget-Action-Thriller Angriff auf Revier 13 (1976) (ein modernisiertes Remake von Howard Hawks' Rio Bravo (1959)).

Carpenter wurde vor allem nach seinem sehr erfolgreichen Low-Budget-Slasher-Film aufgefallen Halloween (1978) - es war seins Dritter Spielfilm und der bis dahin umsatzstärkste Independent-Film in den USA. Der schwer zu tötende, maskierte, messerschwingende Stalker Michael Myers verfolgte in der Halloween-Nacht in einer kleinen Stadt im Mittleren Westen gespannt den jungen Babysitter Jamie Lee Curtis (später die "Königin des Horrors"). In seinem Gefolge hat der profitable und stilvoll gemachte Film (oft aus der Sicht des Mörders) mit seinem gruseligen, erkennbaren Soundtrack einen Mini-Horrorfilm-Boom mit vielen kleineren 'Psycho-Slashern' oder Teen-Schreien hervorgebracht Filme, die bis in die 1980er Jahre erscheinen.

Der ehemalige Autor, Produzent und Regisseur im Fernsehen (und bekannt für die Monkees-Fernsehserie) wandte sich Ende der 60er Jahre dem Film zu. Sein Spielfilmdebüt war, wie vorhersehbar, der Slapstick-Monkees-Film Kopf (1968), zusammen mit Jack Nicholson geschrieben. Sein zweiter Film (der Rafelson eine Nominierung für das beste Drehbuch einbrachte) war einer der besten der 70er Jahre. Fünf leichte Stücke (1970), eine faszinierende, aber erschütternde Roadmovie-Geschichte eines emotional entfremdeten klassischen Konzertpianisten namens Bobby Dupea (Jack Nicholson kurz nach seiner Arbeit in Easy Rider). Er wurde aus seiner Familie der Oberschicht vertrieben und war als Arbeiter auf Ölfeldern nach Südkalifornien geflohen, wo er bei einer niederen Kellnerin namens Rayette (Karen Black) lebte (die Tammy Wynette-Musik hörte). Sein Leben bestand aus endlosen Partys, freizügigem Sex, Kartenspielen und Trinken. Nach Jahren des Exils kehrte er zu seinem kranken Vater auf das abgelegene Inselgut der Familie im Puget Sound-Gebiet zurück, wo er sich erneut entfremdet und verloren fühlte. In den letzten Momenten des Films entkam er impulsiv wieder – er verließ Rayette an einer Tankstelle und fuhr an unbekannte Orte im Norden.

In den 70er Jahren führte Rafelson auch bei einem Nachfolgefilm Regie Der König von Marvin Gardens (1972) mit Jack Nicholson, Bruce Dern und Ellen Burstyn und dem skurrilen Bleib hungrig (1976) mit Sally Field und Jeff Bridges (und einem sehr frühen Auftritt von Arnold Schwarzenegger). Sein nächster bemerkenswerter Film war das sexy Remake Der Postbote klingelt immer zweimal (1981) mit Jack Nicholson und Jessica Lange.

Ein anderer ehemaliger Filmproduzent Alan Pakula führte Regie bei Liza Minnelli in ihrer zweiten Filmrolle in Der sterile Kuckuck (1969) eine ergreifende, seltsame Komödie/Drama über einen neurotischen und exzentrischen College-Studenten namens Pookie Adams.

Pakulas beste Filme in den 70ern waren Klute (1971) - ein großartiger Detektivthriller über das Stalking einer harten New Yorker Nutte (Jane Fonda gewann einen Oscar für ihre Leistung) und das fesselnde politische Melodram Alle Männer des Präsidenten (1976) über zwei junge, nonkonformistische, Pulitzer-Preisträger Washington Post Die Nachrichtenreporter Woodward und Bernstein (Robert Redford und Dustin Hoffman), die sich dem System widersetzten und den Watergate-Einbruch 1972, den Einbruch und die anschließende Vertuschung untersuchten. Pakula führte auch Regie bei dem glaubwürdigen und packenden politischen Verschwörungsthriller Die Parallaxenansicht (1974) - Besetzung von Warren Beatty als Journalist, der die Ermordung eines Präsidentschaftskandidaten untersucht. Burt Reynolds spielte mit Jill Clayburgh in Alan Pakulas beliebter romantischer Komödie für Erwachsene Neu anfangen (1979).


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8 Kommentare:

War das nicht bis in die 1930er Jahre auch der Standort der Famous Players-Lasky Studios? Wenn Sie auf die Bank schauen, gibt es ein Wandbild, das dem Stummfilm gewidmet ist. Greta und Valentino und Mary und so weiter. Irgendwie ordentlich, aber schwer Bilder zu machen.

Ich bin schon immer fasziniert davon, über Gebäude von damals und heute zu lesen, auch wenn man oft feststellt, dass viele alte Gebäude abgerissen wurden!

Ja, du hast Recht! Einige Jahrzehnte bevor NBC dieses Grundstück besetzte, war es die Heimat des Studios Famous Players-Lasky, das später zu Paramount wurde. Das Studio begann an der Ecke von Selma und Vine und erweiterte sich dann schnell um verschiedene Bühnen- und Backlot-Strukturen.

Ich freue mich, dass dir der Blog Sebina gefällt. Danke für's vorbeikommen :)

Ich liebe die Vorher- und Nachher-Aufnahmen von LA.
du hast einen tollen Blog - lese ihn gerne!
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Bevor dieses Gebäude 1938 eröffnet wurde, hatte NBC Radio West Coast seinen Hauptsitz in San Francisco, in einer Einrichtung namens Radio City West auf Sutter.

Nach dem Umzug nach Hollywood ließ NBC 1942 in San Francisco ein neues Gebäude errichten, das nicht im Besitz von NBC war, sondern von ihm gepachtet wurde. Dieses Gebäude ist offiziell NBC Radio City West. NBC-Radio zog 1967 an einen anderen Ort um.

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